Rembrandt Harmens van Rijn născut în orașul olandez Leiden în 1606 la 15 iulie. Tatăl lui Rembrandt era un morar bogat, mama lui era un brutar bun și era fiica unui brutar. Numele de familie „van Rijn” înseamnă literal „de la Rin”, adică de la râul Rin, unde străbunicii lui Rembrandt aveau mori. Dintre cei 10 copii din familie, Rembrandt era cel mai mic. Alți copii au mers pe urmele părinților, dar Rembrandt a ales o altă cale - una artistică și a fost educat la o școală latină.

La vârsta de 13 ani, Rembrandt a început să învețe să picteze și a intrat, de asemenea, la universitatea orașului. Vârsta nu deranja pe nimeni atunci, principalul lucru era cunoștințele la nivel. Mulți savanți sugerează că Rembrandt a intrat la universitate nu pentru a studia, ci pentru a obține o amânare de la armată.

Primul profesor al lui Rembrandt a fost Jacob van Swanenburch. Viitorul artist a petrecut aproximativ trei ani în studioul său, apoi s-a mutat la Amsterdam pentru a studia cu Pieter Lastman. Din 1625 până în 1626 Rembrandt s-a întors în orașul natal și a făcut cunoștințe cu artiști și unii dintre studenții lui Lastman.

Cu toate acestea, după multă gândire, Rembrandt a decis că cariera sa de artist ar trebui să fie urmată în capitala Olandei și s-a mutat din nou la Amsterdam.

În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu Saskia. Până la căsătoria lor, fiecare avea o avere bună (Rembrandt prin pictură, iar părinții lui Saskia au lăsat o moștenire impresionantă). Deci nu a fost o căsătorie de conveniență. S-au iubit cu adevărat cu căldură și pasiune.

În anii 1635 – 1640. Soția lui Rembrandt a născut trei copii, dar toți au murit ca nou-născuți. În 1641, Saskia a născut un fiu, care a fost numit Titus. Copilul a supraviețuit, dar, din păcate, însăși mama a murit la vârsta de 29 de ani.

După moartea soției sale, Rembrandt nu era el însuși, nu știa ce să facă și își găsea mângâiere în desen. În anul în care a murit soția sa, el a finalizat pictura „Night Watch”. Tânărul tată nu a putut face față lui Titus și, prin urmare, a angajat o dădacă pentru copil - Gertje Dirks, care i-a devenit amantă. Au trecut vreo 2 ani, iar bona din casă s-a schimbat. A devenit o fată tânără Hendrikje Stoffels. Ce sa întâmplat cu Geertje Dirks? Ea l-a dat în judecată pe Rembrandt, crezând că acesta a încălcat contractul de căsătorie, dar a pierdut disputa și a fost trimisă într-un cămin corecțional, unde a petrecut 5 ani. După ce a fost eliberată, ea a murit un an mai târziu.

Noua dădacă a lui Rembrandt, Hendrikje Stoffels, a născut doi copii. Primul lor copil, un băiat, a murit în copilărie, iar fiica lor Carnelia, singura care a supraviețuit tatălui ei.

Puțini oameni știu asta Rembrandt avea o colecție foarte distinctivă, care includea picturi ale artiștilor italieni, diverse desene, gravuri, diverse busturi și chiar arme.

Declinul vieții lui Rembrandt

Lucrurile nu mergeau bine pentru Rembrandt. Nu erau suficienți bani, numărul comenzilor a scăzut. Prin urmare, artistul a vândut o parte din colecția sa, dar acest lucru nu l-a salvat. Era pe punctul de a merge la închisoare, dar instanța era în favoarea lui, așa că i s-a permis să-și vândă toate proprietățile și să-și achite datoriile. A locuit chiar o vreme într-o casă care nu-i mai aparținea.

Între timp, Titus și mama lui au organizat o companie care comercializa obiecte de artă pentru a-l ajuta cumva pe Rembrandt. Într-adevăr, până la sfârșitul vieții sale, artistul nu a plătit pe mulți, dar acest lucru nu a stricat reputația lui Rembrandt, el a rămas o persoană demnă în ochii oamenilor.

Moartea lui Rembrandt a fost foarte tristă. În 1663, iubitul artistului, Hendrickje, a murit. Un timp mai târziu, Rembrandt și-a îngropat fiul Titus și mireasa lui. În 1669, la 4 octombrie, el însuși a părăsit această lume, dar a lăsat pentru totdeauna o amprentă în inimile oamenilor care l-au iubit.

Anul nașterii: 15 iulie 1606

Data mortii: 4 octombrie 1669

O tara: Olanda

Biografie:

Născut în orașul olandez Leiden în 1606 la 15 iulie. Tatăl lui Rembrandt era un morar bogat, mama lui era un brutar bun și era fiica unui brutar. Numele de familie „van Rijn” înseamnă literal „de la Rin”, adică de la râul Rin, unde străbunicii lui Rembrandt aveau mori. Dintre cei 10 copii din familie, Rembrandt era cel mai mic. Alți copii au mers pe urmele părinților, dar Rembrandt a ales o altă cale - una artistică și a fost educat la o școală latină.
La vârsta de 13 ani, Rembrandt a început să învețe să picteze și a intrat, de asemenea, la universitatea orașului. Vârsta nu deranja pe nimeni atunci, principalul lucru era cunoștințele la nivel. Mulți savanți sugerează că Rembrandt a intrat la universitate nu pentru a studia, ci pentru a obține o amânare de la armată.

Primul profesor al lui Rembrandt a fost Jacob van Swanenburch. Viitorul artist a petrecut aproximativ trei ani în studioul său, apoi s-a mutat la Amsterdam pentru a studia cu Pieter Lastman. Din 1625 până în 1626 Rembrandt s-a întors în orașul natal și a făcut cunoștințe cu artiști și unii dintre studenții lui Lastman.
Cu toate acestea, după multă gândire, Rembrandt a decis că cariera sa de artist ar trebui să fie urmată în capitala Olandei și s-a mutat din nou la Amsterdam.

În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu Saskia. Până la căsătoria lor, fiecare avea o avere bună (Rembrandt prin pictură, iar părinții lui Saskia au lăsat o moștenire impresionantă). Deci nu a fost o căsătorie de conveniență. S-au iubit cu adevărat cu căldură și pasiune.
În anii 1635 – 1640. Soția lui Rembrandt a născut trei copii, dar toți au murit ca nou-născuți. În 1641, Saskia a născut un fiu, care a fost numit Titus. Copilul a supraviețuit, dar, din păcate, însăși mama a murit la vârsta de 29 de ani.
După moartea soției sale, Rembrandt nu era el însuși, nu știa ce să facă și își găsea mângâiere în desen. În anul în care a murit soția sa, el a finalizat pictura „Night Watch”. Tânărul tată nu a putut face față lui Titus și, prin urmare, a angajat o dădacă pentru copil - Gertje Dirks, care i-a devenit amantă. Au trecut vreo 2 ani, iar bona din casă s-a schimbat. A devenit o fată tânără Hendrikje Stoffels. Ce sa întâmplat cu Geertje Dirks? Ea l-a dat în judecată pe Rembrandt, crezând că acesta a încălcat contractul de căsătorie, dar a pierdut disputa și a fost trimisă într-un cămin corecțional, unde a petrecut 5 ani. După ce a fost eliberată, ea a murit un an mai târziu.
Noua dădacă a lui Rembrandt, Hendrikje Stoffels, a născut doi copii. Primul lor copil, un băiat, a murit în copilărie, iar fiica lor Carnelia, singura care a supraviețuit tatălui ei.
Puțini oameni știu asta Rembrandt avea o colecție foarte distinctivă, care includea picturi ale artiștilor italieni, diverse desene, gravuri, diverse busturi și chiar arme.

Declinul vieții lui Rembrandt

Lucrurile nu mergeau bine pentru Rembrandt. Nu erau suficienți bani, numărul comenzilor a scăzut. Prin urmare, artistul a vândut o parte din colecția sa, dar acest lucru nu l-a salvat. Era pe punctul de a merge la închisoare, dar instanța era în favoarea lui, așa că i s-a permis să-și vândă toate proprietățile și să-și achite datoriile. A locuit chiar o vreme într-o casă care nu-i mai aparținea.
Între timp, Titus și mama lui au organizat o companie care comercializa obiecte de artă pentru a-l ajuta cumva pe Rembrandt. Într-adevăr, până la sfârșitul vieții sale, artistul nu a plătit pe mulți, dar acest lucru nu a stricat reputația lui Rembrandt, el a rămas o persoană demnă în ochii oamenilor.
Moartea lui Rembrandt a fost foarte tristă. În 1663, iubitul artistului, Hendrickje, a murit. Un timp mai târziu, Rembrandt și-a îngropat fiul Titus și mireasa lui. În 1669, la 4 octombrie, el însuși a părăsit această lume, dar a lăsat pentru totdeauna o amprentă în inimile oamenilor care l-au iubit.

Întoarcerea fiului risipitor, 1669. Ulei pe pânză, 262x206.

Poate că niciun alt tablou de Rembrandt nu inspiră sentimente atât de sublime ca acest tablou. Intriga este preluată din Noul Testament. Isus spune o pildă despre un fiu care primește partea sa din averea tatălui său și o risipește într-o țară îndepărtată, trăind disolut. Când, făcându-și curajul, se întoarce acasă, tatăl său îl iartă imediat și îl acceptă cu bucurie. Sensul religios al pildei este acesta: indiferent de modul în care o persoană păcătuiește, pocăința va fi întotdeauna răsplătită cu iertare plină de bucurie. Aici Rembrandt se pare că s-a angajat să exploreze sensul universal al pildei. Părul tuns scurt de pe capul fiului risipitor și hainele ponosite vorbesc de la sine, iar gulerul păstrează un indiciu de lux din trecut. Pantofii erau uzați, a scăpat unul, îngenunchind în fața tatălui său. Tatăl își îmbrățișează fiul la piept, iertându-l. Este caracteristic faptul că Rembrandt evită conflictul pildei: ea vorbește despre gelozia unui fiu ascultător, deși s-ar putea să stea în umbră în spatele tatălui său.

Sfânta Familie și Îngerii, 1645. Ulei pe pânză, 117x91.
Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Acest tablou, impregnat de tandrețe uimitoare, confirmă darul lui Rembrandt de a amesteca divinul și pământul într-o asemenea măsură încât nu mai este posibil să se tragă o linie între ele. Maica Domnului și-a întrerupt lectura pentru a îndrepta vălul de pe Prunc, sau poate pentru a-I acoperi fața de lumina strălucitoare, menită să sublinieze măreția Lui. Plină de tandrețe, Maria s-a aplecat asupra lui Isus, cu o grijă cu adevărat maternă, verificând încă o dată că totul era în regulă cu copilul. Bebelușul doarme profund într-un leagăn de răchită, neștiind ce se întâmplă în jur. Iosif, soțul Mariei, face tâmplar în fundal. Mama, copilul, chiar și leagănul sunt tipuri pur olandeze din secolul al XVII-lea. Aceasta ar fi putut fi, poate, orice familie obișnuită, dacă nu ar fi fost îngerii-copii care zboară din rai.

Întoarcerea Fiului Risipitor. Detaliu, 1669.
Ulei pe pânză, 262x206. Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Răpirea lui Ganymede, 1635. Ulei pe pânză, 171x130.
Galeria de imagini Dresda, Dresda

Sophonibah ia paharul cu otravă, 1634.
Ulei pe pânză, 142x152. Muzeul Prado, Madrid, Spania

Figura maiestuoasă din acest tablou amintește foarte mult de Saskia, deși povestea lui Sophonibah nu se potrivește tocmai tinerei soții. Sophoniba, fiica comandantului cartaginez Hasdrubal, a trăit într-o perioadă în care Cartagina ducea un război aprig cu Roma. Pentru a consolida alianța cu numidienii, Hasdrubal și-a căsătorit fiica cu regele Syphax, dar a fost învins de aliatul roman Masinissa, care a vrut imediat să o ia pe regina drept soție. Când romanii i-au interzis această căsătorie, el a ferit-o pe Sophoniba de o umilință suplimentară, trimițând o ceașcă cu otravă, pe care regina a băut-o fără ezitare. Este posibil ca Rembrandt să nu fi luat în serios această poveste romantică, dar pictura înfățișează un moment decisiv și o acțiune deliberată, fiind în unele privințe comparabilă cu Bathsheba, mai faimoasă și mai puțin teatrală.

Bat-Șeba, 1654. Ulei pe pânză, 142x142.
Luvru, Paris, Franța

Scris când artistul era în floarea puterilor sale creatoare. Mulți experți cred că această pictură este cea mai mare dintre toate creațiile lui Rembrandt. Este în general acceptat că frumusețea descrisă este Bat-Șeba, pe care regele David a văzut-o și a dorit-o. Ea s-a dăruit lui și a zămislit. Complicațiile care au urmat au culminat cu uciderea soțului Batsebei, pe care David l-a trimis la moarte. Povestea nu este plăcută, iar comentatorii au explicat sentimentele lui Batseba în moduri diferite. Dar, așa cum se întâmplă adesea cu picturile lui Rembrandt, este probabil o greșeală să intri în subtilitățile interpretării. Poate că este suficient să spunem că Bat-Șeba reflectă cu tristețe la soarta ei. Compoziția reproduce în mare măsură relieful antic, care înfățișează o mireasă care se pregătește de nuntă. Rembrandt a pictat-o ​​pe Bat-Șeba goală și a conferit picturii o emotivitate pronunțată. Modelul pentru Bathsheba a fost probabil prietenul lui Rembrandt, Hendrikje Stoffels.

Simeon în templu, 1669. Ulei pe pânză, 98x79.
Stockholm, Muzeul Național

Deși această lucrare comandată a început în 1661, a rămas neterminată în atelierul lui Rembrandt până la moartea sa în 1669. Pictura se bazează pe o profeție care s-a împlinit. Vârstnicul Simeon a fost prezis că „nu va vedea moartea până nu va vedea pe Hristos. al Domnului.” Și în cele din urmă l-a întâlnit când Maria și Iosif L-au adus pe Isus la templu. Rembrandt a creat deja o versiune comandată magnifică pe această temă (1631). Acolo acțiunea are loc sub arcadele înalte ale templului, iar lucrarea în sine este realizată într-o manieră detaliată caracteristică unei perioade de tinerețe, succes și glorie. Aici, stilul liber de a scrie din ultimii ani este deosebit de remarcat și pentru că lucrarea nu este terminată, deși acest lucru nu este deloc semnificativ: totul este concentrat pe momentul în care bătrânul pe jumătate orb legănă în brațe Bebelul înfășat - o scenă. plin de tandrețe infinită.

