Autoportret de Rembrandt, 1661. Ulei pe pânză, 114x91.
Kenwood House, Londra, English Heritage.
Ilustrație de pe site-ul http://rembr.ru/

Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606–1669), pictor, desenator și gravor olandez, unul dintre cei mai mari maeștri ai artei vest-europene. Născut la Leiden la 15 iulie 1606 în familia unui morar bogat. În 1620 a intrat la Universitatea din Leiden, dar nu a stat mult acolo și în curând a devenit studentul artistului local Jacob Isaacs Swanenburch. În jurul anului 1623 s-a mutat la Amsterdam, unde a intrat în atelierul lui Jan Peynas și a studiat cu maestrul picturii istorice Pieter Lastman. Acesta din urmă l-a introdus pe Rembrandt în operele maeștrilor artei italiene. Din 1625 până în 1631, Rembrandt și-a păstrat propriul atelier în Leiden, lucrând uneori cu pictorul și gravorul Jan Lievens. Dintre elevii lui Rembrandt, Gerard Dou este cel mai faimos.

În 1631 sau la sfârșitul lui 1632, Rembrandt s-a întors la Amsterdam. La 22 iunie 1635 s-a căsătorit cu Saskia van Uylenburch, fiica bogatului burgmaster din Leuwarden. În 1642, succesul în creativitate și viața personală a făcut loc unei serii de nenorociri. La sfârșitul anilor 1630, i s-au născut patru copii unul după altul, dar toți au murit în copilărie, iar apoi, la 14 iunie 1642, iubita lui soție a murit brusc. Artistul a rămas alături de fiul său, Titus, în vârstă de un an. The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), finalizat la scurt timp după moartea lui Saskia, marchează începutul noilor sale explorări creative.

La sfârșitul anilor 1640, Hendrikje Stoffels a devenit soția neoficială a lui Rembrandt (conform testamentului lui Saskia, acesta nu se putea căsători a doua oară). În 1654 s-a născut fiica lor Cornelia. Cu toate acestea, acum artistul era bântuit de dificultăți financiare. În iulie 1656 a fost forțat să declare faliment, iar în următorii doi ani colecția sa remarcabilă a fost vândută. Dorind să-l ajute pe Rembrandt, la sfârșitul anului 1658 Titus și Hendrikje au început să se angajeze în comerțul cu pictură.

Ultimii ani ai vieții artistului au fost umbriți de moartea celor dragi. Hendrickje a murit la 24 iulie 1663. Titus s-a căsătorit în februarie 1668 și a murit șase luni mai târziu.

Acum Rembrandt a rămas singur cu tânăra Cornelia. Rembrandt a murit la 4 octombrie 1669.

Perioada timpurie a operei lui Rembrandt ar trebui luată în considerare în contextul influenței artei italiene asupra picturii olandeze. Dintre maeștrii italieni, olandezii au fost atrași în special de Caravaggio, în ale cărui lucrări naturalismul îndrăzneț și modelarea contrastantă a luminii și umbrelor păreau a fi o provocare pentru arta clasică. Artiști precum Gerard Terbruggen și profesorul lui Rembrandt Pieter Lastman au lucrat în stilul lui Caravaggio, introducând treptat caravagismul în arsenalul mijloacelor artistice ale picturii olandeze. Picturile lui Rembrandt din perioada Leiden (1625–1631) aparțin și ele acestei mișcări. Picturile The Money Changer (1627, Berlin) și The Scientist in His Study (1629, Londra, National Gallery) au arătat interesul maestrului pentru transmiterea efectelor de lumină. Prima dintre ele înfățișează un bătrân cu ochelari la serviciu, într-un colț presărat cu cărți de contabilitate. Fața lui încrețită este luminată de lumina slabă a unei singure lumânări, pe care o acoperă cu mâna. În al doilea tablou, Rembrandt a căutat să transmită atmosfera unui interior aerisit. Subiectul principal al imaginii este încăperea în sine, cu un tavan înalt, plin de lumină moale, fluturând.

De-a lungul carierei sale creatoare, artistul a apelat la subiecte în care drama vieții profunde se îmbină cu elemente de psihologism subtil. Tabloul Cina la Emaus (c. 1630, Paris, Muzeul Jacquemart-André) prezintă trăsăturile picturii lui Rembrandt din această perioadă. Rembrandt a prezentat acest episod ca o punere în scenă teatrală. Silueta lui Hristos iese în evidență pe fundalul luminii orbitoare, cea mai mare parte a pânzei fiind scufundată în umbră.

Mutarea la Amsterdam și marile succese artistice care au urmat au deschis o nouă perioadă în opera lui Rembrandt; acesta este un deceniu în care au fost create lucrări, impregnate de dramatism și, în același timp, nelipsite de senzualitate materială, parțial legate în spirit de operele flamandului Peter Paul Rubens. Prima comandă majoră primită de Rembrandt la Amsterdam a fost tabloul Anatomia doctorului Tulp (1632, Haga, Mauritshuis).

Este o imagine a unui celebru medic din Amsterdam și a colegilor săi din breasla chirurgilor din oraș.

Hedonismul și virtuozitatea tehnică care caracterizează pictura lui Rembrandt din acești ani sunt poate cel mai viu întruchipate în Autoportret cu Saskia (c. 1635, Dresda, Galeria de imagini). Aici artistul s-a înfățișat într-un costum romantic de domn; Își ridică paharul de bere cu o mână și o îmbrățișează pe Saskia, care stă în poală, cu cealaltă. Luminozitatea culorilor și libertatea trăsăturilor corespund pe deplin stării de spirit a scenei.

Autoportret cu Saskia în poală. 1635

La începutul anilor 1640, viața și activitatea artistică a lui Rembrandt au dobândit stabilitate și regularitate. Self-Portrait 1640 (Londra, National Gallery), influențat de lucrările lui Rafael și Tizian, arată un bărbat încrezător, sensibil, îmbrăcat după moda italiană din secolul al XVI-lea, sprijinit pe o balustradă; umerii îi sunt ușor întoarse, privirea îndreptată spre privitor.

Una dintre cele mai cunoscute picturi ale acestei perioade este The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Numele real al lucrării este Compania căpitanului Frans Banning Kok și locotenentului Willem van Ruytenburg. A fost scrisă cu ocazia vizitei reginei franceze Marie de' Medici la Amsterdam și a ieșirii ceremoniale a trupelor de miliție a orașului organizate cu această ocazie.

Fundalul întunecat predominant din imagine face posibilă evidențierea mai bine a figurilor personajelor. De aceea în secolul al XVIII-lea. tabloul a fost intitulat greșit Night Watch. La fel ca Anatomia doctorului Tulpe, această pictură depășește portretul tradițional de grup. Înfățișează 29 de personaje, dintre care 16 sunt figuri istorice reale; mișcările și locația lor în imagine sunt subordonate unei singure acțiuni generale care se dezvoltă în fața ochilor privitorului. Stâlpii, bannerele și muschetele ies în direcții diferite, făcând compoziția mai liberă și mai dinamică; senzația este sporită de jocul de lumini și umbre.

Veghe de noapte. 1642

Frunza de o sută de guldeni, o gravură care își ia numele de la prețul cu care a fost vândută la una dintre primele licitații, tratează tema smereniei creștine. Figura lui Hristos nu iese în evidență din mulțime nici prin haine, nici prin poziție specială, dar atenția privitorului este atrasă spre centrul compoziției - chipul Mântuitorului cu cele mai subtile raze de lumină divină care emană din el. De mâna stângă de la El - zdrobiți de slăbiciunea duhului și a cărnii, bogați și săraci, uniți de suferință. În dreapta sunt fariseii, necredincioși și cufundați în dispute nesfârșite. Copiii mici cad la picioarele lui Hristos. În gravura Frunza de o sută de guldeni, în absența acțiunii vizibile, Rembrandt a reușit perfect să transmită miracolul prezenței divine în lumea oamenilor.

De la începutul anilor 1650, portretele lui Rembrandt au devenit profund personale, compozițiile au devenit stricte și geometrice în construcție, iar schema de culori a devenit un spectru imens de nuanțe de trei sau patru culori. Arta lui Rembrandt nu reflectă gusturile mai artistice ale publicului; Artistul este acum ocupat cu cercetarea proprietăților tehnicilor de pictură în ulei. Viziunea asupra lumii a maestrului, întruchipată în lucrările sale ulterioare, atât de apreciate astăzi, a rămas de neînțeles pentru contemporanii săi.

Rembrandt. — Danae. 1636.

Tabloul Omul cu coif aurit (1651, Berlin - Dahlem) realizat de atelierul lui Rembrandt demonstrează trăsăturile caracteristice ale stilului târziu al maestrului. Fața războinicului cu părul cărunt este scufundată într-o umbră moale și adâncă, iar reflexele luminii de pe cască sunt transmise în mișcări libere, largi și groase. Pentru Rembrandt, un subiect neobișnuit poate deveni uneori un motiv pentru experimente artistice îndrăznețe. Un exemplu aici este pictura Carcasă de taur jupuită (1655, Paris, Luvru). Peria readuce viața cărnii moarte și frumusețea urâțeniei. Rembrandt a evitat întotdeauna idealizarea clasicistă în înfățișarea corpului uman. În tabloul Bathsheba (1654, Paris, Luvru), femeia pe care regele David a văzut-o făcându-se și de care s-a îndrăgostit pentru frumusețea ei extraordinară nu este înfățișată în momentul scălării, atât de des aleasă de artiști pentru a spune această poveste și nu este deloc frumos. Ea este cufundată în gânduri adânci și pare să prevadă moartea soțului ei.

În lucrarea sa ulterioară, Rembrandt sa îndreptat din ce în ce mai mult către interpretarea evenimentelor din istoria creștină. Tabloul Coborârea de pe cruce (c. 1655, Washington, National Gallery) este dedicat nu numai morții lui Hristos, ci și durerii celor care Îl jelesc.

Una dintre cele mai cunoscute lucrări de pictură religioasă a lui Rembrandt din această perioadă este pictura Negarea lui Petru (c. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum).

În centru este înfățișată o tânără slujitoare întorcându-se către Petru, iar acesta, cu un gest al mâinii deplasate în lateral, își confirmă cuvintele despre renunțarea la Hristos.

Spațiul din prim-plan este iluminat de o singură lumânare, pe care servitoarea o umbrește cu mâna - o tehnică care era foarte populară printre caravagiști la începutul secolului. Lumina moale a unei lumânări modelează formele figurilor și obiectelor situate în prim-plan. Sunt vopsite cu linii ușoare, într-o schemă de culoare maro-gălbuie cu câteva accente roșii. Uneori, formele par să se dizolve în lumină sau sunt umplute cu ea, ca mâna unei servitoare care blochează o lumânare. Pe chipul lui Peter este o tristețe profundă. Aici, ca și în portretele și autoportretele ulterioare ale artistului, Rembrandt înfățișează bătrânețea cu o pricepere neîntrecută, cu înțelepciunea ei acumulată de-a lungul anilor, slăbiciunea cărnii și forța spiritului.

Unul dintre cele mai bune portrete de grup ale lui Rembrandt este Sindicurile (1661–1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Clienții portretului au fost reprezentanți ai atelierului de confecții din Amsterdam (sindicii). Ei sunt reprezentați în jurul unei mese cu o carte de numărare întinsă pe ea. Artistul face spectatorul un participant la ceea ce se întâmplă în imagine. Se pare că tocmai i-am întrerupt pe sindicii care erau ocupați cu calculele lor și, prin urmare, toți, parcă ridicând o clipă din munca lor, se uită la privitor. Liniile drepte predomină în imagine, dar întoarcerea mesei și jocul complex de lumini înmoaie severitatea compoziției. Pete de lumină sunt împrăștiate pe toată pânza, înviorându-i suprafața picturală. Această imagine este remarcabilă atât ca studiu psihologic, al cărui scop este acela de a descrie oameni cu caractere diferite, cât și ca document istoric.