David și Urie, 1665. Ulei pe pânză, 127x117.
Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Nu se cunoaște nici data exactă a picturii și nici intriga acestui frumos tablou impregnat de dispoziție, ceea ce a dat naștere la diferite presupuneri. Potrivit unei versiuni, această lucrare este asociată cu „Artaxerxe, Haman și Estera”. Se crede că aceasta descrie demiterea lui Haman din afaceri sau momentul în care primește permisiunea regelui de a extermina toți evreii. Acest argument este susținut de dovezi că ambele picturi reprezintă scene dintr-o piesă pusă în scenă în 1659 și nu se bazează direct pe o sursă biblică. Cu siguranță este ceva teatral aici, dar, în afară de neconcordanțe în detaliu, presupusele subiecte nu corespund stării de tristețe ascunsă pe care o inspiră tabloul. Prin urmare, este legitim să reveniți la versiune veche. În acest caz, figura în roșu este soțul sedusului Bat-Șeba, Urie, pe care David, tulburat de remușcări, îl trimite la moarte sigură.

Coborarea de pe Cruce. 1634. Ulei pe pânză, 158x117.
Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Pogorârea de pe Cruce este un subiect comun în pictura europeană. Potrivit tradiției, printre cei prezenți sunt înfățișați Maica Domnului, mai mulți ucenici ai lui Iisus și Iosif din Arimateea. În anii 1930, Rembrandt a pictat o serie de picturi pe tema Patimilor Domnului, inclusiv „Înălțarea crucii” și „Coborârea de pe cruce” pentru statulderul Olandei, Frederik Hendrick. Dimensiunile acestui tablou sunt mai mari, tonurile sunt mai bogate. A fost pictat câteva luni mai târziu și a fost păstrat chiar de artist până în 1656, când a dat faliment. Figura zdrobită a lui Hristos este inundată de lumină strălucitoare, Maica Domnului și-a pierdut cunoștința, giulgii luxoase sunt așezate pe pământul în care El va zace până va învia.

Jertfa lui Avraam, 1635.
Ulei pe pânză, 193x133. Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg

Acesta este unul dintre cele mai dramatice momente din Vechiul Testament. Avraam, prin poruncă de sus, este gata să-l jertfească lui Dumnezeu pe singurul său fiu Isaac și a ridicat deja un cuțit peste el, legat, pentru a-l măcelări pentru arderea de tot. În pictură, Isaac stă întins pe altar deasupra lemnului. În Sfintele Scripturi, îngerul Domnului îl cheamă pe Avraam, care a trecut testul supunerii față de Dumnezeu, și îi spune să se oprească. Rembrandt sporește dramatismul a ceea ce se întâmplă: în tablou, îngerul îl apucă pe Avraam de mână și cuțitul cade. Scena este, de asemenea, mai convingătoare, deoarece palma mare a lui Avraam a acoperit fața fiului său, capul lui Isaac este aruncat pe spate și pare că un cuțit este pe cale să i se cufunde în gât. O altă versiune a acestui subiect este păstrată la München, dar poate fi doar parțial de Rembrandt.

sărbătoarea lui Belşaţar. 1635. Ulei pe pânză, 168x209.
Galeria Națională din Londra

Pânzele mari cu efecte teatrale au fost populare în Țările de Jos în timpul vieții lui Rembrandt. Sărbătoarea lui Belşaţar demonstrează cât de abil a tratat artistul astfel de teme. Regele babilonian Belşaţar este descris în cartea Vechiului Testament a profetului Daniel. La o sărbătoare aglomerată, el a poruncit să aducă vase de aur și argint, pe care tatăl său Nebucadnețar le-a luat din sanctuarul templului din Ierusalim. Regele a ordonat ca vasele să fie umplute cu vin pentru nobilii, soțiile și concubinele săi. Când această blasfemie a fost împlinită, o mână misterioasă a apărut brusc și a înscris cuvinte ciudate pe perete: „Mene, mene, tekel, upharsin”. Daniel i-a spus regelui că vorbesc despre moartea lui; predicția s-a adeverit în aceeași noapte. Pictura lui Rembrandt explorează uimirea și frica, accentuate de vinul care se revarsă din vasele sacre, care este, de asemenea, simbolic. Este surprinzătoare inscripția realizată în ebraică, a cărei aranjare specială a literelor ne face să ne amintim de vecinul lui Rembrandt, evreul Manasseh ben Israel, cu care, după cum se știe, artistul a întreținut relații.

Susanna and the Elders, 1647. Mahon, ulei, 77x93.
Muzeul Staatlich, Berlin, Germania

Povestea Susannei datează de la Apocrife, un corp de scrieri biblice a căror autenticitate a fost mult timp pusă la îndoială. Totuși, acest lucru nu i-a împiedicat pe artiști - catolici și protestanți - să creeze tablouri pe această temă, pline de dramă și farmec erotic. În timp ce Susanna merge la piscina din grădina ei, doi bătrâni ies din ascunzătoare și încep să o ispitească să păcătuiască, amenințându-i că, dacă nu împarte patul cu ei, vor depune mărturie mincinoasă că a comis adulter cu o altă persoană. Susanna refuză, iar bătrânii ordonă să fie luată în custodie, dar intervenția profetului Daniel salvează frumusețea virtuoasă. Rembrandt a început această pictură la mijlocul anilor '30, dar nu a fost vândută până în 1647. Susanna, încercând în zadar să-și acopere goliciunea, este mai mult supărată decât speriată, dar bătrânul care smulge vălul de pe ea uimește cu acuratețea observației sale. Sandalele abandonate pe țărm par să fi fost simboluri erotice elocvente în arta olandeză din secolul al XVII-lea.

Sfântul Matei și Îngerul, 1661.
Ulei pe pânză, 96x81. Muzeul Luvru, Paris

Unul dintr-o serie de portrete ale apostolilor pictate la începutul anilor '60. Spre deosebire de alte portrete cu o singură cifră, aici în spatele apostolului este înfățișat un înger, care l-a inspirat pe Matei să scrie Evanghelia. Îngerul amintește foarte mult de Titus, care ar fi putut fi un model pentru el, dar înfățișarea apostolului nu este clar Rembrandt. Pe lângă sensul religios, tabloul transmite minunat contrastul dintre tinerețe și bătrânețe, deși prin design rolurile sunt opuse. Tânărul îngeresc, calm și încrezător în sine, îl consolează pe Matei, punându-și mâna pe umărul bătrânului. Sfântul Matei este adânc în gânduri, cu mâna cu venele umflate trăgându-i de barbă. Cartea nu este o reproducere exactă a manuscrisului antic, dar este scrisă cu măiestrie.

Arhanghelul părăsind familia lui Tobias, 1637.
Lemn, ulei, 66x52. Muzeul Luvru, Paris

Hristos și femeia prinsă în adulter, 1644.
Lemn, ulei, 84x66. Galeria Națională din Londra

Această lucrare spectaculoasă dă impresia de decor și a fost eventual pictată la cererea unui client bogat. Grupul central este înfățișat cu o deplinătate perfectă, într-o manieră detaliată, de care Rembrandt s-a îndepărtat treptat în anii '40. Decorul luxuriant roșu și auriu seamănă cu un palat baroc, deși în realitate înfățișează Templul Ierusalimului. Cărturarii și fariseii i-au adus lui Isus o femeie prinsă în adulter. Sperând să-L prindă pe Isus, ei l-au întrebat dacă un astfel de om ar trebui să fie ucis cu pietre, așa cum este prescris în legea lui Moise. Isus a răspuns: „Cine dintre voi este fără păcat să arunce primul cu piatra în ea”. Acuzatorii rușinați au plecat, iar Isus i-a spus femeii să meargă și să nu mai păcătuiască. Imaginea este construită pe contraste dramatice: Isus și discipolii săi îmbrăcați în haine maro simple, un păcătos rușinat fermecător, cărturari și farisei în haine luxoase.

Samson și Dalila, 1628. Stejar, ulei, 61x50.
Muzeul Staatlich, Berlin

Hristos la Emaus, 1648.
Ulei pe pânză, 42x60. Muzeul Luvru, Paris

Unul dintre subiectele preferate ale lui Rembrandt, bazat pe un episod din Evanghelia după Luca. După ce Isus a fost răstignit, doi dintre ucenicii săi se îndreptau spre Emaus, un sat de lângă Ierusalim. Un străin s-a apropiat de ei, a mers cu ei, le-a explicat Scripturile tot drumul și a împărțit o masă cu ei în casa în care au venit. Când a frânt pâinea și le-a dat-o, li s-au deschis ochii și L-au recunoscut pe Isus, înviat din morți, dar El a devenit imediat nevăzut pentru ei. ÎN versiunea timpurieÎn acest tablou (circa 1629), Rembrandt a înfățișat dramatic momentul revelației: silueta lui Iisus și a ucenicilor, ca și cum ar fi lovit de fulger. Aici se subliniază naturalețea și umanitatea a ceea ce se întâmplă: doar o aureolă slabă deasupra capului lui Isus și o privire entuziastă, în sus, indică divinitatea Lui, pe care băiatul-slujitor nu o observă evident.

Necredința apostolului Toma, 1634. Ulei pe lemn, 53x51.
Muzeu Arte Frumoase numit după Pușkin, Moscova

Sfântul Toma, unul dintre cei doisprezece ucenici ai lui Hristos, este menționat de mai multe ori în Noul Testament. Rembrandt a descris un episod celebru din Evanghelia după Ioan. După ce a fost coborât de pe cruce, Isus se arată ucenicilor săi și își arată rănile. Toma nu era acolo, iar când ceilalți ucenici i-au spus ceea ce văzuseră, Toma a refuzat să-i creadă, declarând: „Dacă nu văd în mâinile Lui semnele cuielor și nu pun degetul în semnele cuielor, și pune mâna în partea Lui, nu o să cred.” Opt zile mai târziu, potrivit lui Ioan, Isus s-a arătat din nou ucenicilor și le-a spus lui Toma să-i atingă rănile. Convins, Toma L-a recunoscut pe Isus ca Domnul Dumnezeu. Rembrandt a descris o scenă de noapte: strălucirea care emană de la Isus pare a fi singura sursă de lumină, de care credinciosul Toma se îndepărtează stânjenit.

Moise cu tablele legilor, 1659.
Ulei pe pânză, 169x137. Muzeul Staatlich, Berlin

Legitorul Moise tocmai coborase de pe Muntele Sinai cu două table de piatră, „pe care erau scrise de degetul lui Dumnezeu” cele Zece Porunci. Acesta este, fără îndoială, un eveniment solemn, dar este greu de sigur dacă înfățișează un moment de triumf sau de mânie când Moise, văzându-i pe copiii lui Israel închinându-se vițelului de aur, a aruncat tablele din mâinile sale și le-a spart sub munte. Este posibil ca acest tablou să fi fost comandat pentru șeful unei bresle și destinat să decoreze șemineul din Primăria din Amsterdam.

Iosif, care a expus soția lui Potifar, 1655. Ulei pe pânză, 106x98.
Galeria Națională de Artă, Washington

Rembrandt Harmens van Rijn. Portretul unui bătrân în roșu, 1654.
Ulei pe pânză, 108x86. Ermitage, Sankt Petersburg

Portretul lui Saskia ca Flora, 1634. Ulei pe pânză, 125x101. Ermitage, Sankt Petersburg

Acest portret fermecător al tinerei Saskia a fost pictat în anul în care s-a căsătorit cu Rembrandt. Chipul gânditor, dar fără îndoială fericit al fetei, este destul de în concordanță cu sentimentele miresei. Coșca și toiagul împletite cu flori indică cu siguranță Flora, vechea zeiță romană a primăverii. Ținuta zeiței a fost pictată cu o măiestrie uimitoare, dar adevărata măreție a talentului lui Rembrandt se dezvăluie în expresia tandreței pe care artista i-a dat-o chipului. Un an mai târziu a pictat-o ​​din nou pe Saskia ca Flora, de asemenea o lucrare celebră, deși radiografiile au arătat că inițial intenționase să o înfățișeze ca Judith biblică cu capul tăiat al lui Holofernes ținut în poală.

Portret de femeie în vârstă, 1654. Ulei pe pânză, 109x84. Ermitage, Sankt Petersburg

Portretul lui Jan Six, 1654. Ulei pe pânză, 112x102. Amsterdam, colecția șase

Posibil cel mai bun dintre portretele lui Rembrandt. Combină perfect precizia și perspicacitatea. Unele detalii ale portretului sunt desenate cu grijă, în timp ce altele sunt indicate cu îndrăzneală ca în trecere. Se remarcă nasturii de pe caftan și broderia aurie de pe luxoasa mantie roșie, dar ochiul se oprește involuntar la mâini, pictate cu lovituri energice; Șase trage încet mănușa - câtă mișcare aduce artistul la asta! Fața atrage, de asemenea, atenția, în special privirea absorbită de sine, care nu se potrivește prea bine cu aspectul secular al lui Sixx. Clientul a menționat acest portret în jurnalul său: „Acesta a fost chipul meu, Jan Six, care adoram muzele încă din copilărie”. Six a scris poezie și a colecționat artă, dar era și un comerciant bogat și plin de resurse. Până la mijlocul anilor '50, Rembrandt a finalizat multe comenzi pentru el.

Mireasa evreiască, 1665. Ulei pe pânză, 122x164. Muzeul Rix, Amsterdam

Numele comun „Mireasa evreiască” se bazează pe o interpretare veche, acum abandonată, care a apărut în secolul al XIX-lea. Putem spune cu aproape certitudine că femeia nu este nicidecum mireasă sau evreică, cu excepția faptului că este înfățișată într-un stil imaginar, pseudo-biblic, caracteristic picturilor istorice ale lui Rembrandt. Artistul a menținut relații cu comunitatea evreiască din Amsterdam, pictând adesea portrete ale evreilor, ceea ce i-a forțat pe cercetători să facă o serie de presupuneri nefondate. Următoarele versiuni sunt populare acum (au fost aproximativ 12 în total): în fața noastră este o scenă de teatru sau un episod din Biblie, iar intriga este următoarea: Isaac, care locuiește cu filistenii, își spune public pe soția sa Rebecah sora lui și îndrăznește să o îmbrățișeze doar în momentele de singurătate. Ceea ce contează cu adevărat: acești doi sunt legați de iubire profundă. Pictura este una dintre capodoperele perioadei târzii Rembrandt, care se caracterizează prin tonuri de roșu și maro auriu. Hainele pe alocuri sunt pictate cu lovituri rapide, tonurile ajung la o saturație luminoasă, surprinzător de caldă la culoare și, în același timp, nu sunt autosuficiente, ceea ce nu face decât să sporească emotivitatea scenei.

Veghe de noapte, 1642. Ulei pe pânză, 363x437. Muzeul Rix, Amsterdam

Cea mai faimoasă pictură a lui Rembrandt a fost cunoscută în ultimele două secole sub numele de „Night Watch”. Analiza modernă a straturilor de vopsea a arătat că aceasta a fost inițial o scenă de zi, dar numele devenise deja familiar și nu putea fi schimbat. În imagine, breasla trăgătorilor locali apare sub conducerea căpitanului Frans Banning Cocq (în haine negre). Cu câteva decenii mai devreme, trăgătorii de gardă constituiau o forță semnificativă de voluntari care au ajutat la apărarea țării de amenințarea unei invazii spaniole, dar până în anii 40, multe se schimbaseră: acum orășeni respectabili și bogați uniți în societăți de împușcături. Artistul a introdus în descriere un element de eroism, ca și cum ar reînvie fostul patriotism. Este transmisă atmosfera unor procesiuni similare cu fluturi de steaguri, tobe și încărcare de muschete. „Night Watch” este un portret de grup pentru care a fost plătit de toți trăgătorii înfățișați, dar Rembrandt l-a schimbat: a prezentat observatori aleatori care nu i-au plătit nimic; ca urmare, portretul s-a transformat într-o scenă multicoloră a unei mulțimi de stradă cu mișcare confuză și iluminare deosebită Imaginea este tăiată pe părțile laterale, în special în partea stângă, ceea ce perturbă oarecum compoziția

Portret de familie, 1666-68 Ulei pe pânză, 126x167. Ulrich-Muzeul Ducele Anton, Brunswick

Portretul sindicilor unui atelier de confecție de pânză, 1662. Ulei pe pânză, 192x279. Muzeul Rix, Amsterdam

Pictura este cunoscută sub denumirile: „Sindacii”, „Bătrânii Atelierului de Pânze”; ambele nu sunt pe deplin exacte și sunt asociate cu o instituție din cadrul breaslei de îmbrăcăminte menită să preleve mostre de țesături și să verifice calitatea acestora. Acesta este ultimul portret de grup creat de Rembrandt. O dispoziție deosebită, pronunțată, este obținută prin faptul că oficialii ne privesc direct de sus, iar spectatorul are senzația că în orice moment va fi interogat și acuzat de ceva. De fapt, acest punct de vedere a fost probabil aprobat de comisar însuși, deoarece pictura urma să atârne deasupra șemineului din clădirea principală a breslei, în același rând cu portretele de grup anterioare. În mod tradițional, ei înfățișau cinci oficiali așezați și un servitor în picioare în spate. Rembrandt a reînviat compoziția, schimbând tradițiile: un oficial se ridică de pe scaun, parcă dă semn că întâlnirea s-a încheiat.

Autoportret cu Saskia în genunchi, 1635.
Ulei pe pânză, 161x131. Galeria Dresda

Un domn vesel cu o fată în genunchi ține un pahar în mână. Pe masa festiva plăcintă cu păun. Ospătarii stăteau cu spatele la spectatori, acum s-au întors cu fața să bea pentru sănătatea noastră. În mod surprinzător, se cunosc foarte puține lucruri sigure despre această lucrare. În special, paternitatea lui Rembrandt este de netăgăduit, există informații că l-a ținut acasă, nedorind să-l vândă, poate pentru că pictura îi era dragă. Este adesea numit „Autoportret cu Saskia în poală”. Poate că cuplul a organizat o mascarada pentru distracție, urmând moda scenelor din viața de curte sau poate slăvindu-și bogăția. Cu toate acestea, există o altă versiune: pictura se presupune că înfățișează un fiu risipitor care își risipește moștenirea. În acest caz, privind scena amuzantă, cu greu putem ghici cum se va termina această poveste (vezi imaginea despre Întoarcerea fiului risipitor)

Portretul lui Nicholas Van Bumbeck. 1641.
Ulei pe pânză, 106x84. Muzeul Regal de Arte Frumoase, Bruxelles

Nicholas Van Bumbeck a fost el însuși un artist, dar, așa cum a spus cu tristețe unul dintre prietenii săi, moștenirea sa bogată i-a atenuat ambiția și, ca urmare, nu a reușit să se ridice la înălțimea așteptărilor. Cu toate acestea, Nicholas l-a patronat pe Rembrandt, a cumpărat „Disputa științifică” de la el și a plătit pentru că a pozat pentru portretul său. Van Bambeck și prietenul său, secretarul Consiliului de Stat Maurits Heygens, se pare că și-au comandat portretele de la Rembrandt la Haga. Prietenii au hotărât: dacă unul dintre ei moare, portretul său ar trebui să meargă la supraviețuitor, iar în 1641, după moartea lui Bambek, tabloul i-a revenit lui Hagens în testament. În portret, plin de bunătate și simpatie, de Geyn arată ca o persoană încrezătoare, mândră. Lumina difuză moale îi subliniază favorabil silueta și textura gulerului alb și a mânecilor rochiei. Totuși, un alt patron al lui Rembrandt, fratele lui Maurits, Constantine Hagens, a scris cel puțin opt versuri de poezie în care se plângea că portretul nu are nimic în comun cu originalul.

Frederick Richel călare, 1663.
Ulei pe pânză, 282x248. Galeria Națională din Londra

Femeie care face baie, 1654. Ulei pe lemn, 62x47.
National Gallery, Londra

O comparație apare inevitabil cu Bathsheba, care a fost scrisă în același timp și aproape sigur descrie același model - Hendrikje Stoffels. Asociațiile cu scăldat aduc chiar în minte „Susanna”, dar acest tip de conexiune poate însemna doar că Rembrandt a avut o pasiune pentru astfel de teme și a găsit în ele un pretext pentru exprimarea erotismului. Deși femeia înfățișată poate fi sau nu considerată o figură istorică biblică, cu siguranță nu este din clasa obișnuită, judecând după ținuta luxoasă întinsă pe mal. Se pare că aceasta este o lucrare de schiță. Este scrisă cu lovituri grăbite, superficiale, care se văd chiar și din imaginea picioarelor, dar, mai ales, cămașa. Cu toate acestea, Rembrandt trebuie să fi fost mândru de această lucrare, deoarece este semnată și datată.

Hendrikje Stoffels la fereastră, 1656.
Ulei pe pânză, 86x65. Muzeul Staatlich, Berlin

Un bătrân în pălărie de blană, 1630. Ulei pe lemn, 22x18.
Muzeul National Tirolez Ferdinandeum, Innsbruck

Portretul tânărului Saskia, 1633.
Stejar, ulei, 53x45. Galeria Națională Dresda

Citindu-l pe Titus, fiul artistului, 1657.
Ulei pe pânză, 71x64. Historic Kunstkamera, Viena

Titus, născut în 1641, este singurul dintre copiii lui Rembrandt și Saskia care nu a murit în copilărie. Aici nu are mai mult de cincisprezece ani; toate portretele lui Rembrandt ale fiului său, pline de dragoste duioasă, indică dispoziția prietenoasă și blândă a băiatului. Titus a jucat un rol important în viața artistului, fiind moștenitorul averii Saskia, pe care Rembrandt o controla doar temporar, și totodată avocatul tatălui său. În 1660, Titus și Hendrickje au creat o companie în care Rembrandt era listat. Acest lucru a fost făcut pentru a se asigura că câștigurile artistului nu au căzut în mâinile creditorilor. După moartea lui Hendrickje, Titus a continuat să gestioneze treburile tatălui său. În 1665, a devenit major și dacă, prin lege, a început să gestioneze banii lui Saskia, atunci el a fost fără îndoială sprijinul financiar al familiei. În februarie 1668, Titus s-a căsătorit, dar a murit șapte luni mai târziu, la vârsta de douăzeci și șase de ani.

Portretul lui Titus, fiul lui Rembrandt, 1657.
Ulei pe pânză, 69x57. Londra, colecția Wallos

Aristotel cu un bust al lui Homer, 1653.
Ulei pe pânză, 144x137. Muzeul Metropolitan de Artă, New York

Bărbat cu coif de aur, 1650.
Ulei pe pânză, 68x51. Muzeul Staatlich, Berlin

Nu există nimic de spus despre acest militar, totuși, poza a fost întotdeauna populară. Ceea ce explică parțial farmecul ei este contrastul dintre pieptarul lustruit al curasei, casca magnific lucrată (cu siguranță una ceremonială, nu una de luptă) și expresia întunecată de melancolie a feței ei. Acest contrast este comun în autoportretele lui Rembrandt; poate de aceea au început să creadă că fratele artistului este reprezentat aici. De fapt, multe autorități au refuzat să accepte paternitatea lui Rembrandt; îndoielile lor au fost confirmate de cercetări în cadrul Programului de cercetare Rembrandt, care a fost finanțat de guvernul olandez. „Bătrânul cu cască” este doar una dintre „victimele” Programului, care a atribuit multe lucrări studenților și adepților lui Rembrandt.

Sinuciderea Lucreției, 1666. Ulei pe pânză, 105x93.
Institutul de Artă, Minneapolis

Sinuciderea Lucreției este menționată în vechea legendă romană despre motivele căderii monarhiei și înființării republicii. Lucreția, dezonorată de fiul împăratului roman Tarquinius, îi spune soțului ei despre rușinea ei. Cere răzbunare și apoi se sinucide. Acest complot a fost adesea folosit de artiști și scriitori. La sfârșitul secolului al XVI-lea, înainte de a deveni celebru în teatru, Shakespeare a scris o poezie lungă, Aucretia Dishonored. Rembrandt a pictat două tablouri pe această temă. În cea timpurie (1664), Lucrezia ține un cuțit, pregătindu-se să moară. Aici ea și-a provocat deja o rană de moarte, așa cum se poate vedea din pata de sânge care se răspândește pe cămașa ei subțire. Ea se ține încă în picioare, pentru o clipă apucând, pentru sprijin, panglica clopoțelului - o descoperire utilă, permițându-i femeii să-și țină mâna într-o poziție ridicată pentru o lungă perioadă de timp, dar paloarea mortală a feței ei indică faptul că sfârșitul e aproape.

Portretul lui Hendrikje Stopells, 1659.
Ulei pe panza, 68x80. Galeria Națională din Londra

Profesor, 1631. Ulei pe pânză, 105x91.
Ermitage, Sankt Petersburg

Călăreț polonez, 1655.
Ulei pe pânză, 115x135. Colecția Frick, New York

Figura misterioasă și romantică a tânărului călăreț a generat mai multe controverse decât orice altă pictură a lui Rembrandt, a cărui calitate de autor disputată este doar una dintre incertitudinile din jurul lucrării. Pălăria și caftanul tuns cu blană par est-europene, dar poate că aceasta este doar o altă excursie în mascarada teatrală. Dacă da, atunci imaginea este legată de Polonia nu din cauza intrigii, ci poate doar pentru că a fost achiziționată ulterior de polonezi. Pe de altă parte, un fapt intrigant: în 1654, a fost publicată la Amsterdam un pamflet intitulat „Călărețul polonez” în apărarea sectei radicale Sociniene. Există multe dovezi că Rembrandt a simpatizat uneori cu sectarismul. Un alt mister: un cal reprezentat foarte neconvingător. Poate fi rezolvată prin atribuirea dreptului de autor a picturii unui student al lui Rembrandt, de exemplu William Drost. Așa a decis Comisia de Program, dar cercetările sale au atras critici și în 1993 Programul a încetat să funcționeze.

Lecția de anatomie a doctorului Nicholas Tulpe, 1632.
Ulei pe pânză, 170x217. Casa Maurits, Haga

Rembrandt a bazat acest tablou pe o prelegere pe care a susținut-o în ianuarie 1632 an doctor Nicolae Lalea. Deși artistul s-a mutat de curând la Amsterdam, a dovedit deja că este capabil să facă o muncă grozavă, a pictat câteva portrete magnifice, după care a fost însărcinat la „Lecția de anatomie”. Poate că rolul decisiv l-a jucat patronajul lui Hendrik van Uylenburch, la care Rembrandt a cazat. Eulenburch a vândut cu succes picturi înainte, patronând și creând un nume pentru tinerii artiști. Rembrandt a devenit ultimul său protejat. Școala olandeză era renumită pentru portretele de grup, iar acesta a fost conceput ca un cadou pentru doctorul Tulp, iar colegii săi sperau să apară în imagine în cea mai favorabilă lumină. Pictorul a făcut față cu brio acestei sarcini: a transmis individualitatea fiecăruia și a combinat compoziția: Tulpe ține o prelegere, iar ascultătorii privesc cu interes profesional cadavrul criminalului executat. Datorită Lecției de anatomie, Rembrandt și-a câștigat imediat faima.

Portretul lui Saskia într-o rochie magnifică, 1642.
Ulei pe pânză, 100x79. Kassel, Muzeul Staatlich

Autoportret de Rembrandt, 1661. Ulei pe pânză, 114x91.
Kenwood House, Londra, English Heritage

Rembrandt a făcut ca o regulă să picteze autoportrete, dar rareori s-a înfățișat la muncă. În esență, acesta este al doilea dintr-o serie de autoportrete în care apare cu șevalet, pensule și polizor, folosite de pictori ca suport de mână. Lumina din fundal este o tehnică neobișnuită necesară pentru ca privitorul să vadă liniile curbe de pe peretele din spatele subiectului portretului. Au fost propuse multe explicații pentru aceasta; În zilele noastre, o versiune populară este că aceste linii sunt o conexiune cu opera unor artiști legendari precum Apelles și Giotto, care și-au demonstrat abilitățile desenând o linie sau un cerc impecabil de corect. Dacă această explicație este corectă, autoportretul afirmă dreptul artistului de a fi considerat un adevărat maestru al timpului său.

Autoportret al artistului la șevalet, 1660.
Ulei pe pânză, 111x90. Luvru, Paris, Franța

Autoportret de Rembrandt, 1659. Ulei pe pânză, 85x66.
Galeria Națională de Artă, Washington, SUA

Autoportret de Rembrandt, 1669. Ulei pe pânză, 86x71.
National London Gallery, Marea Britanie

Ca și autoportretul din imaginea lui Zeukis, acesta a fost pictat în ultimul an al vieții sale. Adevărat, de data aceasta nu există nicio urmă de umor negru și nu există indicii deschise despre apropierea morții. În niciun alt autoportret, Rembrandt nu pare atât de blând supus sorții. Un artist în vârstă îmbrăcat într-o rochie simplă, strângând mâinile, se uită la noi, fără să ceară nimic, fără să se plângă de nimic. Dacă moartea lui Titus în septembrie 1668 i-a grăbit sfârșitul pare să nu se știe niciodată. În orice caz, treisprezece luni mai târziu, la 4 octombrie 1669, a murit la domiciliul său din Rosengracht și avea doar 63 de ani. Patru zile mai târziu a fost înmormântat în cimitirul din Amsterdam din Westerkerk. Mormântul lui Rembrandt s-a pierdut, dar lucrările sale vor trăi timp de secole.