În jurul anului 1661, Rembrandt a fost comandat pentru una dintre cele opt picturi istorice care ar fi trebuit să decoreze Primăria din Amsterdam. Uriașa pânză (dimensiuni originale 5-5 m) Conspirația lui Julius Civilis, conform diferitelor versiuni, fie nu a fost niciodată atârnată în primărie, fie a ocupat spațiul alocat acesteia timp de cel mult doi ani, iar apoi a fost înlocuită cu un tablou de Ovens pe același subiect. Doar un fragment din această lucrare a lui Rembrandt a supraviețuit, care se află în Muzeul Național din Stockholm. Rembrandt a descris un eveniment descris în Analele istoricului roman Tacitus (secolul I): liderii tribului Batavian jură pe sabie să lupte pentru eliberarea de sub dominația romană. Amploarea acestei lucrări în forma sa originală poate fi judecată din schița compozițională aflată la München. Arată că la început masa și oamenii adunați în jurul ei au fost arătate în spațiul unei săli imense, a cărei profunzime era transmisă prin jocul de lumini și umbre.

În secolul al XVII-lea desenul a servit de obicei ca o schiță preliminară pentru dezvoltarea unei compoziții mari, o schiță a detaliilor individuale ale picturii viitoare sau a fost aplicat pe carton și apoi transferat pe suprafața destinată picturii. Foarte rar un desen a fost gândit ca o operă de artă completă; Adesea, desenele erau aruncate după finalizarea proiectului. Fiecare desen al lui Rembrandt este un studiu al naturii fenomenelor și o încercare de a surprinde caracterul unui moment sau al unui obiect. Când un artist făcea schițe din lucrările vechilor maeștri, nu crea copii, ci variații pe aceeași temă, rezolvând în același timp propriile probleme artistice. În anii 1630 și 1640, el a pictat combinând linii de grosimi diferite cu cele mai fine spălări. Uneori, desenele lui par niște schițe rapide, unde linia nervoasă rămâne cu greu continuă nicăieri.

Rembrandt a fost primul care a realizat posibilitățile bogate de gravare în comparație cu gravura pe metal. Această gravură este creată prin zgârierea unui design pe o placă de metal; apoi placa este acoperită cu vopsea, umplând adânciturile lăsate de tăietor, iar din aceasta se fac amprente pe hârtie folosind o presă. Dispozitivul de tăiere necesită presiune fermă și îngrijire deosebită. Lucrul la gravură, dimpotrivă, nu necesită multă forță fizică, iar liniile sunt mai libere și mai flexibile. În loc să zgârie metalul cu o daltă, artistul acoperă placa cu un lac rezistent la acid și trage pe ea cu un ac, apoi scufundă placa în acid și metalul este gravat în zonele fără lac. Gravura îi oferă artistului mult mai multă libertate și poate desena cu un ac ca și cum ar folosi un pix pe hârtie. În gravurile lui Rembrandt liniile sunt la fel de libere și fluide ca în schițele cu stilou. Pentru a obține noi efecte expresive, el a combinat adesea tehnici diferite: uneori trecea un tăietor peste o placă deja gravată cu acid, alteori grava cu un „punct uscat” - un instrument cu un diamant la capăt, care lasă caneluri cu crestături pe metalul, oferind imprimeului o notă moale și catifelată. De exemplu, în Foaia cu o sută de guldeni artistul a folosit toate aceste tehnici (lucrarea pe această placă a durat câțiva ani).

Vestea bună pentru păstori a lui Liszt (1634) este un adevărat spectacol de teatru baroc. Desenul este realizat cu linii intersectate dens plasate care creează contraste de tonuri deschise și întunecate. Cinci ani mai târziu, în Adormirea Maicii Domnului, dominația zonelor întunecate dens umbrite a fost înlocuită cu o predominanță a zonelor luminoase și a umbririi subțiri paralele. În gravura din Three Trees (1643), contrastul dintre fragmentele de imagine dens umbrite și hârtie albă este dus la extrem; liniile paralele înclinate pe cer transmit perfect senzația unei furtuni de vară. Cea mai dramatică dintre gravurile lui Rembrandt este foaia din Trei cruci (c. 1650).

S-au folosit materiale din enciclopedia „Lumea din jurul nostru”.

Întoarcerea Fiului Risipitor. 1669

Apogeul realismului olandez este opera lui Rembrandt. Inerent imaginilor sale continut ideologicși abilitățile artistice remarcabile îl plasează pe Rembrandt printre cei mai mari reprezentanți ai artei mondiale. Este la fel de grozav ca pictor și ca maestru al gravurii și desenului.

Rembrandt Garmens van Rijn s-a născut în 1606 la Leiden, fiul unui proprietar de moară. Vocația sa pentru pictură s-a manifestat foarte devreme. Primii ani ai călătoriei sale creative, care a avut loc în Leidenul natal, au fost marcați de căutarea independenței creatoare. În 1632 s-a mutat la Amsterdam - centrul vieții culturale a republicii. În „Lecția de anatomie a doctorului Tulp”, care i-a adus un mare succes, Rembrandt rezolvă problema portretului de grup într-un mod nou, unindu-l cu unitatea de acțiune. Faima lui Rembrandt este în creștere, mulți studenți se îngrămădesc în atelierul lui, anii 30 sunt perioada celui mai mare succes în viață al lui Rembrandt; Alături de picturi pe subiecte biblice și mitologice, scrie un număr imens de portrete la comandă, lucrează mult în tehnica gravurii și a desenelor. Lucrările acestui deceniu sunt marcate de un sentiment de mare vitalitate, accentuat de expresivitate dramatică, deși uneori nu sunt lipsite de efecte externe. LA cele mai bune creaturi„Danae” datează din anii 30, unde o imagine mitologică tradițională capătă trăsăturile unui adevăr uimitor de viață. Se conturează sistemul pictural al artistului, în care rolul principal este jucat de contrastele de lumină și umbră, sporind rezonanța emoțională a imaginilor.

La începutul anilor '40, a avut loc un punct de cotitură în opera lui Rembrandt: artistul s-a eliberat de unele dintre trăsăturile limitate caracteristice lucrărilor sale anterioare, metoda sa realistă s-a aprofundat, care, totuși, nu a fost recunoscută de cercurile burgheze. Istoria celebrului său tablou, cunoscut sub numele de „Night Watch”, este indicativă în acest sens. Îndeplinind o comandă pentru un portret de grup al pușcarilor din compania căpitanului Banning Cock, Rembrandt a încălcat toate tradițiile. În loc de o serie de figuri așezate decor pe o pânză, el a prezentat o scenă de stradă plină de realism și poezie înaltă, o reprezentație solemnă a pușcașilor înconjurați de mulțimea orașului atrasă de acest eveniment. În această lucrare monumentală se aude ecoul vremurilor eroice ale Revoluției olandeze. Recepția ostilă care a întâmpinat Veghea de Noapte a fost un indicator al gusturilor limitate ale burgheziei olandeze, îndepărtarea acesteia de la idealurile progresiste ale erei revoluționare.

În lucrările anilor '40, Rembrandt se îndreaptă către lumea oamenilor simpli și săraci - tocmai în acest mediu găsește purtători de înaltă noblețe morală, sentimente puternice, sincere. În filme precum Sfânta Familie sau Bunul Samaritean, evenimentele Evangheliei sunt descrise ca episoade din viața de zi cu zi. Acest lucru conferă temei religioase un sens social aparte. Grafica lui Rembrandt se dezvoltă în aceeași direcție. În faimoasa gravură „Hristos vindecându-i pe bolnavi”, imaginile săracilor și suferinzii sunt puse în contrast cu fariseii care se îndreaptă pe sine.

Ultimii 20 de ani sunt cel mai tragic moment din viața lui Rembrandt. Divergența sa față de gusturile predominante ale burgheziei a dus la o scădere a comenzilor și s-a încheiat în faliment în 1656: proprietatea și colecțiile artistului au fost vândute la licitație, iar el însuși a fost nevoit să se stabilească în cel mai sărac cartier din Amsterdam.

El este bântuit de pierderi grele ale familiei. Dar în acești ani arta lui Rembrandt a atins apogeul. Natura monumentală a imaginilor, revelația profundă a lumii interioare a omului, energia uimitoare a picturii, bazată pe armoniile tonurilor roșiatice și maronii care par să ardă din interior - acestea sunt trăsăturile artei sale târzii. Cele mai bune lucrări din acest timp sunt „Assur, Haman și Esther”, „David înaintea lui Saul”, etc. În aceiași ani, Rembrandt și-a creat compoziția istorică, plină de putere eroică, „Conspirația lui Julius Civilis”, dedicată. la lupta de eliberare a batavilor (considerați strămoșii Olandei) împotriva stăpânirii romane.

În ultimii săi ani, arta portretului maestrului a atins apogeul. În portretele sale, Rembrandt nu se limitează la niciun aspect psihologic, ci oferă, parcă, o imagine a întregii vieți spirituale a unei persoane, mișcarea interioară continuă a gândurilor și sentimentelor. Pentru Rembrandt, bogăția personalității umane este inepuizabilă; Întorcându-se în mod repetat la același model, maestrul găsește întotdeauna în el ceva nou și unic. De exemplu, Rembrandt a creat peste o sută de autoportrete. Cele mai bune creații ale lui Rembrandt includ portretele lui Breuning, Burgomaster Six, a doua soție a artistului, Hendrikje Stoffels, și fiul său, Titus, citind.

Finalul operei lui Rembrandt - faimoasa sa pictură „Întoarcerea fiului risipitor” - uimește prin radiația sentimentului uman profund. Stabilirea idealurilor umaniste în condițiile Olandei în secolul al XVII-lea a însemnat ruptura inevitabilă a artistului de burghezia, care se îndepărtase de tradițiile sale revoluționare. Este foarte semnificativ faptul că moartea marelui maestru în 1669 a trecut complet neobservată.

Printre puținii studenți care au stăpânit principiile înalte ale realismului lui Rembrandt s-au numărat defunctul timpuriu Carel Fabricius (circa 1622-1654) și Art de Gelder (1645-1727).

În ultimul sfert al secolului al XVII-lea. începe o perioadă de declin complet al artei olandeze.

Citat din publicație: Istoria lumii. Volumul IV. M., 1958, p. 311-313.

Literatură:

Rovinsky D. Colecție completă de gravuri ale lui Rembrandt, vol. 1–4. Sankt Petersburg, 1890

Rembrandt. Cultura artistică Europa de Vest Secolul XVII Sankt Petersburg, M., 1970

Egorova K.S. Rembrandt Garmens van Rijn. Picturi ale artistului în muzeele Uniunii Sovietice [Album]. L., 1971

Egorova K.S. Portret în operele lui Rembrandt. M., 1975

Citiți mai departe:

Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Roman-ziar pentru copii).

Artiști(carte de referință biografică).

Citiți mai multe pe web:

Site-ul web http://rembr.ru/ - despre artistul olandez Rembrandt Van Rijn. Galeria de picturi, biografia artistului, cărți și studii despre viața lui Rembrandt.

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) cel mai mare artist, pictor, gravor și desenator olandez. S-a născut într-o familie de morar din Leiden, unde a lucrat până în 1632, după care s-a mutat la Amsterdam. În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu o fată dintr-o familie bogată, Saskia van Uylenburch, a cărei imagine a fost imortalizată de el în multe portrete cu tandrețe și dragoste extraordinare.