Autoportret ca Zeuxis, 1665. Ulei pe pânză, 83x65.
Muzeul Walfraf Richhartz, Köln, Germania

Rembrandt s-a pictat pe sine din diferite unghiuri, sub tot felul de forme. Uneori se aprecia cu o privire sobră, observând semnele bătrâneții de pe fața lui albastră și flăcătoare, dar adesea îi plăcea să apară în diverse imagini: se îmbrăca în războinic în armură, apoi ca un rege impresionant sau ca Apostol Pavel. Caracteristicile ambelor stiluri sunt vizibile aici. Un bătrân fragil este înfățișat timpul și-a desfigurat fața aproape de nerecunoscut, mult mai mult decât în ​​autoportretul aceluiași an. Se pare că este la un pas de moarte. Dar nu uitați că acesta este și un portret al lui Zeuxis, un artist grec antic. El, după cum știți, a pictat o bătrână cu fața încrețită, iar imaginea ei l-a amuzat atât de tare încât a râs fără oprire până a murit. Elementul de legătură aici, desigur, este moartea, iar dacă acest autoportret este o glumă, atunci este plin de umor negru.

Autoportret, 1629. Ulei pe lemn, 16x13.
Pinakothek Alta, Munchen

Autoportret, 1659. Ulei pe pânză, 85x66.
Washington, Galeria Națională de Artă

Auto portret. 1658. Ulei pe pânză, 134x104.
Colecția Frick, New York

Autoportret într-o beretă de catifea, 1634.
Ulei pe pânză, 58x48. Muzeul Staatlich, Berlin. Germania

Până în 1634, Rembrandt pictase deja mai multe autoportrete și mai erau multe de creat. Niciun artist nu s-a studiat pe sine atât de iscoditor de-a lungul întregii sale vieți, reflectând la bătrânețe, experiența acumulată, succese și eșecuri. Aici accentul pare să fie pus pe succes. Îmbrăcat în catifea neagră și blănuri scumpe, tânărul artist la modă privește cu încredere la privitor. Cu toate acestea, aceasta nu este o sărbătoare a bogăției și a neprihănirii de sine. Privirea lui Rembrandt încearcă deja să înțeleagă misterul existenței. Artistul în vârstă de douăzeci și opt de ani este în mod clar aceeași persoană cu maestrul sfidător de cincizeci și cinci de ani, precum și cu bărbatul de șaizeci și trei de ani care a trecut prin dureri și greutăți și este la un pas de moartea (Autoportret în chipul lui Zeucis). Înrudirea spirituală a autoportretelor este deosebit de impresionantă dacă ne amintim că aici Rembrandt nu a atins încă culmea succesului și este pe cale să se căsătorească, fără să-și dea seama ce încercări îi rezervă în viitor.

Ce l-a făcut celebru pe Rembrandt Harmens van Rijn? Numele lui ar trebui să fie cunoscut de orice persoană educată. Acesta este un artist olandez talentat, gravor, maestru de neegalat al clarobscurului, unul dintre cei mai mari reprezentanți ai Epocii de Aur - o epocă remarcabilă a picturii olandeze, care a avut loc în secolul al XVII-lea. Articolul va spune despre viața și munca acestei persoane talentate.

Începutul drumului

Rembrandt van Rijn a venit pe această lume în iulie 1606. S-a născut în familia unui morar bogat. Era al nouălea copil, cel mai mic din familie. Părinții lui erau oameni luminați. Ei au observat devreme că băiatul era înzestrat în mod natural cu inteligență și talent și, în loc de muncă meșteșugărească, au decis să-l trimită „la știință”. Așa că Rembrandt a ajuns la o școală latină, unde a studiat scrisul, cititul și a studiat Biblia. La 14 ani, a absolvit cu succes școala și a devenit student la Universitatea din Leiden, care la acea vreme era renumită în toată Europa. Tânărul era cel mai bun la pictură, iar părinții săi au dat dovadă de înțelepciune și previziune. Și-au luat fiul de la universitate și l-au ucenic la artistul Jacob Isaac Svanenbuerch. Trei ani mai târziu, Rembrandt van Rijn a avut atât de mult succes în desen și pictură încât Peter Lastman însuși, care a condus școala de pictură din Amsterdam, a început să-și dezvolte talentul.

Influența autorităților

Lucrările timpurii ale lui Rembrandt van Rijn s-au format sub influența unor autorități precum maestrul olandez al picturii Pieter Lastman, artistul german Adam Elsheimer și artistul olandez Jan Lievens.

Varietatea, culoarea și atenția la detalii ale lui Lastman sunt clar vizibile în lucrări ale lui Rembrandt precum „Lapidarea Sfântului Ștefan”, „Botezul unui eunuc”, „Scena din istoria antica”, „David înaintea lui Saul”, „Alegoria muzicii”.

Jan Lievens este un prieten cu Rembrandt, a lucrat cu el cot la cot studio comun din 1626 până în 1631. Lucrările lor se suprapun în multe feluri, iar stilurile lor sunt atât de asemănătoare încât chiar și criticii de artă experimentați confundă adesea mâinile maeștrilor.

Eroul articolului nostru a fost ghidat de Adam Elsheimer, înțelegând importanța clarobscurului pentru transmiterea stării de spirit și a emoțiilor pe pânză. Influența pictorului german poate fi văzută în mod clar în lucrările „Pilda bogatului nebun”, „Hristos la Emaus”, „Simeon și Anna în templu”.

Manifestarea individualității. Succes

În 1630, Harmen van Rijn a murit, proprietatea sa a fost împărțită între frații mai mari ai lui Rembrandt. Tânărul artist a lucrat ceva timp în atelierul din casa tatălui său, dar în 1631 a plecat să-și caute avere la Amsterdam.

În capitala regatului, a organizat un atelier și a început să se specializeze în arta portretului. Utilizarea abil a luminii și a umbrei, expresiile faciale caracteristice, originalitatea fiecărui model - toate acestea au caracterizat formarea stilului special al artistului. Rembrandt van Rijn a început să primească comenzi masive și a obținut succes comercial.

În 1632 a primit o comandă pentru un portret de grup. Drept urmare, creația „Lecția de anatomie a Dr. Tulp” a văzut lumina zilei. Lucrarea genială, pentru care Rembrandt a primit un onorariu mare, nu numai că l-a glorificat, dar a confirmat în cele din urmă maturitatea creativă a artistului.

Muză

În timpul unei vizite sociale, tânăra artistă la modă este prezentată fiicei primarului orașului, Saskia. Nu erau atât caracteristicile exterioare ale fetei (nu era considerată o frumusețe, deși era drăguță și veselă), ci mai degrabă zestrea ei substanțială care l-a atras pe Rembrandt și, la șase luni după ce s-au cunoscut, tinerii s-au logodit și la un an. mai târziu s-au căsătorit legal. Căsătoria a permis eroului articolului nostru să intre în cele mai înalte cercuri ale societății.

Proaspeții căsătoriți trăiau bine. Rembrandt van Rijn a pictat multe portrete ale soției sale, inclusiv ea pozând pentru el când a creat capodopera „Danae”. Veniturile lui la acea vreme erau colosale. A cumpărat un conac în cea mai prestigioasă zonă a Amsterdamului, l-a mobilat cu mobilier de lux și a creat o colecție impresionantă de opere de artă.

Căsnicia a produs patru copii, dar numai fiul cel mic, Titus, născut în 1641, a supraviețuit. În 1642, Saskia a murit de boală. Ea, se pare, a luat cu ea norocul maestrului.

Glorie care se stinge. Necazurile vieții

Din 1642, artistul a fost bântuit de soarta diabolică. Rembrandt van Rijn atinge apogeul talentului său. Pânzele sale, însă, devin din ce în ce mai puțin populare și pierde treptat clienți și studenți. Biografii explică parțial acest lucru prin voința maestrului: el refuză categoric să urmeze exemplul clienților săi și creează așa cum îi spune inima lui. Cel de-al doilea motiv pentru faima stinsă a marelui pictor este, în mod ciudat, priceperea și virtuozitatea sa, pe care oamenii obișnuiți nu le puteau înțelege și aprecia.

Viața lui Rembrandt se schimbă: treptat devine sărac, se mută dintr-un conac luxos într-o casă modestă la marginea orașului. Dar continuă să cheltuiască sume uriașe pe opere de artă, ceea ce duce la falimentul său complet. Fiul mare Titus și Hendrikje, amanta lui Rembrandt, de la care a avut o fiică, Cornelia, își iau afacerile financiare în propriile mâini.

„Compania căpitanului Frans Baning Kok” - o pânză de 4 metri, cea mai mare pictură a maestrului, „Femeia care face baie”, „Flora”, „Titus într-o beretă roșie”, „Adorarea păstorilor” - acestea sunt lucrările maestrul, pictat de el într-o perioadă dificilă a vieții sale.

Creații ulterioare

În ultimii ani ai vieții sale, Rembrandt van Rijn, a cărui biografie este prezentată în articol, a atins culmile creativității sale. El a fost cu două secole înaintea contemporanilor săi și a prezis liniile de dezvoltare ale artei secolului al XIX-lea în era realismului și impresionismului. Trăsătură distinctivă Lucrările sale ulterioare sunt caracterizate de monumentalism, compoziții la scară largă și claritate a imaginilor. Picturile „Aristotel cu bustul lui Homer” și „Conspirația lui Julius Civilis” sunt deosebit de caracteristice în acest sens. Pânzele „Întoarcerea fiului risipitor”, „Artaxerxes, Haman și Esther” și „Mireasa evreiască” sunt impregnate de o dramă profundă. Maestrul a pictat multe autoportrete în ultimii ani ai vieții sale.

Rembrandt van Rijn, ale cărui picturi sunt adevărate capodopere ale artei, a murit în sărăcie în 1969. A fost înmormântat în liniște în biserica Westerkerk din Amsterdam. A fost apreciat doar câteva secole mai târziu.

Rembrandt Harmens van Rijn: picturi ale unui geniu

În timpul scurtei sale călătorii pe Pământ, Rembrandt a pictat aproximativ 600 de picturi, a creat aproximativ 300 de gravuri (gravuri pe metal) și aproape 1.500 de desene. Cele mai multe dintre lucrările sale sunt păstrate la Rijksmuseum - Muzeul de Artă din Amsterdam. Cele mai cunoscute tablouri ale sale:

• „Lecția de anatomie” (1632).
• „Autoportret cu Saskia” (1635).
• „Danae” (1636).
• „Vizorul de noapte” (1642).
• „Întoarcerea fiului risipitor (166(7?)).

Rembrandt este unul dintre cei mai mari artiști din istorie. Nimeni nu a reușit încă să-și reproducă stilul caracteristic. Fiul de morar înzestrat și talentat a lăsat în urmă o moștenire neprețuită - capodopere ale artei mondiale.

Rembrandt Harmens van Rijn

„Arta, ca și viața, este dincolo de îndemâna celor slabi.”

A. A. Blok

O trăsătură caracteristică a începutului secolului al XVII-lea în Olanda este sentimentul de libertate. Da, mulți oameni au avut dificultăți de curând și își amintesc încă de incendiile, ciuma, foametea și inundațiile pe care le-au experimentat în copilărie, care s-au soldat cu mii de vieți. Dar lupta împotriva dominației spaniole a fost încheiată cu succes, iar economia distrusă este rapid restabilită. Olanda devine din nou o mare putere comercială și colonială, una dintre cele mai bogate țări din lume. Religia dominantă, calvinismul, încurajează inițiativa personală și dorința de succes. Victoria în războiul cu Spania a deschis rute maritime către cele mai îndepărtate colțuri ale globului. Din când în când ei raportează descoperiri în geografie, apoi în astronomie, apoi în fizică. Creșterea economică rapidă este însoțită de dezvoltarea intensivă a științelor naturale. În țară se dezvoltă artele și în primul rând pictura. Negustorii și bancherii bogați vor să se perpetueze într-o aură de glorie și splendoarea bogăției. Un tablou este considerat cel mai bun decor pentru o casă, iar pictura este considerată o afacere prestigioasă și profitabilă.

În acest moment, la 15 iulie 1606, la Leiden, un oraș care în urmă cu treizeci de ani s-a glorificat pentru lupta sa eroică împotriva asupritorilor spanioli, s-a născut Rembrandt van Rijn, care douăzeci de ani mai târziu a devenit un desenator și gravor uimitor, unul dintre cei mai mari maeștri ai artei vest-europene. Leiden a fost multă vreme un centru de înaltă cultură spirituală, iar după război aici a apărut o universitate, drept de fondare pe care orașul l-a primit drept răsplată pentru eroismul său. Caracteristic este faptul că lui Leiden i sa oferit posibilitatea de a alege scutirea de taxe și înființarea propriei universități. Oamenii din Leiden l-au ales pe al doilea.

Harmen Gerrits van Rijn a fost un morar bogat. Prefixul „dubă” din numele său, din păcate, nu este un semn de noblețe - trebuia doar să fie cumva diferit de ceilalți Gerrit, din moment ce erau suficiente mori în zonă. Mama lui Rembrandt Cornelia (Neltje) făcea treburile casnice. Ei locuiau în casa frumoasa făcută din piatră tăiată vizavi de moara sa, faimoasă dincolo de granițele Leidenului. Familia era considerată mare chiar și în acel moment - la masa lungă, pe lângă Harmen însuși și domnișoara lui, stăteau nu mai puțin de nouă dintre urmașii lor. Locul de pe margine i-a revenit, de obicei, celui mai mic dintre fii - mereu chinuit Rembrandt...

Rembrandt a fost al optulea copil din familie. Până la vârsta adultă, patru au rămas în viață. Fratele mai mare, Gerrit, s-a împiedicat odată pe scări în timp ce căra saci și, rupându-și ambele tibie, a rămas infirm pentru totdeauna. Fratele Adrian s-a căsătorit cu dulcea lui vecină Anyette, a studiat meșteșugul cu un cizmar timp de doi ani și acum avea propriul atelier. Mai era și o fiică mai mică, Lisbeth, muncitoare, sănătoasă, nu prea frumoasă, cu un caracter încăpățânat și cu o limbă ascuțită. Harman ar dori să-i educe pe toți copiii, dar erau suficienți bani pentru unul singur. Și din moment ce cel mic avea o poftă deosebită de desenat încă din copilărie, părinții lui nu l-au destinat singur să devină meșter, ci au decis să-i dea cea mai bună educație pentru acele vremuri.

La început, Rembrandt a intrat în școala latină, unde a studiat cititul și scrisul în latină și olandeză, a studiat Biblia, iar la absolvire, la vârsta de paisprezece ani, a intrat în celebra Universitate Leiden din toată Europa. Nu se știe dacă tatăl a regretat că nu a trimis pe altcineva la studii, dar dorința tânărului de artă era atât de mare încât, după ce a studiat la universitate doar câteva luni, a renunțat. Tânărul era interesat de pictură și doar de pictură. Adevărat, familiaritatea cu elementele de bază ale educației umanitare s-a dovedit a fi utilă pentru viitorul artist - cunoștințele sale despre autori antici, mitologie, istorie și cultură s-au simțit întotdeauna în opera sa.

Primul profesor al lui Rembrandt a fost Jacob Swanenburch, un pictor din Leiden care provenea dintr-o familie de patricieni (era fiul unui burgmaster) și ani lungi petrecut în Italia. Nu a fost un artist remarcabil și, probabil, acesta este motivul pentru care nu a avut nicio influență semnificativă asupra operei lui Rembrandt. Dar de la el tânărul a dobândit abilitățile de bază ale măiestriei. După ce a studiat cei 3 ani necesari, începând cu șlefuirea ramelor, grunduirea pânzelor și frecarea vopselelor, Rembrandt a avut atât de mult succes în desen și pictură încât tatăl său a decis să aloce bani din bugetul familiei pentru ca fiul său cel mic să poată merge la Amsterdam și să devină un elev al unui artist celebru.

Rembrandt a mers la Amsterdam, unde a petrecut șase luni în atelierul lui Pieter Lastman, celebrul artist, șef al școlii de pictură „istorice” din Amsterdam. Nu trebuie să credem că pictura „istoric” înseamnă reprezentarea unei bătălii, a unor negocieri sau a unor figuri istorice. Acesta a fost și numele pentru picturile pe teme mitologice și literare. Studierea cu Lastman i-a oferit cu siguranță mult lui Rembrandt. Influența profesorului și-a pus amprenta asupra tehnicilor compoziționale și a colorării picturilor, a costumelor personajelor și a naturii interpretării formelor individuale. Pieter Lastman a fost un reprezentant al celei mai vechi generații de pictori olandezi. Picturile sale istorice, în ciuda măiestriei execuției lor și a detaliilor realiste individuale, s-au remarcat prin retorica lor exagerată și teatrală, chiar și atunci când conțineau indicii (deși foarte slabe) ale evenimentelor contemporane ale artistului. Modernitatea nu a fost unul dintre subiectele demne de reprezentat pe pânză, din punctul de vedere al lui Lastman. Cel puțin, ar putea fi sugerat în formă alegorică. Pe lângă imaginile pline de sânge, profund individuale ale contemporanilor săi, create de Frans Hals și de alți artiști realiști ai secolului al XVII-lea viitor, eroii lui Lastman păreau palizi și aproape lipsiți de trăsături individuale de caracter.

Rembrandt și-a dat seama că pictura istorică din Olanda nu ar trebui să zăbovească în stadiul ultimului om, când alte genuri (portret și pictura de zi cu zi) și-au pus deja sarcina de a înfățișa personaje individuale și sentimente umane specifice. Prin urmare, rămânând în cadrul subiectelor biblice și mitologice tradiționale, el însuși a încercat să stăpânească arta de a transmite acțiuni și sentimente umane reale, îmbogățind astfel pictura olandeză.

Cele șase luni în care tânărul artist a reușit să stăpânească temele și stilul lui Lastman s-au dovedit a fi decisive pentru el. Când Rembrandt a simțit că nu mai poate învăța nimic de la profesorul său, că doar pierde timpul, a părăsit Lastman, deși uneori și-a copiat lucrările (de exemplu, „Susanna și bătrânii”).

La întoarcerea în orașul natal, Rembrandt și-a deschis propriul atelier - într-un hambar spațios, gol și rece pe o pășune - și s-a dedicat cu entuziasm muncă independentă. Primii ani de activitate au fost o perioadă de acumulare a experienței și de testare a puterii sale. A obținut succesul pentru o perioadă lungă de timp. Fără să aibă încă comenzi, Rembrandt și-a pictat tatăl, mama, frații, sora și alți prieteni apropiați, făcându-i eroii picturilor pe teme istorice și biblice. Numeroasele sale autoportrete sunt, de asemenea, cunoscute pe scară largă. Trebuie spus că portretele perioadei timpurii sunt rareori opere de artă complete. În cea mai mare parte, ele sunt de natura schițelor în care artistul studiază în mod persistent chipul uman, structura ei, expresiile faciale care transmit diverse emoții și stări mentale. Cu toate acestea, aceste portrete vorbesc deja despre o îndemânare sporită în a transmite în mod realist natura. Pictura pentru un artist este o necesitate de zi cu zi. Încearcă să lase în caietul său tot ceea ce vede Rembrandt în jurul său - peisaje, cei dragi, pisici, câini, ustensile de uz casnic realizează numeroase schițe și gravuri și, în același timp, creează compoziții complete; Un exemplu de astfel de lucrări este pictura „Iuda returnează bucățile de argint”, datată 1629, pictată pe un complot de Evanghelie. Iuda, chinuit de pocăință, le restituie bătrânilor evrei cele 30 de arginți pe care le-a primit pentru că și-a trădat profesorul. Adevărat, școala lui Lastman s-a făcut simțită, iar căutarea celei mai mari capacități de persuasiune în transmiterea evenimentului a dus la o exprimare excesivă și sporită. Această impresie este creată de oameni strâns înghesuit, de valurile brațelor lor și de fețele distorsionate. Severitatea caracterizării este și ea exagerată, ajungând la caricatură. Dar în spatele tuturor acestor lucruri se poate simți dorința artistului de a arăta relații umane reale și oameni vii, specifici din povestea Evangheliei. Acest tablou a devenit faimos devreme, așa cum a fost văzut și mai târziu descris cu entuziasm de Constantin Heygens, secretarul statului olandez prințul Frederick Heinrich și tatăl celebrului fizician Christian Heygens (Huygens), care a vizitat studioul lui Rembrandt din Leiden. În cele din urmă au fost remarcate și apreciate și alte lucrări ale artistului. Rembrandt a avut primii săi clienți. Contemporanii l-au lăudat: „Pictura lui depășește ceea ce a fost făcut de antichitate și Italia. Tânărul, fiu de morar, i-a întrecut pe Protogene, Apollonius și Parrhasius”.

Rembrandt a fost sfătuit să viziteze Italia, leagănul Renașterii, patria marilor maeștri. Însă artistul credea că în Olanda există o mulțime de picturi ale maeștrilor italieni, călătoria acolo era foarte periculoasă și nu avea rost să ne uităm înapoi la maeștrii străini din țările calde care nu înțelegeau absolut nimic despre Olanda. Până la sfârșitul vieții, Rembrandt nu a părăsit granițele țării sale. Determinarea curios a artistului a fost evidentă în lucrările sale timpurii de portrete. Portretul l-a atras încă din primii ani de activitate. Acest lucru a arătat individualitatea sa creativă - este puțin probabil ca Rembrandt să fi învățat de la Lastman dorința și capacitatea de a picta portrete, deoarece nu le-a acordat deloc atenție.

Primele lucrări ale artistului în domeniul graficii tipărite datează și ele din perioada Leiden. Unde și cum a studiat Rembrandt arta gravurii nu se știe cu exactitate. Dar deja multe dintre gravurile sale timpurii se disting prin acuratețea lor în caracterizarea subiectului și prin înțelegerea picturală a desenului. Printre lucrările timpurii ale lui Rembrandt, gravurile care înfățișează diverși cerșetori și schilodi merită o atenție specială. Reprezentarea vagabonilor și a infirmilor a fost un gen comun în arta europeană a secolului al XVII-lea, o perioadă de războaie continue și de sărăcire a oamenilor. Un burghez care a cumpărat o gravură înfățișând un ragamuffin înnobilat cu o față pastorală fericită părea să se alăture vieții oamenilor, fără să se înfrângă în vreun fel. Dar, spre deosebire de mulți dintre artiștii contemporani ai lui Rembrandt (de exemplu, Callot), el a pictat vagabonzi în mod sobru, realist, fără grotescism deliberat. Lucrările lui Rembrandt au atras din ce în ce mai multă atenție, a avut elevi: Jan Lievens (aproape tovarăș), Gerard Dau (venit la 15 ani în 1628), Isaac de Jauderville, Jacques de Rousseau, Jacob Van Spreyven, Joris Van Fleet.

Perioada timpurie a operei artistului ar trebui luată în considerare în primul rând în lumina influenței artei italiene asupra picturii olandeze. Deși lui Rembrant nu îi plăceau artiștii italieni, aceștia au avut totuși o influență semnificativă asupra picturii olandeze, deoarece fiecare pictor olandez considera Roma și Veneția un fel de Mecca pentru artist. Influența operei lui Caravaggio a fost deosebit de puternică, al cărei naturalism îndrăzneț și modelarea contrastantă a luminii și umbrelor păreau a fi o provocare pentru arta clasică. Artiști precum Gerard Terbruggen și profesorul lui Rembrandt Pieter Lastman au lucrat în stilul lui Caravaggio, introducând treptat caravagismul în arsenalul mijloacelor artistice ale picturii olandeze. Picturile lui Rembrandt din perioada Leiden (1625–1631) aparțin și ele acestei mișcări. Picturile „The Money Changer” (1627, Berlin) și „The Scholar in His Study” (1629, Londra) au arătat interesul tânărului maestru pentru transmiterea efectelor de lumină. Prima dintre ele înfățișează un bătrân cu ochelari la serviciu, într-un colț presărat cu cărți de contabilitate. Fața lui încrețită este luminată de lumina slabă a unei singure lumânări, pe care o acoperă cu mâna. În al doilea tablou, Rembrandt a căutat să transmită atmosfera unui interior aerisit. Subiectul principal al imaginii este încăperea în sine, cu un tavan înalt, plin de lumină moale, fluturând.

De-a lungul întregii sale cariere creative, artistul s-a orientat continuu către subiecte în care drama vieții profunde este combinată cu elemente de psihologism subtil. În pictura „Cina la Emaus” (1630, Paris), trăsăturile picturii lui Rembrandt din această perioadă sunt clar vizibile. Artista a prezentat acest episod ca o punere în scenă teatrală. Silueta lui Hristos iese în evidență pe fundalul luminii orbitoare, cu partea principală a pânzei scufundată în umbră.

În acest moment, Rembrandt s-a apucat serios de desen. Câțiva dintre studenții săi l-au ajutat să facă gravuri. Fiecare desen de Rembrandt este un studiu al naturii fenomenelor și o încercare de a surprinde caracterul unui moment sau al unui obiect. Când un artist făcea schițe din lucrările vechilor maeștri, nu crea copii, ci variații pe aceeași temă, rezolvând în același timp propriile probleme artistice. În anii 1630 și 1640, el a pictat combinând linii de grosimi diferite cu cele mai fine spălări. Uneori, desenele lui par niște schițe rapide, unde linia nervoasă rămâne cu greu continuă nicăieri. În secolul al XVII-lea, un desen a servit de obicei ca o schiță preliminară pentru dezvoltarea unei compoziții mari, o schiță a detaliilor individuale ale unei viitoare picturi sau a fost aplicat pe carton și apoi transferat pe suprafața destinată picturii. Foarte rar un desen a fost gândit ca o operă de artă completă; Adesea, desenele erau aruncate după finalizarea proiectului.

Rembrandt a fost primul care a realizat posibilitățile bogate de gravare în comparație cu gravura pe metal. Această gravură este creată prin zgârierea unui design pe o placă de metal; apoi placa este acoperită cu vopsea, umplând adânciturile lăsate de tăietor, iar din aceasta se fac amprente pe hârtie folosind o presă. Dispozitivul de tăiere necesită presiune fermă și îngrijire deosebită. Lucrul la gravură, dimpotrivă, nu necesită multă forță fizică, iar liniile sunt mai libere și mai flexibile. În loc să zgârie metalul cu o daltă, artistul acoperă placa cu un lac rezistent la acid și trage pe ea cu un ac, apoi scufundă placa în acid și metalul este gravat în zonele fără lac. Gravura îi oferă artistului mult mai multă libertate și poate desena cu un ac ca și cum ar folosi un pix pe hârtie. În gravurile lui Rembrandt liniile sunt la fel de libere și fluide ca în schițele cu stilou. Pentru a obține noi efecte expresive, el a combinat adesea tehnici diferite: uneori trecea un tăietor peste o placă deja gravată cu acid, alteori grava cu un „punct uscat” - un instrument cu un diamant la capăt, care lasă caneluri cu crestături pe metalul, oferind imprimeului o notă moale și catifelată. De exemplu, în „Foaia cu o sută de florin”, artistul a folosit toate aceste tehnici (lucrarea pe această placă a durat câțiva ani).

„Veștile bune pentru păstori” de Liszt (1634) este un adevărat spectacol de teatru baroc. Desenul este realizat cu linii intersectate dens plasate care creează contraste de tonuri deschise și întunecate. Cinci ani mai târziu, în „Adormirea Maicii Domnului”, dominația zonelor întunecate dens umbrite a fost înlocuită cu o predominanță a zonelor luminoase și a umbririi subțiri paralele. În gravura „Trei copaci” (1643), contrastul dintre fragmentele de imagine dens umbrite și hârtie albă este dus la extrem; liniile paralele înclinate pe cer transmit perfect senzația unei furtuni de vară. Cea mai dramatică dintre gravurile artistului este foaia „Trei cruci” (1650).

Lucrările lui Rembrandt, atât picturale, cât și grafice, au câștigat treptat faima nu numai în orașul său natal, ci și dincolo de granițele acestuia. Contemporanii au recunoscut în unanimitate talentul artistului. A început chiar să câștige niște bani. Acum, simțindu-se pregătit pentru o viață independentă și pentru crearea unor picturi semnificative, Rembrandt și-a dat seama că era timpul să părăsească Leiden. Perioada pregătitoare a creativității s-a încheiat. Artistul avea abilitățile necesare în domeniul portretului și o oarecare experiență în realizarea compozițiilor istorice. În această perioadă, direcția pur realistă a căutărilor sale creative era deja determinată - un interes profund pentru viața descrisă. I-au prezis un viitor strălucit.