Începând cu anii 1640, în opera lui Rembrandt, în special în picturile pe teme religioase, clarobscurul a devenit important, creând o atmosferă emoțională tensionată. Artistul este interesat de esența ascunsă a fenomenelor, de lumea interioară complexă a oamenilor reprezentați.

În 1642, soarta îi dă o lovitură grea lui Rembrandt - Saskia moare. În același an, a pictat cel mai remarcabil și faimos tablou al său, Night Watch, a cărui soluție compozițională nu are nimic în comun cu portretul tradițional de grup.

Cele mai recente lucrări ale sale uimesc prin precizia măiestriei sale.

În ultimele autoportrete ale lui Rembrandt, care au devenit punctul culminant al galeriei sale de portrete de neegalat, spectatorului i se prezintă un bărbat care îndura cu stoicism încercări dificile și amărăciunea pierderii (în 1668 și-a pierdut iubitul Hendrickje Stoffels, iar în 1668, fiul său Titus) .

Rembrandt a creat lucrări minunate în aproape toate genurile și a folosit o varietate de tehnici de scriere (pictură, desen, gravură). Cel mai mare maestru, a influențat mulți artiști celebri. Aureola faimei din jurul numelui lui Rembrandt nu a dispărut și, după moartea sa, a primit adevărata recunoaștere ca unul dintre pictorii remarcabili ai tuturor timpurilor.

		Picturile lui Rembrandt: Danae

1636-1647 Anul nașterii:

15 iulie 1606 Data decesului:

4 octombrie 1669Ţară:

Olanda

Biografie:
Născut în orașul olandez Leiden în 1606 pe 15 iulie. Tatăl lui Rembrandt era un morar bogat, mama lui era un brutar bun și era fiica unui brutar. Numele de familie „van Rijn” înseamnă literal „de la Rin”, adică de la râul Rin, unde străbunicii lui Rembrandt aveau mori. Dintre cei 10 copii din familie, Rembrandt era cel mai mic. Alți copii au mers pe urmele părinților, dar Rembrandt a ales o altă cale - una artistică și a fost educat la o școală latină.

La vârsta de 13 ani, Rembrandt a început să învețe să picteze și a intrat, de asemenea, la universitatea orașului. Vârsta nu deranja pe nimeni atunci, principalul lucru era cunoștințele la nivel. Mulți savanți sugerează că Rembrandt a intrat la universitate nu pentru a studia, ci pentru a obține o amânare de la armată. Primul profesor al lui Rembrandt a fost Jacob van Swanenburch
. Viitorul artist a petrecut aproximativ trei ani în studioul său, apoi s-a mutat la Amsterdam pentru a studia cu Pieter Lastman. Din 1625 până în 1626 Rembrandt s-a întors în orașul natal și a făcut cunoștințe cu artiști și unii dintre studenții lui Lastman.

În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu Saskia. Până la căsătoria lor, fiecare avea o avere bună (Rembrandt prin pictură, iar părinții lui Saskia au lăsat o moștenire impresionantă). Deci nu a fost o căsătorie de conveniență. S-au iubit cu adevărat cu căldură și pasiune.
În anii 1635 – 1640. Soția lui Rembrandt a născut trei copii, dar toți au murit ca nou-născuți. În 1641, Saskia a născut un fiu, care a fost numit Titus. Copilul a supraviețuit, dar, din păcate, însăși mama a murit la vârsta de 29 de ani.
După moartea soției sale, Rembrandt nu era el însuși, nu știa ce să facă și își găsea mângâiere în desen. În anul în care a murit soția sa, el a finalizat pictura „Night Watch”. Tânărul tată nu a putut face față lui Titus și, prin urmare, a angajat o dădacă pentru copil - Gertje Dirks, care i-a devenit amantă. Au trecut vreo 2 ani, iar bona din casă s-a schimbat. A devenit o fată tânără Hendrikje Stoffels. Ce sa întâmplat cu Geertje Dirks? Ea l-a dat în judecată pe Rembrandt, crezând că acesta a încălcat contractul de căsătorie, dar a pierdut disputa și a fost trimisă într-un cămin corecțional, unde a petrecut 5 ani. După ce a fost eliberată, ea a murit un an mai târziu.
Noua dădacă a lui Rembrandt, Hendrikje Stoffels, a născut doi copii. Primul lor copil, un băiat, a murit în copilărie, iar fiica lor Carnelia, singura care a supraviețuit tatălui ei.
Puțini oameni știu asta Rembrandt avea o colecție foarte distinctivă, care includea picturi ale artiștilor italieni, diverse desene, gravuri, diverse busturi și chiar arme.

Declinul vieții lui Rembrandt

Lucrurile nu mergeau bine pentru Rembrandt. Nu erau suficienți bani, numărul comenzilor a scăzut. Prin urmare, artistul a vândut o parte din colecția sa, dar acest lucru nu l-a salvat. Era pe punctul de a merge la închisoare, dar instanța era în favoarea lui, așa că i s-a permis să-și vândă toate proprietățile și să-și achite datoriile. A locuit chiar o vreme într-o casă care nu-i mai aparținea.
Între timp, Titus și mama lui au organizat o companie care făcea comerț cu obiecte de artă pentru a-l ajuta cumva pe Rembrandt. Într-adevăr, până la sfârșitul vieții, artistul nu a plătit niciodată multe, dar acest lucru nu a stricat reputația lui Rembrandt, a rămas o persoană demnă în ochii oamenilor.
Moartea lui Rembrandt a fost foarte tristă. În 1663, iubitul artistului, Hendrickje, a murit. Un timp mai târziu, Rembrandt și-a îngropat fiul Titus și mireasa lui. În 1669, la 4 octombrie, el însuși a părăsit această lume, dar a lăsat pentru totdeauna o amprentă în inimile oamenilor care l-au iubit.

Întoarcerea fiului risipitor, 1669. Ulei pe pânză, 262x206.

Poate că nicio altă pictură de Rembrandt nu inspiră sentimente atât de sublime ca acest tablou. Intriga este preluată din Noul Testament. Isus spune o pildă despre un fiu care primește partea sa din averea tatălui său și o risipește într-o țară îndepărtată, trăind disolut. Când, făcându-și curajul, se întoarce acasă, tatăl său îl iartă imediat și îl acceptă cu bucurie. Sensul religios al pildei este următorul: indiferent cum păcătuiește o persoană, pocăința va fi întotdeauna răsplătită cu iertare plină de bucurie. Aici Rembrandt se pare că s-a angajat să exploreze sensul universal al pildei. Părul tuns scurt de pe capul fiului risipitor și hainele ponosite vorbesc de la sine, iar gulerul păstrează un indiciu de lux din trecut. Pantofii erau uzați, a scăpat unul, îngenunchind în fața tatălui său. Tatăl își îmbrățișează fiul la piept, iertându-l. Este caracteristic faptul că Rembrandt evită conflictul pildei: ea vorbește despre gelozia unui fiu ascultător, deși s-ar putea să stea în umbră în spatele tatălui său.

Sfânta Familie și Îngerii, 1645. Ulei pe pânză, 117x91.
Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Acest tablou, impregnat de tandrețe uimitoare, confirmă darul lui Rembrandt de a amesteca divinul și pământul într-o asemenea măsură încât nu mai este posibil să se tragă o linie între ele. Maica Domnului și-a întrerupt lectura pentru a îndrepta vălul de pe Prunc, sau poate pentru a-I acoperi fața de lumina strălucitoare, menită să sublinieze măreția Lui. Plină de tandrețe, Maria s-a aplecat asupra lui Isus, cu o grijă cu adevărat maternă, verificând încă o dată că totul era în regulă cu copilul. Bebelușul doarme profund într-un leagăn de răchită, neștiind ce se întâmplă în jur. Iosif, soțul Mariei, face tâmplar în fundal. Mama, copilul, chiar și leagănul sunt tipuri pur olandeze din secolul al XVII-lea. Aceasta ar fi putut fi, poate, orice familie obișnuită, dacă nu ar fi fost îngerii-copii care zboară din rai.

Întoarcerea Fiului Risipitor. Detaliu, 1669.
Ulei pe pânză, 262x206. Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Răpirea lui Ganymede, 1635. Ulei pe pânză, 171x130.
Galeria de imagini Dresda, Dresda

Sophonibah ia paharul cu otravă, 1634.
Ulei pe pânză, 142x152. Muzeul Prado, Madrid, Spania

Figura maiestuoasă din acest tablou amintește foarte mult de Saskia, deși povestea lui Sophonibah nu se potrivește tocmai tinerei soții. Sophoniba, fiica comandantului cartaginez Hasdrubal, a trăit într-o perioadă în care Cartagina ducea un război aprig cu Roma. Pentru a consolida alianța cu numidienii, Hasdrubal și-a căsătorit fiica cu regele Syphax, dar a fost învins de aliatul roman Masinissa, care a vrut imediat să o ia pe regina drept soție. Când romanii i-au interzis această căsătorie, el a ferit-o pe Sophoniba de o umilință suplimentară, trimițând o ceașcă cu otravă, pe care regina a băut-o fără ezitare. Este posibil ca Rembrandt să nu fi luat în serios această poveste romantică, dar pictura înfățișează un moment decisiv și o acțiune deliberată, fiind în unele privințe comparabilă cu Bathsheba, mai faimoasă și mai puțin teatrală.

Bat-Șeba, 1654. Ulei pe pânză, 142x142.
Luvru, Paris, Franța

Scris când artistul era în floarea puterilor sale creatoare. Mulți experți cred că această pictură este cea mai mare dintre toate creațiile lui Rembrandt. Este în general acceptat că frumusețea descrisă este Bat-Șeba, pe care a văzut-o și a dorit-o regele David. Ea s-a dăruit lui și a zămislit. Complicațiile care au urmat au culminat cu uciderea soțului Batsebei, pe care David l-a trimis la moarte. Povestea nu este plăcută, iar comentatorii au explicat sentimentele lui Batseba în moduri diferite. Dar, așa cum se întâmplă adesea cu picturile lui Rembrandt, este probabil o greșeală să intri în subtilitățile interpretării. Poate că este suficient să spunem că Bat-Șeba reflectă cu tristețe la soarta ei. Compoziția reproduce în mare măsură relieful antic, care înfățișează o mireasă care se pregătește de nuntă. Rembrandt a pictat-o ​​pe Bat-Șeba goală și a conferit picturii o emotivitate pronunțată. Modelul pentru Bathsheba a fost probabil prietenul lui Rembrandt, Hendrikje Stoffels.

Simeon în templu, 1669. Ulei pe pânză, 98x79.
Stockholm, Muzeul Național

Deși această lucrare comandată a început în 1661, a rămas neterminată în atelierul lui Rembrandt până la moartea sa în 1669. Pictura se bazează pe o profeție care s-a împlinit. Vârstnicul Simeon a fost prezis că „nu va vedea moartea până nu va vedea pe Hristos. al Domnului.” Și în cele din urmă l-a întâlnit când Maria și Iosif L-au adus pe Isus la templu. Rembrandt a creat deja o versiune comandată magnifică pe această temă (1631). Acolo acțiunea are loc sub arcadele înalte ale templului, iar lucrarea în sine este realizată într-o manieră detaliată caracteristică unei perioade de tinerețe, succes și glorie. Aici, stilul liber de a scrie din ultimii ani este deosebit de remarcat și pentru că lucrarea nu este terminată, deși acest lucru nu este deloc semnificativ: totul este concentrat pe momentul în care bătrânul pe jumătate orb legănă în brațe Bebelul înfășat - o scenă. plin de tandrețe infinită.