Dar la 23 aprilie 1630, după o lungă boală, tatăl artistului a murit. Moara și ferma lui au fost moștenite de frații lui Rembrandt. De ceva vreme, pentru a nu pierde clienți, și odată cu ei și veniturile familiei, Rembrandt, împreună cu Adrian, au fost nevoiți să ducă saci cu făină, să doteze cărucioare și să curețe pietrele de moară. În cele din urmă, la consiliul de familie s-a hotărât că, deoarece fiul cel mare Gerrit nu a putut să-și asume greutățile muncii la moară, al doilea frate al lui Rembrandt, Adrian Harmens van Rijn, în vârstă de 33 de ani, să-și vândă atelierul de cizmar pentru a deveni un morar.

Ei bine, Rembrandt nu avea de gând să sacrifice pictura, iar în 1631, visând la faimă și prosperitate, a plecat la Amsterdam. Sora lui mai mică, Lisbeth, a plecat cu el, convingându-l pe Rembrandt să-i permită să-și conducă casa. Ea este gata să curețe casa, să țină evidența cheltuielilor și să gătească mâncare pentru studenți.

Astfel, în 1631, a început o nouă etapă în viața lui Rembrandt. S-a stabilit la Amsterdam, care în această perioadă a fost cel mai mare centru economic, politic și cultural al Olandei, centrul rutelor comerciale și centrul comercial al întregii lumi, locul de activitate al celor mai cunoscuți oameni de știință, artiști și poeți olandezi. Pentru Rembrandt se deschideau noi orizonturi. A început o nouă perioadă în munca artistului. În următorul deceniu, au fost create lucrări care au fost impregnate de dramă și, în același timp, nu lipsite de senzualitate materială, parțial asemănătoare în spirit cu operele flamandului Peter Paul Rubens (care era încă în viață).

În timpul primei sale șederi în capitală, Rembrandt a lucrat în principal la portrete comandate. El a completat cel mai mare număr tocmai în perioada 1630 până la începutul anilor 1640. Succesul artistului a coincis cu înflorirea generală, fără precedent, a portretului în Olanda. Nu este o coincidență că Franz Hals, care a lucrat în acest gen timp de mai bine de 50 de ani, a creat aproximativ jumătate din lucrările sale în acest moment.

Reprezentanții din toate categoriile sociale, deținând măcar o oarecare bogăție, se grăbeau să se surprindă în portrete. Mulțumiți de ei înșiși, mândri de prosperitatea țării lor și de poziția lor independentă, au vrut să se vadă înfățișați fără înfrumusețare, dar plini de demnitate, în costume de sărbătoare, cu atributele profesiei și statutului lor social. În această perioadă de linii directoare strict realiste în arta olandeză, principala cerință a clientului a fost să obțină asemănarea externă. În plus, în Olanda din secolul al XVII-lea, portretele de grup au primit o dezvoltare extraordinară ca varietate independentă a genului portretului. Apariția sa datează din secolul precedent, din perioada în care burghezii în curs de dezvoltare și-au dat seama de comunitatea intereselor lor de clasă. Clienții pentru portretele de grup au fost reprezentanți ai diferitelor corporații ale orașului (tragători de oraș, membri ai breslelor etc.). Prezența tradițiilor dezvoltate i-a permis lui Frans Hals să creeze lucrări minunate în acest domeniu.

Tânărul Rembrandt era hotărât și ambițios. Acest lucru a fost evident chiar și în modul schimbat de a semna picturile. În locul fostului „RHL von Rijn” („Rembrandt din Leiden, fiul lui Harmen van Rijn”), el a început să scrie simplu „Rembrandt” - în maniera italienilor Titian, Rafael, Michelangelo, pe care întreaga lume îi cunoștea doar dupa nume.

Și în 1632, Rembrandt a primit un ordin care i-a schimbat întreaga viață viitoare - un portret de grup pentru breasla chirurgilor din Amsterdam, „Anatomia doctorului Tulp” (păstrat la Haga). Pictura trebuia să fie agățată în sala de ședințe, iar artistului i s-a promis că va fi bine plătit pentru lucrare. Doctorul Tulp, care l-a cunoscut pe tânărul artist încă din timpul studiilor sale cu Lastman și chiar atunci i-a profețit un viitor strălucit, a devenit acum prietenul său apropiat. Există o presupunere că primirea acestei comenzi mari a fost motivul imediat pentru mutarea lui Rembrandt în capitală în acest moment special.

„Lecția de anatomie a doctorului Tulp” a fost prima experiență a artistului în acest gen. Înainte de Rembrandt, pictorii olandezi, chiar și în cele mai bune exemple ale lor de portrete de grup, nu au mers dincolo de caracterizare. semne externe comunitatea corporativă de oameni. Rembrandt, prin plasarea pe pânză a unui grup de ascultători, urmând explicațiile profesorului cu o atenție intensă, a căutat să dezvăluie legăturile interne mai profunde ale camarazilor săi din corporație, să arate interesele spirituale comune ale membrilor săi și să urmărească relațiile lor personale. unul cu altul. Stăpânirea compoziției, echilibrarea momentelor de mișcare și odihnă, conferă grupului integritatea necesară. Imaginea unei persoane angajate în activitatea sa preferată (acesta, apropo, este un tip pur olandez de portret de grup, foarte comun în acei ani), a necesitat involuntar includerea de elemente ale unei imagini cotidiene - caracteristici ale mediului, imagini de obiecte ce ţin de profesia celui care este portretizat etc. Departe de asta Toţi artiştii, în asemenea condiţii, au reuşit să menţină predominanţa imaginii portretului asupra imaginii cotidiene, ceea ce era necesar în cadrul genului. Rembrandt a rezolvat această problemă complexă construind-o pe contrastul reacțiilor variate ale studenților și calmul figurii centrale a unui om de știință medical care vorbește despre structura corpului uman. Această cifră este copiată de la însuși Nicholas Pieters Tulp, un om de știință-medic, decan al Breslei Medicilor din Amsterdam între 1628 și 1653 (începând din 1654, a fost ales de patru ori burgomastru al Amsterdamului). Matthias Everts Kolkun stă lângă Tulp. Fiul său Gisbert ține craniul.

Când a început pictura, Rembrandt nu știa încă că va fi începutul carierei sale amețitoare. Chiar a doua zi după ceremonia oficială a spectacolului, Rembrandt a înțeles ce înseamnă să fii faimos. A fost literalmente bombardat cu scrisori de felicitare, invitații și comenzi. Ei au spus despre pictură că nu era inferioară ca forță față de cele mai bune creații ale lui Frans Hals și chiar le-a depășit în profunzime și noblețe. Cunoscătorii au comentat despre modul în care figurile au fost grupate cu experiență și despre utilizarea uimitoare a luminii. Amatorii au admirat „asemănarea vie a portretelor”. Succesul filmului a contribuit foarte mult la popularitatea autorului său. Rembrandt a devenit un artist la modă. Studenții s-au adunat la el din toate părțile și au fost primite numeroase comenzi. Primul care a venit în studioul lui Rembrandt din Amsterdam a fost Jacob Bakker, apoi Howard Flinck și Ferdinand Bol, unul dintre cei mai cunoscuți studenți ai artistului la sfârșitul anilor 30. Pictorul german Jurian Ovens a devenit și el elev al lui Rembrandt (a murit în 1642), iar Jan Fleet, un gravor olandez, a realizat gravuri din lucrările lui Rembrandt, în atelierul căruia a lucrat.

Rămâi în Amsterdam centru cultural semnificație mondială, i-a permis lui Rembrandt să-și completeze educația artistică și să-și cultive gustul. Artistul s-a familiarizat mai mult cu opera contemporanilor săi și a studiat cu deosebită atenție arta Italiei. La acea vreme, adepții olandezi ai lui Caravaggio erau cei mai apropiați de el. Lucrările acestor maeștri, precum picturile lui Rembrandt, sunt caracterizate de căutarea clarobscurului expresiv. Iubitor pasionat de opere de artă, Rembrandt a adunat în casa lui colecții extinse de picturi și grafică, sculptură antică, țesături prețioase și arme artistice. Vedem adesea imagini ale acestor lucruri în picturile și gravurile sale. Casa devine puțin aglomerată. Sora trebuie să păstreze ordinea în camere pline de rarități și rarități. Putem obține o imagine destul de completă a colecției lui Rembrandt - un inventar complet al proprietății sale, realizat în 1656 în legătură cu falimentul, a ajuns la noi. Printre alte nume de artiști ale căror picturi și gravuri se aflau în colecția Rembrandt, îi întâlnim pe Raphael și Carracci, Dürer și Cranach, Bruegel din Muzhitsky și Luke din Leiden, Rubens și Van Dyck, Hercules Seghers și Adrian Brouwer. Există, de asemenea, lucrări ale profesorului lui Rembrandt, Lastman, și ale studenților și colegilor săi - Lievens, Bol, Joris Van Fleet.

În anii 1630, faima lui Rembrandt a atins apogeul, el era fericit în viața personală și bogat. Artistul a dus o viață socială activă, a primit acasă cei mai de seamă oameni din Amsterdam și a făcut el însuși vizite de bunăvoie. În timpul uneia dintre ele, artistul la modă a fost prezentat fiicei primăriei orașului Leiwarden, Rombartus van Uylenburch, Saskia. Nedistinsă prin frumusețea clasică, dulce, fermecătoare și veselă, cu părul pufos și roșcat și un râs strălucitor, Saskia a cucerit instantaneu inima lui Rembrandt. Celebra artistă, puternică, cu oase mari, asemănătoare unui urs, cu părul veșnic încurcat, încâlcit și cu fața ușor ciugulită, nu s-a hotărât imediat să o solicite în căsătorie. Și tânărul aristocrat, după ce a așteptat acest lucru, și-a dat acordul fără ezitare.

Saskia a rămas orfană la o vârstă fragedă și s-a mutat din provincie la Amsterdam, unde a locuit cu tutorele ei, pastorul Jan Cornelius Silvius. Era o moștenitoare bogată - părinții ei i-au lăsat o zestre foarte substanțială de 40 de mii de florini. În iunie 1633, Rembrandt și Saskia s-au logodit, iar un an mai târziu s-au căsătorit legal. Înainte de nuntă, ei au întocmit un contract de căsătorie, conform căruia Rembrandt, după moartea soției sale, ar fi lipsit de veniturile din averea ei în cazul unei recăsătoriri. Se pare că, în ciuda urâțeniei general acceptate și a „reducerii” artistei, Saskia era geloasă pe el chiar și față de acele femei care puteau apărea după moartea ei. Rembrandt a fost îndrăgostit într-o asemenea măsură, încât a semnat contractul fără ezitare. În plus, era în apogeul faimei, ordinele îi curgeau ca un râu și nu era îngrijorat de veniturile ipotetice din moșie după moartea cuiva în moartea căruia nu credea!

Căsătoria cu un aristocrat l-a adus pe Rembrandt în cele mai înalte cercuri ale burgherilor din Amsterdam, iar acum nimeni nu-l spunea „fiul morarului”. Adevărat, soția nu știa deloc să conducă o gospodărie, dar adora hainele și bijuteriile scumpe. Rembrandt i-a împlinit fiecare capriciu. Sora lui necăsătorită, Lisbeth, conducea gospodăria deocamdată, dar deja vorbea despre volumul crescut de muncă și că voia să se întoarcă la Leiden. Părea că pur și simplu nu-i plăcea nora ei.

Deoarece Saskia van Uylenburch a fost o moștenitoare bogată, iar Rembrandt a câștigat bani destul de buni, la început tânărul cuplu nu a întâmpinat dificultăți financiare. Artistul a dezvoltat chiar și o pasiune pentru colecția de bijuterii. Cu toate acestea, a fost un finanțator prost. Stăpânul nu s-a gândit unde și în ce cantitate i-au venit banii și, cu atât mai mult, pe ce s-au cheltuit... Până la urmă, sunt bani, de ce să nu-i cheltuiască. Rembrandt a fost interesat primul și ultimul de pictura sa și de soția sa.

Și pentru că Rembrandt îi iubea mult pe amândoi, el a descris-o neobosit pe Saskia în picturi, desene și gravuri. O vedem în costumul obișnuit al unui burghez olandez decor și în haine fantastice care o transformă într-o eroină a mitologiei antice sau biblice. Așa apare ea în tabloul „Flora” al Ermitului. Tema Florei, zeița florilor, i-a oferit artistului ocazia de a crea un spectacol frumos, extraordinar. În tehnicile de redare a pliurilor și modelelor de țesături exotice și petale de plante, se poate simți încă legătura cu stilul ornamental-grafic al lui Lastman. Dar cât de materială și grea arată țesătura lui Rembrandt, cât de vii și suculente par florile! Contururile siluetei Saskiei se amestecă ușor cu fundalul întunecat. Culoarea picturii, deși rămâne în paleta de culori reci, este adusă într-o armonie subtilă de tonuri de verde-gri și verde-aurie.

Intoxicat de succesul si fericirea lui, tanarul artist pare sa strige despre ei cu toata vocea in „Autoportret cu Saskia in genunchi” (1635, Dresda). Acest tablou, în care Rembrandt s-a înfățișat ca un fiu risipitor, sună ca o provocare adresată fiului tânărului morar de către burghezia decentă din Amsterdam.

Una dintre cele mai bune capodopere ale lui Rembrandt, „Danae”, este, de asemenea, un monument al dragostei pentru Saskia. Pictura se bazează pe o legendă greacă antică care a atras în mod repetat atenția artiștilor. Regele argiv, tatăl lui Danae, despre care se prevedea că va muri din mâinile fiului ei, și-a închis fiica într-un turn. Cu toate acestea, sub masca ploii de aur, zeul Zeus (Jupiter) care s-a îndrăgostit de ea a intrat în Danae. Cu un sentiment amestecat de bucurie și timiditate, Danaya se ridică spre strălucirea aurie care precede apariția iubitului ei. Rembrandt nu a profitat de ocazie pentru a înfățișa un corp ideal de frumos, așa cum au făcut adesea predecesorii săi când o înfățișează pe Danae. Aspectul femeii pe care a luat-o drept model este departe de a fi perfect. Dar fața ei strălucește de o dragoste atât de inspirată, poziția ei este atât de fermecător de feminină, mișcarea și gestul primitor al mâinii sunt atât de uimitor de naturale, încât sinceritatea și umanitatea sentimentului întruchipat în ea fac din Danae de Rembrandt sublim și mai frumos decât idealizat. eroine frumoase. Pictura „Danae” este un mister de mulți ani. Această lucrare este datată 1636, totuși, interpretarea imaginii și stilul picturii pânzei anticipează trăsăturile operei lui Rembrandt din deceniul următor al anilor 1640. Și în trăsăturile faciale există puțină asemănare cu aspectul binecunoscut al lui Saskia. Doar studiile din anii relativ recenti, în care fluoroscopia a jucat un rol semnificativ, au făcut posibilă rezolvarea acestei ghicitori. Cert este că „Danae” nu era destinat vânzării și a rămas în posesia artistului până la vânzarea proprietății sale în 1656. Prin urmare, a reușit să o revede la zece ani după ce a fost scrisă și să o refacă în mare măsură, rescriind întreaga parte centrală în conformitate cu noua sa viziune. Rembrandt a schimbat, de asemenea, trăsăturile faciale ale eroinei, dând aspectului ei o asemănare cu o altă femeie, o slugă care a locuit în casa lui după moartea lui Saskia. În zilele noastre, chipul lui Danae este o combinație de trăsături a cel puțin două femei apropiate lui Rembrandt. Și în radiografie asemănarea cu Saskia este mult mai evidentă.

Un loc mare în opera lui Rembrandt din anii 1630, desigur, ca și înainte, a fost ocupat de picturi pe subiecte biblice și evanghelice. Ei nu au caracterul instructiv care a fost inerent picturilor similare ale majorității artiști olandezi(același Lastman). Rembrandt a umplut poveștile biblice cu conținut nou.

Cu toate acestea, abilitatea de a descrie în mod sufletesc experiențele umane nu i-a venit imediat artistului. În anii 1630, lucrările sale erau încă caracterizate de dramatism accentuat și dorința de vederință deliberată. În gama sentimentelor umane, Rembrandt este mai atras de efectele strălucitoare - durere, frică, uimire - decât de experiențele interioare profunde. Limbajul lui artistic este și mai patetic. Aceste trăsături ies în evidență cel mai puternic în compozițiile de format mare, cu figuri mari, de exemplu în pictura „Orbirea lui Samson”. Rembrandt i-a oferit acest tablou lui Constantin Hagens în semn de recunoștință pentru ajutorul acordat în obținerea unui ordin de la statholderul Frederick Heinrich pentru picturi pe tema „Patimile lui Hristos”. Artista a ales cel mai dramatic episod al legendei. O lumină strălucitoare evidențiază corpul lui Samson, înghesuit de durere, în timp ce un pumnal îi este înjunghiat în ochi. Mișcările trădătoarei care fugă Delilah și ale războinicului cu o știucă se ciocnesc într-o mișcare rapidă. Structura compozițională complexă, alternanța neliniștită a petelor de lumină și umbră sporesc expresia.

În aceiași ani, Rembrandt a pictat Patimile lui Hristos. El a repetat unul dintre tablouri într-o versiune mai mare și mai reușită („Coborârea de pe cruce”, acum în Schit). Această poveste despre marea durere umană este captivantă prin simplitatea și veridicitatea ei. Rudele și prietenii celui executat îi scot în grabă trupul de pe cruce noaptea pentru a-l îngropa. Trupul neînsuflețit, desfigurat de suferință, este înfățișat ca fiind uman slab. Unul dintre prietenii lui Hristos susține cu efort vizibil trupul defunctului. Dar nu stresul fizic l-a atras pe artist, ci, mai presus de toate, durerea unui bărbat care își pierduse un prieten și un mentor. Mama, o femeie simplă din popor, zdrobită de disperare, leșină la vederea trupului chinuit al fiului ei.

Astfel, chiar la începutul carierei sale creative, chiar în primul deceniu petrecut la Amsterdam, Rembrandt a creat o serie de lucrări care au fost incluse în fondul de aur al artei mondiale. Fiecare lucrare nouă indică din ce în ce mai clar poziția autorului - dorința de a adevărul interior, dezvăluind frumusețea spirituală a personajului. Pentru a rezolva problemele creative, Rembrandt, ca probabil nimeni din istoria artei, folosește posibilitățile clarobscurului, folosindu-l pentru a crea un anumit mediu emoțional și caracteristici psihologice ale imaginii. Cu el pictura încetează să mai joace o funcție decorativă sau reprezentativă și își îndreaptă propria privire către realitate.

În acest moment, au avut loc două evenimente tragice: în iulie 1633, după o lungă boală, fratele mai mare al artistului, Gerrit, a murit, iar în curând profesorul său Peter Lastman, la vârsta de 60 de ani, a părăsit această lume muritorilor.

Elevul lui Rembrandt, Jan Fleet, care vizitase de mult atelierul său, a căzut în mâinile artistului, care l-a invitat să părăsească atelierul. Adevărat, acest lucru ar fi trebuit făcut mai devreme - studentul îl dezamăgesse de mult pe Rembrandt. Maestrul l-a sfătuit să nu piardă timpul, ci să devină tipografi, din fericire, Jan făcea de mult timp gravuri din picturile lui Rembrandt.

Au fost și vești bune - din Friesland, unde s-a născut Saskia, vărul ei Hendrik van Uylenburch, pictor și negustor de artă, a venit la Amsterdam. Hotărând să se stabilească în capitală, a cumpărat un mic magazin lângă Rin (a locuit la Amsterdam până în 1657). Acum, cuplul nu numai că are o companie plăcută, ci și propriul agent pentru vânzarea de tablouri.

Și Saskia a născut în sfârșit băiatul mult așteptat. Fiul a fost numit Rombartus în onoarea tatălui lui Saskia. Rembrandt era în al șaptelea cer și nu a părăsit pătuțul, atrăgând la nesfârșit copilul. Dar au trecut câteva zile și copilul a murit.

Pentru o vreme părea că Saskia înnebunise de durere, dar treptat un psihic sănătos a preluat controlul. Părinții eșuați și-au revenit în fire și au început să trăiască din nou viata la maxim. Și doi ani și jumătate mai târziu, Rembrandt și-a scris faimosul „Danae”.

În acest moment, cuplul a decis că casa era prea mică pentru ei și colecția lor și au închiriat un apartament scump.

Rembrandt era la apogeul faimei sale. A predat, a muncit mult, a cheltuit bani activ - a cumpărat săbii și lame turcești strâmbe, brocart pentru hainele și draperiile modelelor, picturi ale celor mai mari maeștri. Noul său statut social l-a forțat să-și schimbe casa. Artistul a cumpărat o casă luxoasă cu trei etaje în rate în cel mai prestigios cartier al Amsterdamului de pe Breestraat, nu departe de Shooting Guild. Rinii i-au dat jumătate din averea lui Saskia. La ultimul etaj, Rembrandt a înființat un atelier impresionant, unde a creat neobosit din ce în ce mai multe capodopere. La parter era o sală de mese, atât de imensă încât nimeni nu a luat masa în ea, dar a acționat cu succes ca o sală de expoziție pentru colecție.

Cel mai bun prieten al lui Rembrandt și Saskia a fost Frans Banning Kok, căpitanul companiei de puști din Amsterdam din apropiere. Ușile luxosului conac van Rijns erau întotdeauna larg deschise pentru prieteni. Iar ofițerii breslei puștilor țineau periodic companie cu tânăra familie.

Curând, Saskia a rămas din nou însărcinată, dar de data aceasta fata a murit imediat după naștere. În următorii doi ani, van Rijns au mai pierdut doi copii. În plus, Netje van Rijn, mama lui Rembrandt, s-a îmbolnăvit. Cuplul și Lisbeth au decis să meargă la Leiden. Acolo, Rembrandt a pictat un portret plin de suflet al mamei sale într-o glugă de blană. Lisbeth a decis să rămână cu mama ei acasă, iar Rembrandt și Saskia s-au întors la Amsterdam.

Și după ce s-au întors, au fost uimiți de mesajul că vărul lui Saskia, Hendrik, s-a declarat debitor în insolvență. Le-a părut la fel de rău atât pentru vărul lor, cât și pentru miile de guldeni pe care îi datora lui Rembrandt.

Acum, în locul lui Hendrik Eulenbuerch, bătrânul inteligent Clement de Jonge, proprietarul unei librării, colecționar și dealer, a început să cumpere gravuri de la Rembrandt.

Un alt eveniment tragic a avut loc - iubita soră a lui Saskia, Titia, a murit de pneumonie (hemoragie pulmonară) la vârsta de 34 de ani. Saskia avea 31 de ani în acest moment.

Și la Amsterdam se pregăteau pentru sărbătorile atât de iubite în Țările de Jos - „intrarea” Mariei de Medici (mai corect ar fi să spunem - evadarea ei din Paris). Din anumite motive, comitetul organizatorilor festivalului nu a comandat nimic de la Rembrandt. S-ar fi jignit până la capăt dacă în acel moment nu ar fi primit o altă comandă – încă două tablouri bazate pe scenele Patimilor Domnului.

Anul acesta, în viața socială și culturală a orașului a apărut un nou fenomen: „Cercul Meiden”, care s-a întâlnit în Castelul Signoral Hoft de pe râul Amstel. Membrii săi (von Sandart, Fondel, Tesselshade Fischor) au zburat cu sârguință în empirean, scriind poezie plictisitoare, pseudo-antica. Sfidându-le, Rembrandt a pictat două tablouri bizare, se presupune că tot în stil „antic”: „Ganymede, dus de un vultur” (un băiat gras în ghearele unei păsări sănătoase țipă de frică, dând afară un pârâu) și „Diana, înspăimântată de Acteon” (un vânător asemănător taurului aproape că izbucnește de încântare la vederea a douăzeci și una de femei grase goale stropind în apa puțin adâncă). Întregul cerc a fost jignit de moarte. Și printre ei au fost oameni destul de influenți...

În aceeași perioadă, Rembrandt a lucrat mult în tehnica gravurii („Vânzătorul de otravă de șobolani”, 1632), creând desene îndrăznețe și generalizate în creion. La începutul anilor 1640, viața și activitatea artistică a lui Rembrandt păreau să fi devenit stabile și măsurate. Autoportretul din 1640 (Londra, Galeria Națională), influențat de lucrările lui Rafael și Tizian, arată un bărbat încrezător, sensibil, îmbrăcat în mod italian din secolul al XVI-lea, sprijinit de o balustradă; umerii îi sunt ușor întoarse, privirea îndreptată spre privitor. Între timp, perioada recunoașterii universale din viața lui Rembrandt se încheia deja. În anii 1640, a apărut un conflict între opera lui Rembrandt și cerințele estetice limitate ale societății sale contemporane.

S-a manifestat în mod clar în 1642, când pictura „Vizorul de noapte” (Rijksmuseum, Amsterdam) a provocat proteste din partea clienților care nu au acceptat ideea principală a maestrului - în locul unui portret de grup tradițional, el a creat o compoziție eroic optimistă cu o scenă a unui interpretarea breslei de trăgători la un semnal de alarmă, adică este în esență o pictură istorică, evocând amintiri ale luptei de eliberare a poporului olandez, mai degrabă decât un portret de grup. Discordia dintre direcția lucrării sale și gusturile și cerințele mediului burghez a devenit din ce în ce mai vizibilă. Respectabila burghezie olandeză, cu ferm stabilită vederi lumeștiși cu o perspectivă limitată, tot în arta lui Rembrandt care depășea ceea ce este general acceptat era de neînțeles. Ei au fost stânjeniți de înțelegerea lui mai profundă a sarcinilor artei adevărate realiste decât contemporanii săi, de neobișnuirea ideilor sale artistice și de originalitatea implementării sale. Prima manifestare a conflictului de preparare a berii a fost povestea unei mari comisii pentru un portret de grup al Fusilierii din Amsterdam, cunoscut sub numele de „The Night Watch”. Așa se numește în prezent, deoarece culorile s-au întunecat foarte mult de-a lungul timpului, iar un grup de trăgători, care odată a ieșit din umbra arcului în lumina strălucitoare, se află acum într-o „noapte cu lună”. Numele real al lucrării este „Compania căpitanului Frans Banning Kok și locotenentului Willem van Ruytenburg”. A fost scrisă cu ocazia vizitei reginei franceze Marie de' Medici la Amsterdam și a ieșirii ceremoniale a trupelor de miliție a orașului organizate cu această ocazie. Pentru lucrare a fost acordată o sumă importantă - 1600 de florini. Rembrandt l-a pictat din 1639 până în 1642. Pentru această pânză uriașă, a trebuit să fie îndepărtat un hambar, iar în cele din urmă nu a încăput în nicio cameră. În plină lucrare la pânză, mama lui Rembrandt a murit. Sănătatea lui Saskia îl îngrijora și ea - era din nou însărcinată și, în plus, era afectată de o tuse și o slăbiciune constantă. Într-o stare atât de alarmantă, artistul a scris „David și Jonathan”. Imaginea spune cum tânărul David, care căzuse din dizgrația regelui Solomon, își ia rămas bun de la fiul său, prietenul său Ionatan. Ambii sunt șocați de viitoarea despărțire. Peisajul este învăluit într-o ceață alarmantă de dinaintea furtunii, combinația de nuanțe delicate de roz auriu cu albastru-verde dă un efect de rău augur. În acest tablou, datat cu anul morții lui Saskia, Rembrandt pare să-și ia rămas bun de la soția sa. În imaginea lui Jonathan, putem recunoaște cu ușurință trăsăturile faciale ale artistului însuși, dar îmbătrânit, deprimat și serios. Iar femininul David, cu părul blond curgându-i peste umeri, seamănă cu Saskia. Lumea fericirii senine a crăpat.

Îngrijorat de sănătatea soției sale, Rembrandt a invitat în avans o moașă - Gertje Dirks, în vârstă de patruzeci de ani.

Din fericire, van Rijns a născut un copil sănătos în septembrie. A fost numit Titus în onoarea surorii sale decedate Saskia. După ce a stat în pat aproape o lună întreagă, Saskia s-a pus în sfârșit pe picioare în octombrie. Dar, de îndată ce totul a început să se îmbunătățească, Rembrandt a suferit o durere teribilă - la 14 iunie 1641, iubita lui Saskia a murit. Ea a murit, se pare, din cauza consumului. Titus, în vârstă de un an, a rămas în brațele tatălui său.