David și Urie, 1665. Ulei pe pânză, 127x117.
Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Nu se cunoaște nici data exactă a picturii și nici intriga acestui frumos tablou impregnat de dispoziție, ceea ce a dat naștere la diferite presupuneri. Potrivit unei versiuni, această lucrare este asociată cu „Artaxerxe, Haman și Estera”. Se crede că aceasta descrie îndepărtarea lui Haman din afaceri sau momentul în care primește permisiunea regelui de a extermina toți evreii. Acest argument este susținut de dovezi că ambele picturi reprezintă scene dintr-o piesă pusă în scenă în 1659 și nu se bazează direct pe o sursă biblică. Cu siguranță este ceva teatral aici, dar, în afară de neconcordanțe în detaliu, presupusele subiecte nu corespund stării de tristețe ascunsă pe care o inspiră tabloul. Prin urmare, este legitim să reveniți la versiunea veche. În acest caz, figura în roșu este soțul sedusului Bat-Șeba, Urie, pe care David, tulburat de remușcări, îl trimite la moarte sigură.

Coborâre de pe Cruce. 1634. Ulei pe pânză, 158x117.
Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Pogorârea de pe Cruce este un subiect comun în pictura europeană. Potrivit tradiției, printre cei prezenți sunt înfățișați Maica Domnului, mai mulți ucenici ai lui Iisus și Iosif din Arimateea. În anii 1930, Rembrandt a pictat o serie de picturi pe tema Patimilor Domnului, inclusiv „Înălțarea crucii” și „Coborârea de pe cruce” pentru statulderul Olandei, Frederik Hendrick. Dimensiunile acestui tablou sunt mai mari, tonurile sunt mai bogate. A fost pictat câteva luni mai târziu și a fost păstrat chiar de artist până în 1656, când a dat faliment. Figura zdrobită a lui Hristos este inundată de lumină strălucitoare, Maica Domnului și-a pierdut cunoștința, giulgii luxoase sunt așezate pe pământul în care El va zace până va învia.

Sacrificiul lui Avraam, 1635.
Ulei pe pânză, 193x133. Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Acesta este unul dintre cele mai dramatice momente din Vechiul Testament. Avraam, prin poruncă de sus, este gata să-l jertfească lui Dumnezeu pe singurul său fiu Isaac și a ridicat deja un cuțit peste el, legat, pentru a-l măcelări pentru arderea de tot. În pictură, Isaac stă întins pe altar deasupra lemnului. În Sfintele Scripturi, îngerul Domnului îl cheamă pe Avraam, care a trecut testul supunerii față de Dumnezeu, și îi spune să se oprească. Rembrandt sporește dramatismul a ceea ce se întâmplă: în tablou, îngerul îl apucă pe Avraam de mână și cuțitul cade. Scena este, de asemenea, mai convingătoare, deoarece palma mare a lui Avraam a acoperit fața fiului său, capul lui Isaac este aruncat pe spate și pare că un cuțit este pe cale să i se cufunde în gât. O altă versiune a acestui subiect este păstrată la München, dar poate fi doar parțial de Rembrandt.

sărbătoarea lui Belşaţar. 1635. Ulei pe pânză, 168x209.
Galeria Națională din Londra

Pânzele mari cu efecte teatrale au fost populare în Țările de Jos în timpul vieții lui Rembrandt. Sărbătoarea lui Belşaţar demonstrează cât de priceput artistul a tratat astfel de teme. Regele babilonian Belşaţar este descris în cartea Vechiului Testament a profetului Daniel. La o sărbătoare aglomerată, el a poruncit să aducă vase de aur și argint, pe care tatăl său Nebucadnețar le-a luat din sanctuarul templului din Ierusalim. Regele a ordonat ca vasele să fie umplute cu vin pentru nobilii, soțiile și concubinele săi. Când această blasfemie a fost împlinită, o mână misterioasă a apărut brusc și a înscris cuvinte ciudate pe perete: „Mene, mene, tekel, upharsin”. Daniel i-a spus regelui că vorbesc despre moartea lui; predicția s-a adeverit în aceeași noapte. Pictura lui Rembrandt explorează uimirea și frica, sporite de vinul care se revarsă din vasele sacre, care este, de asemenea, simbolic. Este surprinzătoare inscripția realizată în ebraică, a cărei aranjare specială a literelor ne face să ne amintim de vecinul lui Rembrandt, evreul Manasseh ben Israel, cu care, după cum se știe, artistul a întreținut relații.

Susanna and the Elders, 1647. Mahon, ulei, 77x93.
Muzeul Staatlich, Berlin, Germania

Povestea Susannei datează de la Apocrife, un corp de scrieri biblice a căror autenticitate a fost mult timp pusă la îndoială. Totuși, acest lucru nu i-a împiedicat pe artiști - catolici și protestanți - să creeze tablouri pe această temă, pline de dramă și farmec erotic. În timp ce Susanna merge la piscina din grădina ei, doi bătrâni ies din ascunzătoare și încep să o ispitească să păcătuiască, amenințându-i că, dacă nu împarte patul cu ei, vor depune mărturie mincinoasă că a comis adulter cu o altă persoană. Susanna refuză, iar bătrânii ordonă să fie luată în custodie, dar intervenția profetului Daniel salvează frumusețea virtuoasă. Rembrandt a început această pictură la mijlocul anilor '30, dar nu a fost vândută până în 1647. Susanna, încercând în zadar să-și acopere goliciunea, este mai mult supărată decât speriată, dar bătrânul care smulge vălul de pe ea uimește cu acuratețea observației sale. Sandalele abandonate pe țărm par să fi fost simboluri erotice elocvente în arta olandeză din secolul al XVII-lea.

Sfântul Matei și Îngerul, 1661.
Ulei pe pânză, 96x81. Muzeul Luvru, Paris

Unul dintr-o serie de portrete ale apostolilor pictate la începutul anilor '60. Spre deosebire de alte portrete cu o singură cifră, aici în spatele apostolului este înfățișat un înger, care l-a inspirat pe Matei să scrie Evanghelia. Îngerul amintește foarte mult de Titus, care ar fi putut fi un model pentru el, dar înfățișarea apostolului nu este clar Rembrandt. Pe lângă sensul religios, tabloul transmite minunat contrastul dintre tinerețe și bătrânețe, deși prin design rolurile sunt opuse. Tânărul îngeresc, calm și încrezător în sine, îl consolează pe Matei, punându-și mâna pe umărul bătrânului. Sfântul Matei este adânc în gânduri, mâna lui cu vene bombate îi trage de barbă. Cartea nu este o reproducere exactă a manuscrisului antic, dar este scrisă cu măiestrie.

Arhanghelul părăsind familia lui Tobias, 1637.
Lemn, ulei, 66x52. Muzeul Luvru, Paris

Hristos și femeia prinsă în adulter, 1644.
Lemn, ulei, 84x66. Galeria Națională din Londra

Această lucrare spectaculoasă dă impresia de decor și a fost eventual pictată la cererea unui client bogat. Grupul central este înfățișat cu o deplinătate perfectă, într-o manieră detaliată, de care Rembrandt s-a îndepărtat treptat în anii '40. Decorul luxuriant roșu și auriu seamănă cu un palat baroc, deși în realitate înfățișează Templul Ierusalimului. Cărturarii și fariseii i-au adus lui Isus o femeie prinsă în adulter. Sperând să-L prindă pe Isus, ei l-au întrebat dacă un astfel de om ar trebui să fie ucis cu pietre, așa cum este prescris în legea lui Moise. Isus a răspuns: „Cine dintre voi este fără păcat să arunce primul cu piatra în ea”. Acuzatorii rușinați au plecat, iar Isus i-a spus femeii să meargă și să nu mai păcătuiască. Imaginea este construită pe contraste dramatice: Isus și discipolii săi îmbrăcați în haine maro simple, un păcătos rușinat fermecător, cărturari și farisei în haine luxoase.

Samson și Dalila, 1628. Stejar, ulei, 61x50.
Muzeul Staatlich, Berlin

Hristos la Emaus, 1648.
Ulei pe pânză, 42x60. Muzeul Luvru, Paris

Unul dintre subiectele preferate ale lui Rembrandt, bazat pe un episod din Evanghelia după Luca. După ce Isus a fost răstignit, doi dintre ucenicii săi se îndreptau spre Emaus, un sat de lângă Ierusalim. Un străin s-a apropiat de ei, a mers cu ei, a explicat Scripturile pe tot drumul și a împărțit o masă cu ei în casa în care au venit. Când a frânt pâinea și le-a dat-o, li s-au deschis ochii și L-au recunoscut pe Isus, înviat din morți, dar El a devenit imediat nevăzut pentru ei. ÎN versiunea timpurieÎn acest tablou (circa 1629), Rembrandt a înfățișat dramatic momentul revelației: silueta lui Iisus și a ucenicilor, ca și cum ar fi lovit de fulger. Aici se subliniază naturalețea și umanitatea a ceea ce se întâmplă: doar o aureolă slabă deasupra capului lui Isus și o privire entuziastă, în sus, indică divinitatea Lui, pe care băiatul-slujitor nu o observă evident.

Necredința apostolului Toma, 1634. Ulei pe lemn, 53x51.
Muzeul de Arte Plastice Pușkin, Moscova

Sfântul Toma, unul dintre cei doisprezece ucenici ai lui Hristos, este menționat de mai multe ori în Noul Testament. Rembrandt a descris un episod celebru din Evanghelia după Ioan. După ce a fost coborât de pe cruce, Isus se arată ucenicilor săi și își arată rănile. Toma nu era acolo, iar când ceilalți ucenici i-au spus ceea ce văzuseră, Toma a refuzat să-i creadă, declarând: „Dacă nu văd în mâinile Lui semnele cuielor și nu pun degetul în semnele cuielor, și pune mâna în partea Lui, nu o să cred.” Opt zile mai târziu, potrivit lui Ioan, Isus s-a arătat din nou ucenicilor și le-a spus lui Toma să-i atingă rănile. Convins, Toma L-a recunoscut pe Isus ca Domnul Dumnezeu. Rembrandt a descris o scenă de noapte: strălucirea care emană de la Isus pare a fi singura sursă de lumină, de care credinciosul Toma se îndepărtează stânjenit.

Moise cu tablele legilor, 1659.
Ulei pe pânză, 169x137. Muzeul Staatlich, Berlin

Legitorul Moise tocmai coborase de pe Muntele Sinai cu două table de piatră, „pe care erau scrise de degetul lui Dumnezeu” cele Zece Porunci. Acesta este, fără îndoială, un eveniment solemn, dar este greu de sigur dacă înfățișează un moment de triumf sau de mânie când Moise, văzându-i pe copiii lui Israel închinându-se vițelului de aur, a aruncat tablele din mâinile sale și le-a spart sub munte. Este posibil ca acest tablou să fi fost comandat pentru șeful unei bresle și destinat să decoreze șemineul din Primăria din Amsterdam.

Iosif, care a expus soția lui Potifar, 1655. Ulei pe pânză, 106x98.
Galeria Națională de Artă, Washington

Rembrandt Harmens van Rijn. Portretul unui bătrân în roșu, 1654.
Ulei pe pânză, 108x86. Ermitage, Sankt Petersburg

Portretul lui Saskia ca Flora, 1634. Ulei pe pânză, 125x101. Ermitaj, Sankt Petersburg

Acest portret fermecător al tinerei Saskia a fost pictat în anul în care s-a căsătorit cu Rembrandt. Chipul gânditor, dar fără îndoială fericit al fetei, este destul de în concordanță cu sentimentele miresei. Coșca și toiagul împletite cu flori indică cu siguranță Flora, vechea zeiță romană a primăverii. Ținuta zeiței a fost pictată cu o măiestrie uimitoare, dar adevărata măreție a talentului lui Rembrandt se dezvăluie în expresia tandreței pe care artista i-a dat-o chipului. Un an mai târziu a pictat-o ​​din nou pe Saskia ca Flora, de asemenea o lucrare celebră, deși radiografiile au arătat că inițial intenționase să o înfățișeze ca Judith biblică cu capul tăiat al lui Holofernes ținut în poală.

Portret de femeie în vârstă, 1654. Ulei pe pânză, 109x84. Ermitaj, Sankt Petersburg

Portretul lui Jan Six, 1654. Ulei pe pânză, 112x102. Amsterdam, colecția șase

Posibil cel mai bun dintre portretele lui Rembrandt. Combină perfect precizia și perspicacitatea. Unele detalii ale portretului sunt desenate cu grijă, în timp ce altele sunt indicate cu îndrăzneală ca în trecere. Se remarcă nasturii de pe caftan și broderia aurie de pe luxoasa mantie roșie, dar ochiul se oprește involuntar la mâini, pictate cu lovituri energice; Șase trage încet de mănușă - câtă mișcare aduce artistul la asta! Fața atrage și ea atenția, în special privirea absorbită de sine, care nu se potrivește prea bine cu aspectul secular al lui Sixx. Clientul a menționat acest portret în jurnalul său: „Acesta a fost chipul meu, Jan Six, care adoram muzele încă din copilărie”. Six a scris poezie și a colecționat artă, dar era și un comerciant bogat și plin de resurse. Până la mijlocul anilor '50, Rembrandt a finalizat multe comenzi pentru el.

Mireasa evreiască, 1665. Ulei pe pânză, 122x164. Muzeul Rix, Amsterdam

Numele comun „Mireasa evreiască” se bazează pe o interpretare veche, acum abandonată, care a apărut în secolul al XIX-lea. Putem spune cu aproape certitudine că femeia nu este nicidecum mireasă sau evreică, cu excepția faptului că este înfățișată într-un stil imaginar, pseudo-biblic, caracteristic picturilor istorice ale lui Rembrandt. Artistul a menținut relații cu comunitatea evreiască din Amsterdam, pictând adesea portrete ale evreilor, ceea ce i-a forțat pe cercetători să facă o serie de presupuneri nefondate. Următoarele versiuni sunt populare acum (au fost aproximativ 12 în total): în fața noastră este o scenă de teatru sau un episod din Biblie, iar intriga este următoarea: Isaac, care locuiește cu filistenii, își spune public pe soția sa Rebecah sora lui și îndrăznește să o îmbrățișeze doar în momentele de singurătate. Ceea ce contează cu adevărat: acești doi sunt legați de iubire profundă. Pictura este una dintre capodoperele perioadei târzii Rembrandt, care se caracterizează prin tonuri de roșu și maro auriu. Hainele pe alocuri sunt pictate cu lovituri rapide, tonurile ajung la o saturație luminoasă, surprinzător de caldă la culoare și, în același timp, nu sunt autosuficiente, ceea ce nu face decât să sporească emotivitatea scenei.

Veghe de noapte, 1642. Ulei pe pânză, 363x437. Muzeul Rix, Amsterdam

Cea mai faimoasă pictură a lui Rembrandt a fost cunoscută în ultimele două secole sub numele de „Night Watch”. Analiza modernă a straturilor de vopsea a arătat că aceasta a fost inițial o scenă de zi, dar numele devenise deja familiar și nu putea fi schimbat. În imagine, breasla trăgătorilor locali apare sub conducerea căpitanului Frans Banning Cocq (în haine negre). Cu câteva decenii mai devreme, trăgătorii de gardă constituiau o forță semnificativă de voluntari care au ajutat la apărarea țării de amenințarea unei invazii spaniole, dar până în anii 40, multe se schimbaseră: acum orășeni respectabili și bogați uniți în societăți de împușcături. Artistul a introdus în descriere un element de eroism, ca și cum ar reînvie fostul patriotism. Este transmisă atmosfera unor procesiuni similare cu fluturi de steaguri, tobe și încărcare de muschete. „Night Watch” este un portret de grup pentru care a fost plătit de toți trăgătorii înfățișați, dar Rembrandt l-a schimbat: a prezentat observatori aleatori care nu i-au plătit nimic; ca urmare, portretul s-a transformat într-o scenă multicoloră a unei mulțimi de stradă cu mișcare confuză și iluminare deosebită Imaginea este tăiată pe părțile laterale, în special în partea stângă, ceea ce perturbă oarecum compoziția

Portret de familie, 1666-68 Ulei pe pânză, 126x167. Ulrich-Muzeul Ducele Anton, Brunswick

Portretul sindicilor unui atelier de confecție de pânză, 1662. Ulei pe pânză, 192x279. Muzeul Rix, Amsterdam

Pictura este cunoscută sub denumirile: „Sindacii”, „Bătrânii Atelierului de Pânze”; ambele nu sunt pe deplin exacte și sunt asociate cu o instituție din cadrul breaslei de îmbrăcăminte menită să preleve mostre de țesături și să verifice calitatea acestora. Acesta este ultimul portret de grup creat de Rembrandt. O dispoziție deosebită, pronunțată, este obținută prin faptul că oficialii ne privesc direct de sus, iar spectatorul are senzația că în orice moment va fi interogat și acuzat de ceva. De fapt, acest punct de vedere a fost probabil aprobat de comisar însuși, deoarece pictura urma să atârne deasupra șemineului din clădirea principală a breslei, în același rând cu portretele de grup anterioare. În mod tradițional, ei înfățișau cinci oficiali așezați și un servitor în picioare în spate. Rembrandt a reînviat compoziția, schimbând tradițiile: un oficial se ridică de pe scaun, parcă dă semn că întâlnirea s-a încheiat.

Autoportret cu Saskia în genunchi, 1635.
Ulei pe pânză, 161x131. Galeria Dresda

Un domn vesel cu o fată în poală ține un pahar în mână. Pe masa festiva plăcintă cu păun. Ospătarii stăteau cu spatele la spectatori, acum s-au întors cu fața să bea pentru sănătatea noastră. În mod surprinzător, se cunosc foarte puține lucruri sigure despre această lucrare. În special, paternitatea lui Rembrandt este de netăgăduit, există informații că l-a ținut acasă, nedorind să-l vândă, poate pentru că pictura îi era dragă. Este adesea numit „Autoportret cu Saskia în poală”. Poate că cuplul a organizat o mascarada pentru distracție, urmând moda scenelor din viața de curte sau poate slăvindu-și bogăția. Cu toate acestea, există o altă versiune: pictura se presupune că înfățișează un fiu risipitor care își risipește moștenirea. În acest caz, privind scena amuzantă, cu greu putem ghici cum se va termina această poveste (vezi imaginea despre Întoarcerea fiului risipitor)

Portretul lui Nicholas Van Bumbeck. 1641.
Ulei pe pânză, 106x84. Muzeul Regal de Arte Frumoase, Bruxelles

Nicholas Van Bumbeck a fost el însuși un artist, dar, așa cum a spus cu tristețe unul dintre prietenii săi, moștenirea sa bogată i-a atenuat ambiția și, ca urmare, nu a reușit să se ridice la înălțimea așteptărilor. Cu toate acestea, Nicholas l-a patronat pe Rembrandt, a cumpărat „Disputa științifică” de la el și a plătit pentru că a pozat pentru portretul său. Van Bambeck și prietenul său, secretarul Consiliului de Stat Maurits Heygens, se pare că și-au comandat portretele de la Rembrandt la Haga. Prietenii au hotărât: dacă unul dintre ei moare, portretul său ar trebui să meargă la supraviețuitor, iar în 1641, după moartea lui Bambek, tabloul i-a revenit lui Hagens în testament. În portret, plin de bunătate și simpatie, de Geyn arată ca o persoană încrezătoare, mândră. Lumina difuză moale îi subliniază favorabil silueta și textura gulerului alb și a mânecilor rochiei. Totuși, un alt patron al lui Rembrandt, fratele lui Maurits, Constantine Hagens, a scris cel puțin opt versuri de poezie în care se plângea că portretul nu are nimic în comun cu originalul.

Frederick Richel călare, 1663.
Ulei pe pânză, 282x248. Galeria Națională din Londra

Femeie care face baie, 1654. Ulei pe lemn, 62x47.
National Gallery, Londra

O comparație apare inevitabil cu Bathsheba, care a fost scrisă în același timp și aproape sigur descrie același model - Hendrikje Stoffels. Asociațiile cu scăldat aduc chiar în minte „Susanna”, dar acest tip de conexiune poate însemna doar că Rembrandt a avut o pasiune pentru astfel de teme și a găsit în ele un pretext pentru exprimarea erotismului. Deși femeia înfățișată poate fi sau nu considerată o figură istorică biblică, cu siguranță nu este din clasa obișnuită, judecând după ținuta luxoasă întinsă pe mal. Se pare că aceasta este o lucrare de schiță. Este scrisă cu lovituri grăbite, superficiale, care se văd chiar și din imaginea picioarelor, dar, mai ales, cămașa. Cu toate acestea, Rembrandt trebuie să fi fost mândru de această lucrare, deoarece este semnată și datată.

Hendrikje Stoffels la fereastră, 1656.
Ulei pe pânză, 86x65. Muzeul Staatlich, Berlin

Un bătrân în pălărie de blană, 1630. Ulei pe lemn, 22x18.
Muzeul National Tirolez Ferdinandeum, Innsbruck

Portretul tânărului Saskia, 1633.
Stejar, ulei, 53x45. Galeria Națională Dresda

Citindu-l pe Titus, fiul artistului, 1657.
Ulei pe pânză, 71x64. Historic Kunstkamera, Viena

Titus, născut în 1641, este singurul dintre copiii lui Rembrandt și Saskia care nu a murit în copilărie. Aici nu are mai mult de cincisprezece ani; toate portretele lui Rembrandt ale fiului său, pline de dragoste duioasă, indică dispoziția prietenoasă și blândă a băiatului. Titus a jucat un rol important în viața artistului, fiind moștenitorul averii Saskia, pe care Rembrandt o controla doar temporar, și totodată avocatul tatălui său. În 1660, Titus și Hendrickje au creat o companie în care Rembrandt era listat. Acest lucru a fost făcut pentru a se asigura că câștigurile artistului nu au căzut în mâinile creditorilor. După moartea lui Hendrickje, Titus a continuat să gestioneze treburile tatălui său. În 1665, a devenit major și dacă, prin lege, a început să gestioneze banii lui Saskia, atunci el a fost fără îndoială sprijinul financiar al familiei. În februarie 1668, Titus s-a căsătorit, dar a murit șapte luni mai târziu, la vârsta de douăzeci și șase de ani.

Portretul lui Titus, fiul lui Rembrandt, 1657.
Ulei pe pânză, 69x57. Londra, colecția Wallos

Aristotel cu un bust al lui Homer, 1653.
Ulei pe pânză, 144x137. Muzeul Metropolitan de Artă, New York

Bărbat cu coif de aur, 1650.
Ulei pe pânză, 68x51. Muzeul Staatlich, Berlin

Nu există nimic de spus despre acest militar, totuși, poza a fost întotdeauna populară. Ceea ce explică parțial farmecul ei este contrastul dintre pieptarul lustruit al curasei, casca magnific lucrată (cu siguranță una ceremonială, nu una de luptă) și expresia întunecată de melancolie a feței ei. Acest contrast este comun în autoportretele lui Rembrandt; poate de aceea au început să creadă că fratele artistului este reprezentat aici. De fapt, multe autorități au refuzat să accepte paternitatea lui Rembrandt; îndoielile lor au fost confirmate de cercetări în cadrul Programului de cercetare Rembrandt, care a fost finanțat de guvernul olandez. „Bătrânul cu cască” este doar una dintre „victimele” Programului, care a atribuit multe lucrări studenților și adepților lui Rembrandt.