Rembrandt a încercat să se piardă în munca sa. În 1642, „Compania Căpitanului Frans Banning Cock” a fost în cele din urmă pusă pe teren. Filmul a avut un succes uriaș, dar clienții au fost extrem de nemulțumiți. În loc de un simplu portret de grup, au primit o capodoperă care l-a glorificat pe maestru mai degrabă decât pe subiecții săi. Ignorând tehnicile tradiționale de construire a portretelor de grup, Rembrandt a creat o pictură narativă bogată în acțiune dramatică, care înfățișează un detașament de pușcași din miliția orașului care pleacă într-o campanie. Dorința de a manifesta impuls, acțiune a rămas neînțeleasă. Indignarea clienților a fost cauzată de faptul că, în opinia lor, Rembrandt nu a acordat atenția cuvenită descrierii multor membri individuali ai grupului. Pentru unii dintre ei, jumătate din față le-a fost blocată de pălăria vecinului, pentru alții era tăiată de axul unei sulițe. În același timp, pentru a face scena mai credibilă, artistul a introdus în imagine figuri de străini, care, desigur, nu au plătit pentru prezența lor în ea (de exemplu, o fată de la cantină cu un cocoș la brâu). Desigur, o persoană care nu era interesată personal de lucrare a fost încântată de imagine, dar oamenii reprezentați în ea, din câte au putut, s-au asigurat că artistul rămâne fără noi comenzi.

Cu „The Night Watch”, popularitatea lui Rembrandt a început să scadă: afluxul de clienți a scăzut și au fost mai puțini studenți. Geertje Dirks s-a transformat din moașă într-o dădacă.

Există o pată întunecată în acest loc în biografia maestrului.

Potrivit unor informații, Geertje Dirks, la ceva timp după moartea soției lui Rembrandt, a început să se bucure de atenția lui nu numai ca dădacă, și tocmai cu chipul ei Rembrandt a înlocuit fața lui Saskia în pictura „Danae”. Potrivit altora, nimic de genul acesta nu s-a întâmplat și nu s-ar fi putut întâmpla între Geertje, în vârstă de 42 de ani, și Rembrandt, în vârstă de 37 de ani.

Următoarele sunt cunoscute cu siguranță:

În 1648, Geertje Dirks, după ce a creat un scandal zgomotos, l-a dat în judecată pe Rembrandt Harmensz van Rijn pentru că nu și-a îndeplinit promisiunea de a se căsători. (Este îndoielnic că i-a promis acest lucru, ținând cont de clauza din contractul de căsătorie cu Saskia.)

În al doilea rând, după 1648 nu a mai lucrat în casa lui Rembrandt.

În al treilea rând, și-a petrecut ultimele zile ale vieții într-un manier.

Încercați să trageți singuri o concluzie pe baza acestor fapte.

Apropo, în același timp, compară cu cine seamănă cel mai mult Danae? Avem impresia că Hendrikje este Stoffels.

Fiica tânără, întunecată și puternică a sergentului Stoffels Hendrikje din Ransdoorn - una dintre o duzină de urmași ai săi - a apărut în casa cu trei etaje a lui Rembrandt chiar înainte ca Geertje Dirks să fie expulzat de acolo. Obișnuită cu orice fel de muncă, echilibrată, sensibilă, și-a luat imediat asupra sa cea mai mare parte a treburilor casnice. De-a lungul timpului, a devenit mama adoptivă a lui Titus și soția în comun a lui Rembrandt.

Până în acest moment, opera lui Rembrandt și-a pierdut eficiența externă și notele sale de major inerente anterior. El a pictat scene calme biblice și de gen pline de căldură și intimitate, dezvăluind nuanțe subtile ale experiențelor umane, un sentiment de apropiere spirituală, de familie („David și Ionatan”, 1642, „Sfânta familie”, 1645).

De atunci, priceperea și virtuozitatea au devenit soarta diabolică a artistului. Din ce în ce mai mult, clienții preferă să se îndrepte nu către maestru, ci către studenții săi - Flink, Ball, Baker. Nu sunt atât de talentați, dar îl înțeleg mult mai bine pe client și, cel mai important, sunt întotdeauna gata să-i urmeze exemplul. În plus, voința profesorului ajunge uneori la punctul de absurd. Pentru a obține cel mai bun rezultat, poate petrece luni întregi desenând și redesenând un singur portret, forțând săracul client să vină în studio în fiecare zi, nepermițându-i să se miște sau să-și sufle nasul. Odată, Rembrandt a pictat un portret de grup - un cuplu de familie, copii și cu ei o maimuță mică. În timpul uneia dintre ședințe, maimuța a murit, iar artista, șocată de cele întâmplate, și-a înfățișat cadavrul în imagine. Clienții au cerut ca acest detaliu nu tocmai plăcut să fie îndepărtat, la care maestrul a răspuns cu un refuz hotărât, spunând că doar acesta a făcut poza interesantă și colorată.

AL TREILEA RIN Călătoream cu un tren în Olanda cu traducătorul meu Hans Bolland. Am vorbit despre Sankt Petersburg, despre Mihail Kuzmin, despre Alexei Purin și Sasha Leontiev Deodată Bolland s-a uitat pe fereastră și a strigat „Rhin! Rinul! S-a dovedit că o traversam peste un pod deasupra capului. Era lat

Din cartea Rembrandt de Pierre Descargues

Din cartea Red Lanterns autor Gaft Valentin Iosifovich

Capitolul III Rembrandt van Amsterdam Andromeda și Proserpina Amsterdam, 15 aprilie 1631 Rene Descartes i-a scris prietenului său Guez de Balzac: „În acest imens oraș în care mă aflu acum, nu există nimeni în afară de mine care să nu fie angajat în comerț, aici sunt toți oamenii. atât de preocupat de ale lui

Din cartea Matisse de Escolier Raymond

Evgeniy Rein Fie în Marea Neagră, fie în piscină, Când Rinul plutește cu mine, cred că râul Heine îl vom numi „Azochen”

Din cartea Olympio sau Viața lui Victor Hugo de Maurois Andre

REMBRANDT Să atribuim această magie particularităților desenului alb-negru. Alb-negru... La sfârșitul secolului trecut și la începutul celui actual, litografia originală, care după o îndelungată uitare, părea că renaște din cenușă odată cu apariția unor maeștri precum Lunois, precum

Din cartea The Ball Left in the Sky. Proză autobiografică. Poezie autor Matveeva Novella Nikolaevna

3. Rin Cunoașteți pasiunea mea pentru călătoriile lungi cu tranziții scurte în compania vechilor prieteni din copilărie Virgil și Tacitus. Victor Hugo. Rin În trei călătorii (1838, 1839 și 1840), pe lângă Vergiliu și Tacit, poetul a fost însoțit de Juliette Drouet; i-a făcut-o

Din cartea Cele mai picante povești și fantezii ale vedetelor. Partea 2 de Amills Roser

Rembrandt A murit în Olanda, înconjurat de frigul mării. Un zeu jefuit, un biet geniu. A murit????????????si a luat secretul minunat nerezolvat. A fost regele clarobscurului. El ținea o mână nemuritoare, ca un toiag regal, peste împărăția viselor de nestins cu aceeași mână care

Din cartea Aventurile unui alt băiat. Autism și nu numai autor Zavarzina-Mammy Elizaveta

Din cartea Tank Battles 1939-1945. autor

Capitolul 7 Rezultate. Bicicleta, algebră și Rembrandt Înainte de a trece la următoarea parte, aș dori să menționez încă o dată realizările noastre și unele dintre problemele lui Petina cu care am ajuns la IAHP. Va trebui să ne întoarcem cu mulți ani în urmă, altfel va fi dificil să evaluăm rezultatele de astăzi. ȘI

Din cartea Armored Fist of the Wehrmacht autor Mellenthin Friedrich Wilhelm von

Bătălia de la Rin Pe 8 februarie, ofensiva finală a Aliaților din Vest a început cu Armata 1 canadiană atacând Pădurea Reichswald, la intersecția Rinului cu granița olandeză. Această grevă a fost prima dintr-o serie de lovituri planificate de Eisenhower împotriva multor britanici și

Din cartea Pictură străină de la Jan van Eyck la Pablo Picasso autor Solovyova Inna Solomonovna

Bătălia de la Rin Pe 8 februarie, ofensiva finală a Aliaților din Vest a început cu armata 1 canadiană care atacă Pădurea Reichswald la intersecția Rinului cu granița olandeză. Această grevă a fost prima dintr-o serie de lovituri planificate de Eisenhower împotriva multor britanici și

Din cartea autorului

Capitolul 11 ​​Rembrandt Harmens van Rijn Rembrandt Harmens van Rijn este unul dintre cei mai mari pictori și gravori olandezi; născut la 15.06.1606 la Leiden (Olanda), decedat la 4.10.1669 la Amsterdam. A studiat la Universitatea din Leiden (1620), din 1621 a studiat pictura cu un maestru local.

Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alegeți cu grijă cuvintele, figurile de stil potrivite, nu știți de unde să începeți... Prin urmare, voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.

În copilărie – în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe - în timpul orelor de MHC la institut, cu tobogane vechi într-o clasă întunecată în serile lungi de decembrie. În tinerețea mea - în uimitoarea Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am ținut deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut zeci de excursii, dar încă am senzația că acum ești pe cale să te cufunda în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.

Este ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării unde te-ai găsit pentru prima dată. Nu știi dacă apa este rece acolo sau câte pietre sunt în fund. Anticiparea și îndoiala îți fac mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge asta - săriți în alergare, simțindu-vă inima bătând cu putere și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul vostru este dusă undeva în depărtare, iar acum sunteți singur cu ceva complet nou... Ei bine, bine! Să sărim, să deschidem ochii și să ne uităm!

La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Faimă, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. A fost considerat cel mai bun maestru al picturii portretistice într-unul dintre cele mai bogate orașe ale vremii sale, în perla nordului Europei - Amsterdam.

Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze așa ceva! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să lumineze toate deficiențele persoanei, dar Rembrandt a gândit diferit. Portretele lui erau vii. Transmiteau caracter; Iată un fragment dintr-un portret al colectorului șef de taxe din provincia Olanda, Jan Vtenbogaert.

Aproape întreaga avere a republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă de blană de samur rusesc - indică clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. Vedeți tristețe în ei... Și imediat vă vine în minte pânza marelui predecesor al lui Rembrandt -. Nu îl privește apostolul pe Hristos cu aceeași expresie atunci când îl cheamă la sine? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit, iar pictorul olandez a putut să arate acest lucru într-un moment înghețat.

Rembrandt Harmens van Rijn și-a petrecut tot timpul liber studiind expresiile faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Pentru el era important să surprindă cele mai mici nuanțe de emoții.

Fața umană, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului, el și-a dat seama de asta cu mult înainte de Oscar Wilde cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele lui mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat atât de mult în pictura sa, capătă o amploare cu adevărat gigantică la maestrul nostru.

Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acesta este tabloul „Coborârea de pe cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești omenești cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu îl făcuse înainte sau după el.

Ierusalimul din fundal se îneacă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul de cea mai mare disperare, nimeni încă nu crede în înviere. Oamenii văd doar cadavrul bărbatului pe care l-au iubit și l-au închinat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.

Există un detaliu pe această pânză care nu este imediat vizibil. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile unui băiat, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină se spune aici povestea adevărată, se dezvăluie sensul filosofic al tabloului.

Lumina felinarului este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o introducere în misterul său. Se simte că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Ceea ce iese în evidență din întuneric este chipul Maicii Domnului și giulgiul, luminate de lumina slabă a unei lumânări, în care urmează să fie înfășurat trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a folosit pentru prima dată o tehnică care, în ultimii ani ai vieții sale, a devenit centrală pentru munca sa.

Și acum vedem cum un om care a stăpânit perfect tehnica scrisului a pictat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar, pe măsură ce ne-am îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape imposibil de distins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.

Cu toate acestea, există un alt personaj pe această pânză care nu se observă la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl înfățișează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascuns în spatele tulpinilor de ciulin, Diavolul în formă de câine se uită la tine și pare să-ți pună o întrebare:

„Te-ai implicat în ceea ce se întâmplă?”

Da, maestrul olandez nu a fost niciodată mulțumit de cadrul unui tablou, a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume și că privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a coborât de pe culmile gloriei în abisul uitării de secole.

Nenorocirea și uitarea vin la fel de repede ca averea și gloria. Rembrandt Harmens van Rijn a experimentat această primă mână în 1642. Bineînțeles, au existat dureri înainte de asta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Iar odată cu această pierdere, și norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a realizat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.

Putem vorbi la nesfârșit despre „Night Watch” al lui Rembrandt. Acest tablou este atât de mare în conținut, atât de unic în compoziția sa structurată, încât istoria creației sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care mai târziu a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporanii săi.

Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost reprezentați și mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru munca artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a suferit un fiasco cu cea mai bună lucrare a sa. S-ar părea că este suficient, dar nu, acesta a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au intrat în modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere cu fiul său iubit Titus.

Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințele modeiîn artă și primesc din nou bani mari pentru picturile lor. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. Portretele sale nu mai erau ale oamenilor bogați, ci ale celor mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.

Rembrandt nu mai era interesat de reprezentările detaliate ale tuturor articolelor de îmbrăcăminte, s-a străduit pentru o mai mare abstracție, străduindu-se să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru perseverența lui, a primit doar suferință și palme. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.

În loc de o imagine clasică, pompoasă, patriotică, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.

În fața noastră este o imagine a unui festin barbar, nepoliticos, inestetic. Acest tablou a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionistă. Nu este surprinzător că capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele său a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani din viața lui, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt una dintre cele mai fructuoase perioade din opera lui Rembrandt.

Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv „Întoarcerea fiului risipitor” într-un articol separat. Acum vreau să vorbesc despre altceva. Am fost mereu uimit de cum Rembrandt a putut să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului plouau asupra lui de pretutindeni. Acest lucru nu a putut continua mult timp, iar artistul a avut un presentiment.

Lovitura finală este întotdeauna dată în locul cel mai dureros. Era singurul fiu, Titus, un băiat foarte bolnav care semăna cu mama lui moartă. El a fost cel mai des înfățișat Rembrandt la acea vreme: atât sub forma unui înger în pictura „Matei și îngerul”, cât și lectură, precum și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că cu ajutorul talentului său va reuși cumva să întârzie inevitabilul... Nu a fost posibil...

După părerea mea, „Portretul lui Titus în robe de călugăr” este una dintre cele mai pline de suflet picturi ale lui Rembrandt. Toată dragostea tatălui ei și tot talentul ei de pictor s-a manifestat în ea. În toate aceste mișcări aspre, în acest întuneric care înainta spre tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja corpul, un lucru iese în evidență - chipul palid al fiului artistului, cu ochii în jos, plini de smerenie.

Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar cu un an.

Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, după ce a primit totul în această viață și a pierdut totul. Au uitat multă vreme de picturile lui... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ce încerca maestrul să le spună contemporanilor săi, care și-au ales propriul drum unic în loc de faimă și bani.