Sinuciderea Lucreției, 1666. Ulei pe pânză, 105x93.
Institutul de Artă, Minneapolis

Sinuciderea Lucreției este menționată în vechea legendă romană despre motivele căderii monarhiei și înființării republicii. Lucreția, dezonorată de fiul împăratului roman Tarquinius, îi spune soțului ei despre rușinea ei. Cere răzbunare și apoi se sinucide. Acest complot a fost adesea folosit de artiști și scriitori. La sfârșitul secolului al XVI-lea, înainte de a deveni celebru în teatru, Shakespeare a scris o poezie lungă, Aucretia Dishonored. Rembrandt a pictat două tablouri pe această temă. În cea timpurie (1664), Lucrezia ține un cuțit, pregătindu-se să moară. Aici ea și-a provocat deja o rană de moarte, așa cum se poate vedea din pata de sânge care se răspândește pe cămașa ei subțire. Ea se ține încă în picioare, pentru o clipă apucând, pentru sprijin, panglica clopoțelului - o descoperire utilă, permițându-i femeii să-și țină mâna într-o poziție ridicată pentru o lungă perioadă de timp, dar paloarea mortală a feței ei indică faptul că sfarsitul este aproape.

Portretul lui Hendrikje Stopells, 1659.
Ulei pe panza, 68x80. Galeria Națională din Londra

Profesor, 1631. Ulei pe pânză, 105x91.
Ermitaj, Sankt Petersburg

Călăreț polonez, 1655.
Ulei pe pânză, 115x135. Colecția Frick, New York

Figura misterioasă și romantică a tânărului călăreț a generat mai multe controverse decât orice altă pictură a lui Rembrandt, a cărui calitate de autor disputată este doar una dintre incertitudinile din jurul lucrării. Pălăria și caftanul tuns cu blană par est-europene, dar poate că aceasta este doar o altă excursie în mascarada teatrală. Dacă da, atunci imaginea este legată de Polonia nu din cauza intrigii, ci poate doar pentru că a fost achiziționată ulterior de polonezi. Pe de altă parte, un fapt intrigant: în 1654, a fost publicată la Amsterdam un pamflet intitulat „Călărețul polonez” în apărarea sectei radicale Sociniene. Există multe dovezi că Rembrandt simpatiza uneori cu sectarismul. Un alt mister: un cal reprezentat foarte neconvingător. Poate fi rezolvată prin atribuirea dreptului de autor a picturii unui student al lui Rembrandt, de exemplu William Drost. Așa a decis Comisia de Program, dar cercetările sale au atras critici și în 1993 Programul a încetat să funcționeze.

Lecția de anatomie a doctorului Nicholas Tulpe, 1632.
Ulei pe pânză, 170x217. Casa Maurits, Haga

Rembrandt a bazat acest tablou pe o prelegere pe care a susținut-o în ianuarie 1632 an doctor Nicolae Lalea. Deși artistul s-a mutat de curând la Amsterdam, a dovedit deja că este capabil să facă o muncă grozavă, a pictat câteva portrete magnifice, după care a fost însărcinat la „Lecția de anatomie”. Poate că rolul decisiv l-a jucat patronajul lui Hendrik van Uylenburch, la care a cazat Rembrandt. Eulenburch a comercializat cu succes picturi înainte, patronând și creând un nume pentru tinerii artiști. Rembrandt a devenit ultimul său protejat. Școala olandeză era renumită pentru portretele de grup, iar acesta a fost conceput ca un cadou pentru doctorul Tulp, iar colegii săi sperau să apară în imagine în cea mai favorabilă lumină. Pictorul a făcut față cu brio acestei sarcini: a transmis individualitatea fiecăruia și a combinat compoziția: Tulpe ține o prelegere, iar ascultătorii privesc cu interes profesional cadavrul criminalului executat. Datorită Lecției de anatomie, Rembrandt și-a câștigat imediat faima.

Portretul lui Saskia într-o rochie magnifică, 1642.
Ulei pe pânză, 100x79. Kassel, Muzeul Staatlich

Autoportret de Rembrandt, 1661. Ulei pe pânză, 114x91.
Kenwood House, Londra, English Heritage

Rembrandt a făcut ca o regulă să picteze autoportrete, dar rareori s-a înfățișat la muncă. În esență, acesta este al doilea dintr-o serie de autoportrete în care apare cu șevalet, pensule și polizor, folosite de pictori ca suport de mână. Lumina din fundal este o tehnică neobișnuită necesară pentru ca privitorul să vadă liniile curbe de pe peretele din spatele subiectului portretului. Au fost propuse multe explicații pentru aceasta; În zilele noastre, o versiune populară este că aceste linii sunt o conexiune cu opera unor artiști legendari precum Apelles și Giotto, care și-au demonstrat abilitățile desenând o linie sau un cerc impecabil de corect. Dacă această explicație este corectă, autoportretul afirmă dreptul artistului de a fi considerat un adevărat maestru al timpului său.

Autoportret al artistului la șevalet, 1660.
Ulei pe pânză, 111x90. Luvru, Paris, Franța

Autoportret de Rembrandt, 1659. Ulei pe pânză, 85x66.
Galeria Națională de Artă, Washington, SUA

Autoportret de Rembrandt, 1669. Ulei pe pânză, 86x71.
National London Gallery, Marea Britanie

Ca și autoportretul din imaginea lui Zeukis, acesta a fost pictat în ultimul an al vieții sale. Adevărat, de data aceasta nu există nicio urmă de umor negru și nu există indicii deschise despre apropierea morții. În niciun alt autoportret, Rembrandt nu pare atât de blând supus sorții. Un artist în vârstă îmbrăcat într-o rochie simplă, strângând mâinile, se uită la noi, fără să ceară nimic, fără să se plângă de nimic. Dacă moartea lui Titus în septembrie 1668 i-a grăbit sfârșitul pare să nu se știe niciodată. În orice caz, treisprezece luni mai târziu, la 4 octombrie 1669, a murit la domiciliul său din Rosengracht și avea doar 63 de ani. Patru zile mai târziu a fost înmormântat în cimitirul din Amsterdam din Westerkerk. Mormântul lui Rembrandt s-a pierdut, dar lucrările sale vor trăi timp de secole.

Autoportret ca Zeuxis, 1665. Ulei pe pânză, 83x65.
Muzeul Walfraf Richhartz, Köln, Germania

Rembrandt s-a pictat pe sine din diferite unghiuri, sub tot felul de forme. Uneori se aprecia cu o privire sobră, observând semnele bătrâneții de pe fața lui albastră și flăcătoare, dar adesea îi plăcea să apară în diverse imagini: se îmbrăca în războinic în armură, apoi ca un rege impresionant sau ca Apostol Pavel. Caracteristicile ambelor stiluri sunt vizibile aici. Un bătrân fragil este înfățișat timpul și-a desfigurat fața aproape de nerecunoscut, mult mai mult decât în ​​autoportretul aceluiași an. Se pare că este la un pas de moarte. Dar nu uitați că acesta este și un portret al lui Zeuxis, un artist grec antic. El, după cum știți, a pictat o bătrână cu fața încrețită, iar imaginea ei l-a amuzat atât de tare încât a râs fără oprire până a murit. Elementul de legătură aici, desigur, este moartea, iar dacă acest autoportret este o glumă, atunci este plin de umor negru.

Autoportret, 1629. Ulei pe lemn, 16x13.
Pinakothek Alta, Munchen

Autoportret, 1659. Ulei pe pânză, 85x66.
Washington, Galeria Națională de Artă

Autoportret. 1658. Ulei pe pânză, 134x104.
Colecția Frick, New York

Autoportret într-o beretă de catifea, 1634.
Ulei pe panza, 58x48. Muzeul Staatlich, Berlin. Germania

Până în 1634, Rembrandt pictase deja mai multe autoportrete și mai erau multe de creat. Niciun artist nu s-a studiat pe sine atât de iscoditor de-a lungul întregii sale vieți, reflectând la bătrânețe, experiența acumulată, succese și eșecuri. Aici accentul pare să fie pus pe succes. Îmbrăcat în catifea neagră și blănuri scumpe, tânărul artist la modă privește cu încredere la privitor. Cu toate acestea, aceasta nu este o sărbătoare a bogăției și a neprihănirii de sine. Privirea lui Rembrandt încearcă deja să înțeleagă misterul existenței. Artistul în vârstă de douăzeci și opt de ani este în mod clar aceeași persoană cu maestrul sfidător de cincizeci și cinci de ani, precum și cu bărbatul de șaizeci și trei de ani care a trecut prin dureri și greutăți și este la un pas de moartea (Autoportret în chipul lui Zeucis). Înrudirea spirituală a autoportretelor este deosebit de impresionantă dacă ne amintim că aici Rembrandt nu a atins încă culmea succesului și este pe cale să se căsătorească, fără să-și dea seama ce încercări îi rezervă în viitor.

Majoritatea imaginilor feminine de pe pânzele lui Rembrandt din 1934-1942 au fost pictate de la iubita soție a artistului, Saskia van Uylenburch. În imaginea străvechii zeițe a primăverii Flora, maestrul a descris-o pe Saskia de trei ori - portretul pe care îl luăm în considerare a fost creat în anul nunții lor - este clar cu ochiul liber că Rembrandt și-a idolatrizat soția, a admirat-o și a pus totul. tandrețea lui în pictură.

Saskia avea 22 de ani la momentul căsătoriei ei, la 17, a rămas orfană. Un incident a adus-o împreună cu viitorul ei soț - a venit la Amsterdam să-și viziteze verișoara, soția predicatorului Johann Cornelis Silvius, care l-a cunoscut pe Rembrandt. Nunta a avut loc la 10 iunie 1634. În 1942 - la doar un an după nașterea fiului mult așteptat Titus - Saskia a murit.

Flora-Saskia este întruchiparea tinereții, prospețimii și castității, există atât de multă timiditate fermecătoare și prospețime de fetiță în aspectul ei. Rembrandt a combinat cu pricepere portretele pastorale și istorice în acest tablou. Dintre cele trei Flore pictate împreună cu soția sa (celelalte două tablouri au fost create în 1935 și 1941), primul se referă cel mai mult la antichitate, celelalte două portrete sugerează mit doar în detalii subtile.

2. „Danae” (1633-1647). Ermitaj, Sankt Petersburg

Chiar dacă nu știi nimic despre Rembrandt și nu ești deloc interesat de pictură, acest tablou îți este cu siguranță familiar. Pânza, depozitată în Schitul din Sankt Petersburg, a fost aproape pierdută pentru totdeauna în 1985 din cauza unui vandal care a stropit-o cu acid sulfuric și apoi a tăiat pânza cu un cuțit.
Pictura, care înfățișează o fată goală întinsă pe un pat în razele de lumină nepământeană, a fost pictată de Rembrandt pentru casa lui - tema a fost faimosul mit grec antic despre frumoasa Danae, viitoarea mamă a câștigătoarei Medusa Perseus și Zeus cel Tunetor. Însăși apariția lui Danae a reprezentat o ghicitoare pentru cercetătorii în creativitate, care a fost rezolvată abia recent: se știe că modelul lui Rembrandt a fost soția sa Saskia van Uylenburch, dar Danae care a ajuns până la noi nu seamănă deloc cu soția artistului. Un studiu cu raze X al pânzei a arătat că Rembrandt a rescris parțial chipul lui Danae după moartea soției sale - și a făcut-o asemănătoare cu chipul celui de-al doilea iubit, dădaca fiului său Titus, Gertje Dirks. Cupidon care plutea deasupra lui Danae arăta și el inițial diferit - zeul înaripat a râs, dar în versiunea finală a existat o suferință înghețată pe față.
După atacul asupra picturii din 1985, a fost nevoie de 12 ani pentru a o restaura. Pierderea picturii s-a ridicat la 27% cei mai buni maeștri au lucrat la restaurarea capodopera lui Rembrandt - dar nu existau garanții de succes. Din fericire, pânza a fost salvată acum pictura este protejată în mod fiabil de sticlă blindată.

3. „Vizorul de noapte”, (1642). Rijksmuseum - Muzeul Național din Amsterdam

Pânza colosală, de aproape patru metri, a devenit cu adevărat fatală în cariera creatorului său. Titlul corect al picturii este „Performanța companiei de puști a căpitanului Frans Banning Kok și a locotenentului Willem van Ruytenburg”. A devenit „Cegul de noapte” după ce istoricii de artă l-au descoperit, uitat timp de două secole. S-a decis că pictura înfățișează mușchetari în timpul unei slujbe de noapte - și abia după restaurare a devenit clar că sub stratul de funingine era o colorare originală complet diferită - umbrele vorbesc elocvent despre asta - acțiunea pe pânză are loc în jurul orei 2 ora dupa-amiaza.
Lucrarea a fost comandată de Rembrandt de la Shooting Society, o unitate de miliție civilă din Țările de Jos. Un portret de grup de șase companii urma să decoreze noua clădire a societății - lui Rembrandt i sa cerut să picteze compania de puști a căpitanului Frans Banning Cock. Artistul era de așteptat să facă un portret ceremonial tradițional - toate personajele la rând - dar a decis să înfățișeze mușchetarii în mișcare. Compoziția îndrăzneață, în care fiecare figură este cât se poate de dinamică, nu a găsit înțelegere în rândul clientului - nemulțumirea a fost cauzată de faptul că unele dintre cele ilustrate erau clar vizibile, în timp ce altele erau în fundal. „The Night Watch” a rupt literalmente cariera lui Rembrandt - după acest tablou, clienții bogați obișnuiți s-au îndepărtat de pictor, iar stilul său de pictură s-a schimbat radical.
Apropo, soarta acestui tablou nu este mai puțin tragică decât cea a lui „Danae”. Pentru început, în secolul al XVIII-lea a fost tăiat complet în mod barbar pentru a se încadra în noua sală a Societății de Tragere. Așa că mușchetarii Jacob Dirksen de Roy și Jan Brugman au dispărut din imagine. Din fericire, s-a păstrat o copie a picturii originale. „Night Watch” a fost atacat de vandali de trei ori: prima dată a fost tăiată o bucată mare de pânză, a doua oară pictura a fost înjunghiată de 10 ori și a treia oară a fost stropită cu acid sulfuric.
Acum pânza este păstrată în Rijksmuseum - Muzeul Național din Amsterdam. Puteți privi această imagine timp de multe ore - toate personajele sunt descrise atât de detaliat pe pânza imensă, atât „fabricate la comandă” (de fapt, sunt 18 mușchetari), cât și cele adăugate de Rembrandt la propria discreție (16 figuri, cea mai misterioasă este fetița din locul „secțiunilor de aur” ale tabloului)

4. „Fiul risipitor în cârciumă” (1635 (1635). Galeria Dresda

Acest autoportret al artistului cu iubita sa soție Saskia în poală este păstrat în Galeria Old Masters din Dresda (cunoscută și sub numele de Galeria Dresda). Nu există nicio îndoială că artistul a pictat acest tablou fiind absolut fericit. În această perioadă a vieții sale, Rembrandt a muncit din greu și fructuos, a fost popular, a primit taxe mari pentru lucrările sale și printre clienții săi se numărau oameni celebri și bogați. Maestrul a reelaborat complotul din Evanghelia după Luca în spiritul vremurilor - fiul risipitor este îmbrăcat într-o camisolă și o pălărie cu boruri largi, cu o penă, desfrânata din poală este și ea îmbrăcată în moda vremii. Apropo, acesta este singurul tablou al unui autoportret al artistului împreună cu soția sa - Rembrandt a făcut o altă imagine despre el și Saskia în același spațiu pictural folosind tehnica gravurii în 1638. În ciuda tonului general vesel al imaginii, autorul nu a uitat să vă reamintească că, mai devreme sau mai târziu, va trebui să plătiți pentru tot în această viață - acest lucru este evidențiat în mod elocvent de placa de ardezie din fundal, unde foarte curând petrecătorul va fi facturat. Ar fi putut Rembrandt să ghicească cât de mare va fi propria lui răzbunare pentru talentul său?

5. „Întoarcerea fiului risipitor” (1666-1669). Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Aceasta este cea mai mare pictură a lui Rembrandt pe o temă religioasă. Centrul semantic al imaginii este puternic deplasat în lateral, figurile principale sunt evidențiate cu lumină, caracterele rămase sunt acoperite în umbră, ceea ce face imposibilă greșeala când citiți ceea ce este descris. Apropo, toate picturile lui Rembrandt sunt unite de un detaliu important - în ciuda clarității generale a intrigii principale, fiecare pictură conține mistere pe care istoricii de artă nu le pot rezolva. La fel ca fata din The Night's Watch, Return of the Prodigal Son prezintă personaje învăluite în mister. Sunt patru dintre ei - cineva le numește în mod convențional „frați și surori” ale personajului principal. Unii cercetători interpretează figura feminină din spatele coloanei ca pe un al doilea fiu ascultător - deși în mod tradițional acest rol este atribuit bărbatului din prim-plan. Acest bărbat, bărbos, cu toiagul în mâini, ridică nu mai puține întrebări - în Evanghelia după Luca, fratele decanului a venit în fugă să întâmpine ruda risipitoare direct de pe câmp, dar aici este înfățișat mai degrabă ca un nobil rătăcitor, poate chiar Evreul Etern. Apropo, este posibil ca Rembrandt să se fi descris în acest fel - autoportretele, după cum știți, nu sunt neobișnuite în picturile sale.

La 15 iulie 1606 s-a născut cel mai mare pictor olandez Rembrandt Harmens van Rijn.
Viitorul reformator arte frumoase născut în familia unui morar bogat din Leiden. Băiatul a arătat un interes pentru pictură încă din copilărie, așa că la vârsta de 13 ani a fost ucenic la artistul din Leiden Jacob van Swanenburch. Rembrandt a studiat mai târziu cu pictorul din Amsterdam Pieter Lastman, care s-a specializat în subiecte istorice, mitologice și biblice.

Deja în 1627, Rembrandt a reușit să-și deschidă propriul atelier împreună cu prietenul său Jan Lievens - tânărul pictor, care abia avea 20 de ani, a început să recruteze el însuși studenți.

Deja în primele lucrări ale lui Rembrandt, un stil special de pictură este clar vizibil, care începe să prindă contur - artistul se străduiește să-și picteze personajele cât mai emoțional posibil, literalmente fiecare centimetru al pânzei este plin de dramă. Chiar la începutul călătoriei sale, viitorul maestru de neîntrecut al lucrului cu clarobscurul și-a dat seama de puterea acestei tehnici de transmitere a emoțiilor.

În 1631, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde a fost întâmpinat extrem de entuziasmat. Cunoscătorii de artă au comparat stilul de pictură al tânărului artist cu lucrările lui Rubens însuși - apropo, Rembrandt a fost bucuros să ia repere de la mare parte din estetica acestui artist.

Perioada de lucru din capitala olandeză a devenit un reper pentru genul portretului în opera lui Rembrandt - aici maestrul a pictat multe studii despre capete de femei și bărbați, lucrând cu atenție fiecare detaliu, înțelegând toate subtilitățile expresiilor faciale ale omului. faţă. Artistul pictează orășeni bogați - faima sa se răspândește rapid și devine cheia succesului comercial - și lucrează mult și la autoportrete.

Soarta lui Rembrandt – atât personală, cât și creativă – nu a fost ușoară. Favorizat devreme de faimă și succes, talentatul pictor și-a pierdut brusc clienți bogați care nu și-au dat seama de curajul revoluționar al lucrărilor sale. Moștenirea lui Rembrandt a fost cu adevărat apreciată doar două secole mai târziu - în secolul al XIX-lea, artiștii realiști s-au inspirat din picturile acestui maestru, unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai epocii de aur a picturii olandeze.

Autoportret la 54 de ani - Rembrandt. 1660. Ulei pe pânză. 80,3x67,3. Muzeul Metropolitan de Artă

Iar opera sa, prezentată în articol, vă va prezenta unul dintre cei mai mari artiști ai tuturor timpurilor. Rembrandt Harmens van Rijn (viața - 1606-1669) - celebru pictor, gravor și desenator olandez. Opera sa este pătrunsă de dorința de a înțelege esența vieții, precum și lumea interioară a omului. Rembrandt era interesat de bogăția experiențelor spirituale inerente oamenilor. Opera acestui artist este apogeul artei olandeze din secolul al XVII-lea. De asemenea, este considerată una dintre cele mai importante pagini cultura artistica peste tot în lume. Chiar și oamenii departe de pictură îi cunosc lucrările. Rembrandt este un artist uimitor a cărui viață și opera te vor interesa cu siguranță.

Moștenirea artistică a lui Rembrandt

Moștenirea artistică pe care ne-a lăsat-o este extrem de diversă. Rembrandt a pictat portrete, peisaje, naturi moarte și scene de gen. A realizat picturi pe teme mitologice, biblice, istorice, precum și alte lucrări. Rembrandt este un maestru de neegalat al gravurii și al desenului.

Viața în Leiden

Viața lui Rembrandt în 1620 a fost marcată de o scurtă perioadă de studiu. Apoi a decis să-și dedice viața în întregime artei. În acest scop, a studiat mai întâi la Leiden cu J. van Swanenburch (în jurul anilor 1620-23), iar apoi la Amsterdam cu P. Lastman (în 1623). Între 1625 și 1631 artistul a lucrat la Leiden. Rembrandt și-a creat primele lucrări aici.

Trebuie remarcat faptul că lucrările sale care datează din perioada Leiden sunt caracterizate de căutarea independenței creatoare a autorului, în ciuda faptului că influența lui Lastman, precum și reprezentanții caravagismului olandez, este vizibilă în ele. Un exemplu este lucrarea „Aducerea la templu”, creată în jurul anilor 1628-29. În „Apostolul Pavel” (circa 1629-30), precum și în „Simeon în templu” (1631), artistul a recurs pentru prima dată la clarobscurul ca mijloc menit să sporească expresivitatea emoțională și spiritualitatea imaginilor. În același timp, Rembrandt a lucrat din greu la portret. A studiat expresiile faciale.

1630 de ani în viața lui Rembrandt

Un eveniment important din viața maestrului a avut loc în 1632. Biografia artistului Rembrandt a fost marcată de mutarea la Amsterdam. Biografia sa legată de această perioadă este următoarea.

La Amsterdam, artistul de care ne interesează s-a căsătorit curând. Aleasa lui a fost Saskia van Uylenburgh, un patrician bogat (portretul ei este prezentat mai sus). Această femeie era orfană. Tatăl ei a fost membru al consiliului Friesland, primarul din Leeverden. Cei doi frați ai Saskiei erau avocați. Printre rudele acestei femei se numără mulți oficiali guvernamentali și oameni de știință. Ea a adus o rază de fericire în casa singuratică a artistului. Rembrandt și-a mobilat casa cu multe obiecte rare, drept urmare a devenit un adevărat muzeu. Maestrul a petrecut mult timp în magazine de vechituri, vânzări și licitații. A cumpărat imprimeuri și picturi, bibelouri sculptate indiene și chinezești, arme vechi, statui, cristal și porțelan valoros. Toate aceste lucruri au servit drept fundal pentru picturile pe care le-a creat. Ei l-au inspirat pe artist. Rembrandt îi plăcea să-și îmbrace soția în catifea, brocart și mătase. El a acoperit-o cu perle și diamante. Viața lui s-a desfășurat ușor și cu bucurie, plină de creativitate, muncă și dragoste. În general, anii 1630 sunt o perioadă de fericire în familie și de mare succes artistic.

Portrete ale anilor 1630

Toate portretele datând din anii 1630 demonstrează subtilitatea și puterile de observație ale lui Rembrandt. Acest lucru îl aduce mai aproape de Keyser, van der Helst, Rubens și Van Dijk. Aceste picturi sunt de obicei realizate pe un fundal plat, gri deschis. Lucrările sale sunt adesea ovale în format. Rembrandt a creat portrete care uimesc prin enorma lor putere plastică. Se realizează prin simplificarea clarobscurului și a armoniei alb-negru, precum și prin direcționarea privirii modelului. Toate lucrările sunt pline de demnitate, atrăgând atenția cu compoziție și ușurință dinamică. Picturile din perioada Amsterdam, comparativ cu cele din Leiden, au o textură mai fină. Ritmul mâinilor are o semnificație simbolică (artista nu arată în mod deliberat o mână). Aceasta, precum și întoarcerea capului figurii, amintește de variabilitatea și efemeritatea barocului.

Caracteristicile unor portrete din 1630

Când descriem viața și opera lui Rembrandt în această perioadă, nu se poate să nu apeleze la portretele pe care le-a creat. Sunt destul de numeroase. Lecția de anatomie a doctorului Tulp a lui Rembrandt (foto sus) a fost creată în 1632. În ea, autorul a adoptat o abordare inovatoare pentru rezolvarea problemei unui portret de grup, rezultând o compoziție relaxată. Rembrandt a unit toți oamenii reprezentați în tablou printr-o singură acțiune. Această muncă i-a adus o mare faimă.

În alte portrete, create după numeroase comenzi, artistul a transmis cu atenție îmbrăcăminte, trăsături faciale și bijuterii. Un exemplu este lucrarea „Portretul unui Burgrave”, care a fost pictată în 1636 de Rembrandt Garmens van Rijn. Viața și opera oricărui artist sunt strâns legate între ele. De exemplu, portretele oamenilor apropiați de Rembrandt, precum și autoportretele acestuia (unul dintre ele, creat în 1634, este prezentat mai sus), sunt mai variate și mai libere în compoziție. În ele, artistul nu i-a fost frică să experimenteze, luptă pentru expresivitate psihologică. Aici trebuie menționat și un autoportret creat în 1634 și „Saskia zâmbitoare”, pictat în 1633.

Celebrul tablou „Societatea veselă” sau „Autoportret cu Saskia” (fotografie a acestei lucrări este prezentată mai sus), a completat căutarea acestei perioade. A fost pictat în jurul anului 1635. Viața și opera artistului se dezvăluie într-un mod deosebit în această lucrare. În ea, el rupe cu îndrăzneală de canoanele care existau la acea vreme. Pictura se remarcă prin maniera liberă de a picta, spontaneitatea vie a compoziției, precum și paleta plină de lumină, majoră, colorată.

Compoziții biblice și scene mitologice 1630

În anii 1630, artistul a creat și compoziții biblice. Una dintre cele mai faimoase este „Sacrificiul lui Avraam”. Datează din 1635. Compozițiile biblice din acest timp sunt marcate de influența picturii barocului italian. Impactul său se manifestă în dinamica compoziției (oarecum forțată), contrastele de lumină și umbră și claritatea unghiurilor.

În opera lui Rembrandt din acest timp, un loc special aparține scenelor mitologice. În ele, artistul nu a urmat tradițiile și canoanele clasice, provocându-le cu îndrăzneală. Una dintre lucrările care pot fi remarcate aici este Răpirea lui Ganymede (1635).

"Danae"

Compoziția monumentală intitulată „Danae” a întruchipat pe deplin concepțiile estetice ale lui Rembrandt. În această lucrare, el pare să intre într-o ceartă cu marii artiști ai Renașterii. Figura nudă a lui Danae înfățișată de Rembrandt nu corespunde idealurilor clasice. Artista a finalizat această lucrare cu o spontaneitate realistă, foarte îndrăzneață pentru vremea respectivă. El a pus în contrast frumusețea ideală, senzual-fizică a imaginilor create de maeștri italieni cu frumusețea spirituală, precum și cu căldura sentimentului uman.

Alte lucrări

Tot în anii 1630, Rembrandt a dedicat mult timp lucrului în tehnicile de gravură și gravură. Se pot observa lucrările sale precum „Cuplul rătăcitor” și „Vânzătorul de otravă de șobolani”. Artista a realizat și desene în creion, generalizate ca stil și foarte îndrăznețe.

Opera lui Rembrandt în anii 1640

Acești ani au fost marcați de un conflict între lucrările inovatoare ale lui Rembrandt și cerințele foarte limitate ale contemporanilor săi. Acest conflict s-a manifestat în mod clar în 1642. Apoi lucrarea lui Rembrandt „Night Watch” a provocat proteste violente din partea clienților. Nu au acceptat Ideea principală artist. Rembrandt, în locul portretului obișnuit de grup, a înfățișat o compoziție eroic optimistă în care, la alarmă, breasla împușcătorilor face un pas înainte. Adică a fost, s-ar putea spune, Ea a trezit amintirile contemporanilor despre războiul de eliberare purtat de poporul olandez.

După această lucrare, afluxul de comenzi pentru Rembrandt a scăzut. Viața lui a fost, de asemenea, întunecată de moartea lui Saskia. În anii 1640, opera artistului și-a pierdut eficiența exterioară. Au dispărut și notele majore care l-au caracterizat mai devreme. Rembrandt începe să picteze gen calm și scene biblice, pline de intimitate și căldură. În ele dezvăluie cele mai subtile nuanțe de experiențe, sentimente de familie, apropiere spirituală. Printre aceste lucrări, este de remarcat „Sfânta Familie” din 1645, precum și pictura „David și Ionatan” (1642).

Atât în ​​grafica, cât și în pictura lui Rembrandt, un joc foarte subtil de clarobscur devine din ce în ce mai important. Se creează o atmosferă specială – emoțional intensă, dramatică. De remarcat sunt monumentala fișă grafică a lui Rembrandt „Hristos vindecând bolnavii”, precum și „Foaia cu o sută de guldeni”, creată în jurul anilor 1642-46. Ar trebui să numiți și peisajul din 1643 „Trei Copaci”, plin de dinamică a luminii și a aerului.

1650 în lucrările lui Rembrandt

Acest timp a fost marcat de încercări grele de viață care s-au întâmplat pe artist. În 1650 a început perioada maturității sale creatoare. Rembrandt începe să se orienteze din ce în ce mai des către portrete. Îi înfățișează pe cei mai apropiați. Printre aceste lucrări, merită remarcate numeroasele portrete ale lui Hendrikje Stoffels, a doua soție a artistului. De asemenea, destul de remarcabil este „Portretul unei bătrâne” creat în 1654. În 1657, artistul a pictat încă unul de-al său lucrare celebră- „Fiul Titus citind”.

Imagini cu oameni obișnuiți și bătrâni

Imagini oameni obișnuiți, în special persoanele în vârstă, sunt din ce în ce mai atrase de artist. În lucrările sale, ele sunt întruchiparea bogăției spirituale și a înțelepciunii vieții. În 1654, Rembrandt a creat „Portretul soției fratelui artistului”, iar în 1652-1654 – „Portretul unui bătrân în roșu” (foto sus). Pictorul începe să devină interesat de mâini și față, care sunt iluminate de lumină moale. Parcă au fost smulse din întuneric. Fețele figurilor sunt caracterizate de expresii faciale abia vizibile. Aceasta arată mișcarea complexă a sentimentelor și gândurilor lor. Rembrandt alternează lovituri de lumină și impasto, ceea ce face ca suprafața picturii să strălucească de lumină și umbră și nuanțe colorate.

Situație financiară dificilă

În 1656, artistul a fost declarat debitor în insolvență, drept urmare toată proprietatea sa a fost vândută sub ciocan. Rembrandt a fost nevoit să se mute în cartierul evreiesc al orașului Amsterdam. Aici și-a petrecut restul vieții în condiții extrem de înghesuite.

Lucrările lui Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

Compozițiile biblice create în anii 1660 rezumă reflecțiile lui Rembrandt asupra sensului vieții. În opera sa din acest timp există picturi dedicate ciocnirii principiilor luminii și întunericului din sufletul uman. O serie de lucrări pe această temă au fost create de Rembrandt Harmens van Rijn, a cărui biografie și listă de picturi ne interesează. Printre astfel de lucrări, este de remarcat lucrarea „Assur, Haman și Esther”, creată în 1660; și, de asemenea, „David și Urie”, sau „Căderea lui Haman” (1665). Se caracterizează printr-un stil de pensulă flexibil, culori calde bogate, textura complexă a suprafeței și joc intens de lumini și umbre. Toate acestea sunt necesare pentru ca artistul să dezvăluie experiențe emoționale complexe și conflicte, să afirme victoria binelui asupra răului.

Pictura istorică a lui Rembrandt intitulată Conspirația lui Julius Civilis, cunoscută și sub numele de Conspirația Batavilor, a fost creată în 1661. Este impregnat de eroism și dramă dură.

„Întoarcerea fiului risipitor”

În ultimul an al vieții sale, artistul a creat lucrarea „Întoarcerea fiului risipitor”. Datează din 1668-69. Această pictură monumentală este principala capodopera a lui Rembrandt. Ea întruchipează toate problemele morale, estetice și artistice caracteristice perioadei târzii a operei sale. Artistul cu cea mai înaltă pricepere recreează în această imagine o întreagă gamă de sentimente umane profunde și complexe. El subordonează mijloacele artistice dezvăluirii frumuseții iertării, compasiunii și înțelegerii. Punctul culminant al trecerii de la tensiunea sentimentelor la rezolvarea cu succes a pasiunilor este întruchipat în gesturi de rezervă și ipostaze expresive. În fotografia de mai sus puteți vedea această ultimă lucrare a lui Rembrandt.

Moartea lui Rembrandt, semnificația operei sale

Celebrul pictor, gravor și desenator olandez a murit la Amsterdam la 4 octombrie 1669. Harmens van Rijn Rembrandt, ale cărui lucrări sunt cunoscute și iubite de mulți, a avut o influență uriașă asupra dezvoltării ulterioare a picturii. Acest lucru se observă nu numai în munca elevilor săi, dintre care Carel Fabricius s-a apropiat cel mai mult de a-l înțelege pe Rembrandt, ci și în lucrările fiecărui artist olandez, mai mult sau mai puțin semnificative. Picturile multor maeștri reflectă influența unor artiști precum Rembrandt van Rijn. Lucrarea „Mlaștina”, scrisă de Jacob van Ruisdael, este probabil una dintre aceste lucrări. Prezintă o parte deșertică a pădurii inundată cu apă. Această imagine poartă un sens simbolic.

Ulterior, marele Rembrandt a avut o influență puternică asupra dezvoltării artei realiste în general. Picturile și biografia lui sunt încă de interes pentru mulți oameni. Acest lucru sugerează că munca lui este într-adevăr destul de valoroasă. Capodoperele lui Rembrandt, dintre care multe au fost descrise în acest articol, încă inspiră artiști.